बैले एक काव्य कला है. उन्हें उदात्त, वीर, गीतात्मक विषयों की विशेषता है। आश्चर्यजनक अद्भुत दुनियानृत्य छवियाँ गहराई से उत्तेजित करती हैं और महान आकांक्षाएँ जगाती हैं।
बैले प्रदर्शन में एक लेखक द्वारा रचित एक आकर्षक कथानक, एक संगीतकार द्वारा रचित संगीत, एक कोरियोग्राफर द्वारा आविष्कृत और कलाकारों द्वारा किया गया नृत्य, सुरम्य दृश्य और कलाकार की योजना के अनुसार बनाई गई वेशभूषा का संयोजन होता है।
दोनों कलाकारों के विचार को व्लादिमीर सोमर की अस्तित्ववादी चौकड़ी का समर्थन प्राप्त है। उन्होंने ब्रनो में राष्ट्रीय रंगमंच में काम किया और प्राग में राष्ट्रीय रंगमंच में एकल कलाकार थीं। वह अपनी परियोजनाओं को प्रसिद्ध चेक और विदेशी दृश्य कलाकारों - प्रदर्शन, फिल्म, आंदोलन या सैद्धांतिक सहयोग के साथ सहयोग पर केंद्रित करते हैं। प्राग के अलावा, उनके कार्यों का उल्लेख पूरे चेक गणराज्य के साथ-साथ विदेशों में भी किया जाता है। उनके व्याख्यात्मक और कोरियोग्राफिक काम को देश और विदेश में प्रतियोगिताओं में पुरस्कार प्राप्त हुए हैं और समकालीन नृत्य समारोहों और अंतर्राष्ट्रीय कला परिदृश्य के संदर्भ में प्रस्तुत किया गया है।
यह जटिल कला काफी देर से विकसित हुई। बैले चार सौ साल से थोड़ा अधिक पुराना है, हालाँकि नृत्य की कला कई सहस्राब्दियों से अस्तित्व में है (लेख "लोक नृत्य" देखें)।
बैले की उत्पत्ति 15वीं शताब्दी में इटली में हुई। लोक नृत्यों से "बैलेट्टी" (इतालवी "बैलारे" - नृत्य करने के लिए, और "बैलेट्टी" - नृत्य) नाम कोर्ट बॉल पर किए जाने वाले अधिक जटिल नृत्यों में बदल गया। शासकों के दरबार में, अक्सर नृत्य, गायन और गायन के साथ पोशाक प्रदर्शन का मंचन किया जाता था, जिसमें दरबारी स्वयं भाग लेते थे। इन पहले बैले में पात्रों की शिथिल रूप से संबंधित "प्रविष्टियाँ" शामिल थीं, जो अक्सर ग्रीक पौराणिक कथाओं से ली गई थीं। एक समृद्ध और शानदार कपड़े पहने जोड़े की जगह दूसरे ने ले ली। सभी "निकासों" के बाद, सामान्य नृत्य, या "भव्य बैले" शुरू हुआ।
काल और शताब्दी के सैद्धांतिक, सांस्कृतिक और ऐतिहासिक अध्ययन द्वारा कला और आंदोलन या नृत्य की परस्पर क्रिया का भी अध्ययन किया जाता है। बैले करने के कई तरीके हैं। उनमें से कुछ सरल रास्ते हैं जो माता-पिता के हितों, शिक्षकों के जुनून, "दोस्त के दोस्त" की ओर ले जाते हैं जो मार्गदर्शन करेंगे, दिखाएंगे, टिप्पणी करेंगे और सबसे बढ़कर, इस असाधारण दुनिया में खींचे जाएंगे। अन्य मूर्त सड़कें हैं, संयोगों और घटनाओं से भरी हुई हैं, और आज की दुनिया में जहां पॉप संस्कृति "उच्च" संस्कृति में मिलती है, क्या उपयोगी है, क्या असाधारण है - कुछ भी संभव है।
इस तरह का प्रदर्शन इटली के टोरटोना शहर (1489) में एक भव्य दावत में किया गया था। प्राचीन देवताओं और नायकों ने नृत्य किया और मेहमानों को भोजन परोसा। समुद्री देवता मछली के व्यंजन लाए, उर्वरता देवियाँ फल और मिठाइयाँ परोसीं। यह गैस्ट्रोनॉमिक बैले शराब के देवता बाखस के शानदार प्रवेश के साथ समाप्त हुआ। ऐसे प्रदर्शन कई यूरोपीय अदालतों में भी दिखे।
सबसे मूल्यवान बात यह है कि आप देख सकते हैं कि एक नर्तक, विशेष रूप से इस वर्ग और मैक्सिम जैसे अनुभव के पास न केवल अपने काम और कला के बारे में, बल्कि हमारे आसपास की दुनिया के बारे में भी कहने के लिए बहुत कुछ है। सबसे मूल्यवान बात यह है कि बैठक के बाद कई लोगों ने शो में जाने और मैक्सिम को जल्द से जल्द मंच पर देखने के लिए अपनी तत्परता की घोषणा की!
इसकी पुष्टि सबसे कम उम्र के बच्चों के बीच संचालित कई शैक्षिक परियोजनाओं से हुई है। जो कुछ सीधे सीखा जाता है, वह घनिष्ठ, मैत्रीपूर्ण हो जाता है, ध्यान आकर्षित करता है। इसलिए, विभिन्न वातावरणों, समूहों में ऐसी बैठकें आयोजित करना उचित है। अलग-अलग मामलेऔर विभिन्न विषयों पर.
धीरे-धीरे, कोर्ट बैले में, पौराणिक नायकों को लोगों के लोगों को चित्रित करने वाले कॉमिक मुखौटों द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है - लॉन्ड्रेस, सराय के मालिक, मोची, आदि। बैले में सभी भूमिकाएँ केवल पुरुषों द्वारा निभाई गईं।
कोर्ट बैले प्रतिभागियों के वस्त्र और मुखौटे भारी और असुविधाजनक थे। उदाहरण के लिए, एक मोची को अपने सिर को ढकने वाले बड़े जूते में नृत्य करना पड़ता था, और एक वायलिन वादक की पोशाक में एक बड़ा वायलिन होता था। पुरातनता के नायकों को भी एक भारी सूट पहनाया जाता था जो उनके जैसा होता था अदालती पोशाक. ऐसी वेशभूषा में नृत्य करना बहुत कठिन था, इसलिए सभी बैले गतिविधियाँ सहज चलने, सुंदर धनुष और सुंदर मुद्राओं तक ही सीमित थीं। इसके अलावा, अगर महिलाओं ने पुरुषों के साथ कोर्ट बॉल में भाग लिया, तो मंच पर महिला भूमिकाएँमास्क और विग पहने लड़कों द्वारा प्रदर्शन किया गया।
यह लोगों के लिए एक "बैले रिलीज" है - आज की दुनिया में उपलब्ध कुछ विज्ञापनों में से एक जहां "किसी को भी बैले में दिलचस्पी नहीं है" और "यह नहीं बिकेगा।" मैक्स को यह भी याद आया कि हर कोई शास्त्रीय नृत्य मॉडल नहीं है और हमसे परिचित नहीं है, स्पष्ट शब्दावली सभी के लिए समान रूप से स्पष्ट और स्पष्ट नहीं है। व्यावसायिक स्कूलों में बैले प्रशिक्षण और शिक्षा के बारे में बहुत कुछ कहा गया है - यह कैसा दिखता है, मैक्सिम के बेलारूस में स्कूल से स्नातक होने के बाद यह कैसे बदल गया, पोलिश बैले स्कूलों की गलतियाँ और समस्याएं क्या हैं।
दरबारियों ने बेतरतीब ढंग से नृत्य किया, क्योंकि नृत्य आंदोलनों के प्रदर्शन के नियम अभी तक मौजूद नहीं थे।
फ्रांसीसी राजा लुईस XIV के आदेश से, नियमों और नृत्य प्रणाली को विकसित करने के लिए 1661 में रॉयल डांस अकादमी की स्थापना की गई थी। इसमें राजा द्वारा नियुक्त तेरह नृत्य शिक्षक शामिल थे। 1069 में, एक संगीत थिएटर (रॉयल एकेडमी ऑफ म्यूजिक) की स्थापना की गई, जहां पहले केवल दरबारियों ने ओपेरा और बैले में नृत्य किया। सबसे पहले, बैले प्रदर्शन कोर्ट प्रदर्शन से लगभग अलग नहीं थे। संगीत, नृत्य और गायन एक-दूसरे से शिथिल रूप से जुड़े हुए थे और कोई सुसंगत कलात्मक प्रभाव उत्पन्न नहीं करते थे। नृत्य दरबार के समान ही थे - धीमी मिनट, गावोटे, अपने लोक स्रोत से बहुत दूर। महिलाओं को केवल 1681 में मंच पर आने की अनुमति दी गई। उन्हें भारी नृत्य करना पड़ता था लंबी पोशाकेंऔर जूते पहने हुए हैं ऊँची एड़ी. इस तरह की वेशभूषा ने नर्तकियों को जटिल कलाप्रवीण नृत्य करने से रोका, और इसलिए पुरुषों के नृत्य की महारत ने अनुग्रह, लालित्य, सहजता और तकनीक में महिलाओं के नृत्य को पीछे छोड़ दिया।
मैक्स को बैले शिक्षाशास्त्र के छात्र के रूप में बैले स्कूल के छात्रों के काम को देखने का अवसर मिला है और उन्होंने बैले स्कूल में प्रदर्शनों की सूची भी सिखाई है। उन्होंने बैले सिखाने में अनुशासन और निरंतरता की भूमिका के बारे में बात की, जो आधुनिक परिस्थितियों में अक्सर एक कल्पना है और दुर्भाग्य से, अपेक्षित परिणाम नहीं लाती है।
मैक्सिम के अनुसार, सबसे महत्वपूर्ण बात छात्रों की ईमानदारी और जिस तरह से वे काम करने के लिए जुटे हैं वह है। तथाकथित मुद्दों को लेकर कई सवाल थे. बैले कलाकारों की टुकड़ी में प्रतिस्पर्धा और रिश्ते। यह अफ़सोस की बात है कि सच्ची कला और सर्वश्रेष्ठ कलाकार अक्सर ऐसे मुद्दों से पीड़ित होते हैं जिनका कला और व्यावसायिकता से कोई लेना-देना नहीं होता है। सौभाग्य से, महान कोरियोग्राफरों, नर्तकों और नर्तकियों के साथ सहयोग की कहानियाँ भी थीं जिनकी मैक्स सबसे अधिक सराहना करता है। वारसॉ बैले के प्रशंसकों के लिए, उन महान एकल कलाकारों और एकल कलाकारों को याद करना अच्छा था, जिन्होंने पहले ही मंच पर अपना करियर समाप्त कर लिया था और कारमेन और मैक एका और जिरी किजान के ऑन द ब्रिजेस ऑफ टाइम जैसे शानदार प्रदर्शन किए थे।
इटली में, कोर्ट बैले का फैशन बहुत पहले ही चलन में आ गया और नृत्य की कला पूरी तरह से पेशेवर हो गई। इतालवी नर्तक अपनी नृत्य तकनीक की उत्कृष्टता के लिए प्रसिद्ध थे। लेकिन अभी भी बहुत कुछ था जो बैले को वास्तविक कला बनने से रोकता था - नृत्य के साथ आने वाले गीत, भारी पोशाकें और मुखौटा जो कलाकार के पूरे चेहरे को छिपा देता था।
उच्चतम क्रम की अविस्मरणीय घटनाएँ! ज्यादा ग़ौरपोलिश श्रम बाजार में नर्तकियों की स्थिति और उनके करियर की समाप्ति के बाद काम और पुनः प्रशिक्षण में उनकी समस्याओं पर ध्यान केंद्रित किया गया। ऐसी स्थिति में जहां हर किसी की तरह नर्तकियों को भी 67 साल की उम्र तक काम करना पड़ता है, हर कलाकार को इस बारे में सोचना चाहिए। समस्या और भी महत्वपूर्ण है कि अतीत में, पोलिश बैले में काफी स्थिर वातावरण और स्थिति में, कई लोगों को शिक्षक, कोरियोग्राफर आदि के रूप में अपने करियर की स्वाभाविक निरंतरता मिली। आज, एक ओर, सीमाएं शैक्षणिक शिक्षा की आवश्यकताएं और स्वयं टीमों में कम स्थिर स्थिति हैं।
1773 में ही नर्तक मैक्सिमिलियन गार्डेल ने पहली बार पारंपरिक मुखौटा उतार दिया था। थोड़ी देर बाद, बैलेरीना मैरी कैमार्गो ने अपनी स्कर्ट को टखने के ठीक ऊपर तक छोटा करके और एड़ी को छोड़कर आंदोलन की कुछ स्वतंत्रता हासिल की, और मार्ने सैले ने ग्रीक अंगरखा की याद दिलाते हुए ढीले, हल्के कपड़े पहनकर नृत्य करना शुरू कर दिया। नृत्य धीरे-धीरे और अधिक सार्थक होता गया।
कोई केवल यह आशा कर सकता है कि निजी नृत्य शिक्षा अधिक गतिशील रूप से विकसित होगी और, पश्चिम की तरह, बैले समाज के संवर्धन के साथ, यह उन बच्चों और युवाओं के लिए एक लोकप्रिय शौक बन जाएगी जो जरूरी नहीं कि अपने पेशेवर जीवन से जुड़े हों। शनिवार की बैठक न केवल स्थान के कारण, बल्कि जलवायु के कारण भी असाधारण थी। जैसा कि यह पता चला है, एक बहुत ही अलग तरीके से, आप उस स्थान का विस्तार कर सकते हैं जो सांस्कृतिक बैले हमारे सांस्कृतिक जीवन में निभाता है, और कलाकार जो इस अनूठी कला का अभ्यास करते हैं।
यह शर्म की बात है कि बहुत से लोग अभी भी इस बात पर ध्यान नहीं देते हैं कि पोलिश संगीत और नृत्य दृश्यों में हमारे पास प्रामाणिक सितारे हैं जो बैले को अधिक व्यापक रूप से बढ़ावा दे सकते हैं यदि केवल मीडिया ज्ञान, व्यावसायिकता और सरलता दिखाए। यह अफ़सोस की बात है कि केवल कुछ ही, उदाहरण के लिए, पोलिश गायक, जिन्हें दुनिया में प्रचार मिला है, प्रेस की रुचि पर भरोसा कर सकते हैं। मैक्सिम वोइतिउल ने दुनिया भर के कई स्थानों पर नृत्य किया है, सर्वश्रेष्ठ कोरियोग्राफरों के साथ काम किया है, सबसे सुंदर, सबसे जटिल बैले पार्टियां बनाई हैं - बहुत कम लोग ऐसा कहते हैं, और कुछ लोग उन्हें देखना चाहते हैं।
पश्चिमी यूरोपीय बैले के विकास में विशेष रूप से महान योगदान फ्रांसीसी कोरियोग्राफर जीन-जॉर्जेस नोवरे (1727-1810) द्वारा दिया गया था। अपने "लेटर्स ऑन डांस" (1760) में, उन्होंने "प्रभावी" यानी सार्थक और अभिव्यंजक नृत्य के निर्माण का आह्वान किया, जिसमें भावनाओं, विचारों और घटनाओं को पैंटोमाइम और नृत्य आंदोलनों में प्रकट किया जाएगा। नोवरे इन उन्नत विचारों को केवल आंशिक रूप से स्टटगार्ट में डुकल कोर्ट और अन्य चरणों में आयोजित बैले प्रदर्शनों में लागू करने में कामयाब रहे।
वह व्यापक रुचि और प्रशंसा के पात्र एकमात्र व्यक्ति नहीं हैं - हमारे पास महान बैले नर्तक हैं, जो अपने करियर के समाप्त होने के बाद गायब हो जाते हैं, केवल मुट्ठी भर उत्साही लोगों के उपद्रव द्वारा याद किए जाते हैं! गार्डज़िना-कुबाला वारसॉ विश्वविद्यालय में एप्लाइड लिंग्विस्टिक्स और ईस्ट स्लाविक फिलोलॉजी संकाय से स्नातक हैं और उसी विश्वविद्यालय में स्नातकोत्तर अध्ययन के साथ-साथ संगीत अकादमी में नृत्य सिद्धांत भी हैं। वारसॉ में फ्राइडेरिक चोपिन। उत्साही पत्रकार, संगीत और बैले समीक्षक। उन्होंने वारसॉ और पॉज़्नान में अधिकांश पेशेवर पोलिश संगीत पत्रिकाओं, ओपेरा हाउस पत्रिकाओं के साथ सहयोग किया।
नोवरे के विचारों का बैले के आगे के विकास पर बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा। पारंपरिक पोशाक और मुखौटे को त्याग दिया गया। बैले नर्तक ढीले, हल्के कपड़ों में नृत्य करने लगे। उनकी नृत्य गतिविधियाँ अधिक स्वाभाविक, अभिव्यंजक और विविध हो गईं। नोवरे के छात्रों और अनुयायियों ने कोरियोग्राफी के इतिहास में पहला बैले प्रदर्शन बनाया, जहां संगीत, पोशाक, दृश्यावली और सार्थक, आध्यात्मिक नृत्य एक साथ विलय हो गए। डेढ़ सौ साल से भी अधिक समय पहले डबरवाल द्वारा मंचित बैले "वेन प्रीकॉशन" आज भी बैले थिएटरों के मंचों पर जीवित है।
उन्होंने ट्रौबाडॉर क्लब में त्रैमासिक रूप से ओपेरा और बैले कलाकारों के साथ 3,000 से अधिक ग्रंथ और साक्षात्कार प्रकाशित किए। वारसॉ में स्लुलाकी ने एक ओपेरा और बैले शिक्षक के रूप में, बैले कला पर व्याख्यान के साथ कई प्राथमिक और माध्यमिक विद्यालयों का दौरा किया। ओपेरा और बैले प्रदर्शन और संगीत कार्यक्रमों के संपादन कार्यक्रमों में भाग लिया, थिएटर के पोस्टर और सूचना प्रकाशनों का संपादन, लेखन मूल पाठकार्यक्रमों और थिएटर वेबसाइट के संपादन के लिए।
वह स्टूडियो बच्चों की पुस्तक श्रृंखला बैले टेल्स के सह-लेखक भी हैं। उन्होंने ओपेरा और बैले कलाकारों के साथ बैठकों की अपनी श्रृंखला आयोजित की। क्लब में मिठाई के लिए ओपेरा के बारे में। वारसॉ के ओल्ड टाउन में और टेरप्सीचोर फाउंडेशन के भीतर व्यावसायिक स्थानों पर वारसॉ आर्ट फार्मेसी गैलरी में बच्चों के लिए नृत्य और कार्यशालाएँ होती हैं। बैले ब्लॉग "ऑन योर टोज़" के लेखक। फिलहाल चिकनेका फिल्म में काम कर रहे हैं।
फ्रांसीसी बुर्जुआ क्रांति के वर्षों के दौरान, बैले कला को लोक नृत्य के तत्वों से समृद्ध किया गया था, जो पहले दरबारी कलाकारों के लिए अस्वीकार्य था। क्रांतिकारी युग की कला पुरातनता की वीर छवियों की ओर मुड़ गई।
उस समय की उल्लेखनीय कोरियोग्राफिक प्रस्तुतियों में से एक, "ऑफरिंग टू फ्रीडम" कोरियोग्राफर पियरे गार्डेल द्वारा बनाई गई थी। इसमें एक नृत्य पेश किया गया, जो मार्सिलेज़ के संगीत पर प्रस्तुत किया गया।
नृत्य के प्रति राजा के जुनून के बिना बैले की कला विकसित नहीं हो पाती। यह उन सुधारों और परिवर्तनों का परिणाम है जो फ्रांस में 350 साल से भी पहले सन किंग नामक राजा के दरबार में शुरू हुए थे। मार्च में रॉयल एकेडमी ऑफ डांस की स्थापना के साथ, उन्होंने यह सुनिश्चित किया कि बैले, उनके महान जुनून को संस्थागतकरण के माध्यम से एक शाही कला के स्तर तक बढ़ाया जाए, जो एक अनूठी पहल थी जिसका अन्य देशों में कोई समकक्ष नहीं था। रॉयल एकेडमी ऑफ डांस, फ्रेंच एकेडमी और रॉयल एकेडमी ऑफ पेंटिंग एंड स्कल्प्चर के बाद और रॉयल एकेडमी ऑफ साइंसेज और रॉयल एकेडमी ऑफ म्यूजिक से पहले फ्रांस में स्थापित तीसरी अकादमी थी।
18वीं सदी में कोरियोग्राफी अभिव्यंजक साधनों से समृद्ध थी। हल्के ट्यूनिक्स और सैंडल पहने हुए बैले नर्तक पहले से ही उच्च आधे पैर की उंगलियों पर नृत्य कर सकते थे। हाथों की गति स्वतंत्र और लचीली हो गई है; चेहरे के भावों, चाल-ढाल और इशारों में, अभिनेताओं ने अपने पात्रों की भावनाओं को व्यक्त करने की कोशिश की।
1800 के आसपास, लियोटार्ड का आविष्कार किया गया था (एक टाइट-फिटिंग बुना हुआ सूट जो पैरों और शरीर पर फिट बैठता है) चमड़े के रंग का), और नर्तकियों की हरकतों को पूरी आज़ादी दी गई। नृत्य कौशल का स्तर काफी बढ़ गया है। हालाँकि, पुरुषों का नृत्य अभी भी महिलाओं की तुलना में अधिक गुणात्मक बना हुआ है।
दिलचस्प बात यह है कि रॉयल एकेडमी ऑफ डांस का रॉयल एकेडमी ऑफ म्यूजिक के साथ कभी विलय नहीं हुआ और बाद में यह पेरिस ओपेरा बन गया। 13 सहित पहले वैज्ञानिक, उस समय फ़्रांस के सबसे प्रमुख कोरियोग्राफर थे। इनमें लुईस के कोरियोग्राफर हेनरी प्रीवोस्ट और रानी के कोरियोग्राफर फ्रांकोइस गैलैंड डू डेजर्ट शामिल थे।
रॉयल एकेडमी ऑफ डांसिंग ने एक साल के भीतर परिचालन बंद कर दिया। इसका निर्माण नृत्य कला के पक्ष में पहला राजनीतिक कार्य है। दुर्भाग्य से, हालाँकि संस्था का उद्देश्य नृत्य को औपचारिक बनाना और सामान्य बनाना था, लेकिन इसके काम के प्रमाण के रूप में कोई दस्तावेज़ उपलब्ध नहीं कराया गया। यह ज्ञात है कि धीरे-धीरे अकादमी के सदस्यों को पेरिस ओपेरा बैले से भर्ती किया जाने लगा, उन्होंने अपनी गतिविधियों को बैले नर्तकियों को प्रशिक्षित करने के लिए समर्पित कर दिया और इस तरह एक फ्रांसीसी बैले स्कूल के निर्माण में योगदान दिया।
बैले कला की उपलब्धियों के आधार पर, इतालवी नर्तक और शिक्षक कार्लो ब्लासिस (1803-1878) ने पैरों की पांच शुरुआती स्थितियों के आधार पर एक नृत्य शिक्षण प्रणाली विकसित की। ब्लेज़िस ने प्राचीन कला से, लोक और दरबारी नृत्यों से कलाकारों और कोरियोग्राफरों की पीढ़ियों द्वारा उधार लिए गए आंदोलनों के "शस्त्रागार" का उपयोग किया। इस प्रणाली को बाद में "शास्त्रीय" कहा गया।
पादरी लॉड्ज़ विल्की थिएटर में चले गए। एकल कलाकार ने शास्त्रीय, गैर-शास्त्रीय बैले और आधुनिक नृत्य प्रदर्शनों में महत्वपूर्ण भूमिकाएँ निभाई हैं। पादरी अंतरराष्ट्रीय स्तर पर मान्यता प्राप्त कोरियोग्राफर बन गए। पादरी, हंस वैन मान के साथ मिलकर डच बैले कोरियोग्राफर बन गए। एडिनबर्ग, स्कॉटलैंड, बैले मंडली के साथ, कोरियोग्राफर ने मूविंग रूम्स और शेहेरज़ादे के रोमियो और जूलियट का अपना मूल संस्करण दिखाया। डच महोत्सव में पिछले दो प्रदर्शन उस देश की राष्ट्रीय बैले कंपनी द्वारा किए गए थे।
19वीं सदी के पूर्वार्ध में. शास्त्रीय बैले के इतालवी और फ्रांसीसी स्कूल आखिरकार बन गए।
इटालियन बैले थियेटर की विशेषता उत्कृष्ट तकनीक, जटिल छलांग और तेज, कठोर हाथ संचालन थी। कभी-कभी, बाहरी प्रतिभा और सदाचार के लिए, कलाकार नृत्य की सार्थकता और अभिव्यक्ति का त्याग कर देते हैं। कोरियोग्राफर एस. विगानो, जिन्होंने शेक्सपियर की त्रासदियों आदि के कथानकों पर आधारित बीथोवेन के संगीत पर गंभीर और जटिल बैले का सफलतापूर्वक मंचन किया, मिलान के ला स्काला थिएटर में अकेले रह गए।
एम्स्टर्डम में उनकी आखिरी कृतियाँ डम्बर्टन नृत्य हैं, और निजिंस्की एक नर्तक, एक जोकर, एक देवता हैं। उन्होंने विशिष्ट बैले एकल कलाकारों के लिए छोटे पैमाने की परियोजनाएं भी विकसित कीं। ऑस्ट्रेलियाई बैले ने अपनी सिम्फनी फैंटास्टिक के लिए पेरिस में नृत्य किया। पादरी को ग्रोनिंगन में वारसॉ में यूरोविज़न यंग डांसर्स प्रतियोगिता की कोरियोग्राफी के अंतरराष्ट्रीय जूरी सदस्य, न्यूयॉर्क अंतर्राष्ट्रीय बैले प्रतियोगिता और ग्दान्स्क में पोलिश राष्ट्रीय नृत्य प्रतियोगिता के जूरी सदस्य के रूप में आयोजित किया गया था। पादरी वारसॉ में पोलिश नेशनल ओपेरा में लौट आए।
लिथुआनियाई में विषयगत सार
यहां उन्होंने रिचर्ड वैगनर के संगीत पर आधारित एक त्रयी बनाई। पादरी को टेरप्सीचोर में पोलिश थिएटर के कलाकारों के संघ की ओर से एक प्रतिष्ठित पुरस्कार प्रदान किया गया। विषय का उद्देश्य आंदोलन के बुनियादी रूपों और तकनीकों, नृत्य के ऐतिहासिक विकास और मुख्य रचनाकारों का संपूर्ण परिचय प्रदान करना है। सबसे परिचय महत्वपूर्ण रूपबैले, आधुनिक और उत्तर आधुनिक नृत्य से लेकर नृत्य रंगमंच, भौतिक रंगमंच, प्रदर्शन तक कला गतिविधियाँ। लेख आंदोलन की कला में आंदोलन की भूमिका और आधुनिक अंतःविषय चरण मेनू में आंदोलन की भूमिका का विश्लेषण करता है।
इटालियन के विपरीत, फ्रांसीसी बैले स्कूल अपनी सुंदरता, प्लास्टिसिटी, लाइनों की कोमलता के लिए प्रसिद्ध था, लेकिन साथ ही यह निष्पादन की शीतलता की विशेषता थी। 18वीं सदी में फ़्रांस में बैले प्रदर्शन। आमतौर पर किसी प्राचीन या पौराणिक कथानक पर आधारित।
शाही रंगमंच के कलाकारों ने ऐतिहासिक या राष्ट्रीय विशेषताओं को सच्चाई से पुन: प्रस्तुत करने का प्रयास भी नहीं किया, बल्कि दरबारी शिष्टाचार और वेशभूषा की नकल की। प्राचीन ग्रीक चरवाहे मंच पर लाल एड़ी के जूतों, दरबारी बांकाओं के अनुरूप जूते और कर्ल के साथ पाउडर विग में दिखाई दिए। इस सबने कई कोरियोग्राफरों और कलाकारों के बीच क्लासिकवाद में निराशा को जन्म दिया, जिससे उन्हें नए साधनों की खोज करने के लिए प्रेरित किया गया जो जीवन की सच्चाई को पूरी तरह से व्यक्त कर सके।
लक्ष्य छात्रों को नृत्य और कला और आंदोलन तकनीकों के सबसे महत्वपूर्ण रूपों को पहचानना, नृत्य की कला का विश्लेषण करना, नाटकीय थिएटर और गैर-पारंपरिक प्रदर्शन कलाओं में आंदोलन का उपयोग करना, नृत्य और आंदोलन के कार्यों का मूल्यांकन करना और उन्हें दर्शकों के सामने प्रस्तुत करना सिखाना है। .
एक विदेशी भाषा में विषयगत सार
यह पाठ्यक्रम नाट्य आंदोलन और नृत्य के बुनियादी रूपों और तकनीकों का विश्लेषण करने के लिए डिज़ाइन किया गया है। यह थिएटर और नृत्य की खोज करता है, जिसमें शास्त्रीय बैले, आधुनिक और उत्तर आधुनिक नृत्य, नृत्य थिएटर, पारंपरिक नाटकीय थिएटर में आंदोलन, भौतिक थिएटर और प्रदर्शन कला जैसे विषय शामिल हैं। शिक्षण रणनीतियों में व्याख्यान, वीडियो और चर्चाएँ शामिल हैं। पाठ्यक्रम के सफल समापन पर, छात्रों को महत्वपूर्ण तथ्य, परिभाषाएँ और विशेषताएँ देने में सक्षम होना चाहिए विभिन्न रूपनृत्य; और विभिन्न थिएटर प्रथाओं में आंदोलन की भूमिका का विश्लेषण करें।
रूस में, पेशेवर बैले कला 18वीं शताब्दी में दिखाई दी। हालाँकि पहले शिक्षक और निर्देशक विदेशी थे, रूसी नर्तकियों ने रचनात्मक रूप से उनसे यह समझा कि रूसी नृत्य संस्कृति की आवश्यकताओं को क्या पूरा करता है, जो लोक नृत्य से निकटता से संबंधित है, जिसने इसे समृद्ध और समृद्ध किया है। उन्होंने उधार लिए गए तत्वों को राष्ट्रीय भावना से भरने का प्रयास किया।
इस तरह शास्त्रीय नृत्य के रूसी स्कूल का गठन हुआ। इसके विकास का सबसे महत्वपूर्ण चरण बैले कला में रूमानियत के रचनाकारों में से एक, फ्रांसीसी कोरियोग्राफर चार्ल्स डिडेलॉट (1767 - 1837) के रूस में रहने से जुड़ा है। जीवंत मानवीय भावनाएँ, कलात्मक चित्रों की सामग्री की काव्यात्मक उदात्तता, प्रदर्शन का स्वतंत्र और साहसिक तरीका - यही उनके बैले में विशेष रूप से आकर्षक था और कला में एक नया शब्द था। उन्होंने कलाकारों को ऐतिहासिक रूप से सच्ची छवियां बनाने में मदद की, पुराने मिथकों की सामग्री की पुनर्व्याख्या की, उनके आधार पर बैले "एसिस और गैलाटिया", "ज़ेफिर और फ्लोरा", "क्यूपिड और साइके" का मंचन किया।
डिडेलॉट ने कलात्मक अभिव्यक्ति के साधन के रूप में "फ्लाइंग बैले" की शुरुआत की, यानी, यांत्रिक उपकरणों की मदद से मंच पर कलाकारों की उड़ानें।
अंग्रेजी मंच पर रहते हुए, डिडेलॉट ने शैली के यथार्थवादी बैले का मंचन शुरू किया। लेकिन डिडेलॉट की सबसे उत्कृष्ट रचनाएँ नाटकीय बैले "प्रिजनर ऑफ़ द काकेशस" (ए.एस. पुश्किन पर आधारित), "द हंगेरियन हट" और "राउल डी क्रेक्वी" थीं जिनका उन्होंने रूस में मंचन किया था। डिडेलॉट, जिन्हें उनके समकालीन लोग "बैले मंच के शेक्सपियर और बायरन" कहते थे, ने कुशलतापूर्वक मजाकिया और नाटकीय एपिसोड को बारी-बारी से दर्शकों को गहरी सहानुभूति के साथ नायकों के भाग्य का पालन करने के लिए मजबूर किया। सच है, डिडेलॉट के बैले में अभी भी बहुत सारे मूकाभिनय थे, और नृत्य एक सहायक प्रकृति का था, क्योंकि पात्र मुख्य रूप से दावतों और सभी प्रकार के समारोहों में नृत्य करते थे।
रूस में, डिडेलॉट ने ऐसा उठाया प्रसिद्ध बैलेरिनास, अव्दोत्या इस्तोमिना और मारिया डेनिलोवा की तरह। डिडेलॉट के बाद, प्रत्येक नई पीढ़ी के साथ, रूसी बैले अधिक मौलिक होता गया।
रूसी कोरियोग्राफर वाल्बर्च और ग्लुशकोवस्की ने राष्ट्रीय विषयों को बैले में पेश किया।
कोरियोग्राफर के बिना एक भी बैले प्रदर्शन नहीं बनाया जा सकता। वह संगीतकार द्वारा लिखे गए संगीत की सामग्री को नृत्य छवियों में प्रकट करता है, नृत्य की संरचना और संयोजन के माध्यम से सोचता है, और सभी भूमिकाओं को विकसित करता है। नृत्य छवियों का कलात्मक रूप जटिलता को व्यक्त करता है भावनात्मक अनुभव, मानवीय भावना की शक्तिशाली ऊँचाइयाँ। कभी-कभी नृत्य में एक कोरियोग्राफर शब्दों से कम विचारों और भावनाओं को व्यक्त करने में सफल होता है। डिडेलॉट की रचनात्मक कल्पना ने एक रोमांटिक बैले को जन्म दिया, जिसमें उदात्त, काव्यात्मक सपनों और परियों की कहानियों की इच्छा व्यक्त की गई। रोमांटिक बैले के नायक स्वयं सभी प्रकार के शानदार जीव थे - कल्पित बौने, सिल्फ, भूत और छाया। बैलेरीना मारिया टैग्लियोनी और उनके पिता, कोरियोग्राफर फिलिप टैग्लियोनी, 30 के दशक में थे। XIX सदी इस नए बैले के सबसे विशिष्ट प्रतिनिधि।
रोमांटिक युग का सर्वश्रेष्ठ बैले - "ज़, एन-ज़ेल" का मंचन 1841 में पेरिस में किया गया था। इसमें एक शुद्ध, भरोसेमंद किसान लड़की की त्रासदी को दर्शाया गया है, जो अपने प्रेमी की बेवफाई से गहराई से सदमे में है। गिजेल दुःख से मर जाती है और वन परी-विलिसा में बदल जाती है। यह शाश्वत युवा बैले महान भावनाओं के बारे में नृत्य की भाषा बोलता है और अभी भी सोवियत और विदेशी थिएटरों के प्रदर्शनों की सूची में शामिल है।
वी. ह्यूगो के उपन्यास "नोट्रे डेम कैथेड्रल" पर आधारित उत्कृष्ट फ्रांसीसी कोरियोग्राफर जे. पेरौल्ट (1810-1892) द्वारा मंचित बैले "एस्मेराल्डा" रूमानियत के युग की कोई कम रोमांचक रचना नहीं है। यहाँ एक भी शानदार प्राणी नहीं था। पेरौल्ट ने नृत्य में नाटकीय क्रिया को सीधे व्यक्त करने का प्रयास किया। इस कोरियोग्राफर की प्रतिभा को उसकी मातृभूमि में मान्यता नहीं मिली और वह वास्तव में इंग्लैंड और विशेष रूप से रूस में खिली।
रूसी बैले का इतिहास रूसी शास्त्रीय संगीत के विकास से निकटता से जुड़ा हुआ है। पी. आई. त्चिकोवस्की द्वारा बैले संगीत के आगमन से पहले, संगीत केवल नृत्य की संगत के रूप में कार्य करता था: इसके लिए केवल एक निश्चित गति, लय और एक यादगार धुन की आवश्यकता होती थी। त्चिकोवस्की का सिम्फोनिक बैले संगीत, गहरा, रंगीन, अभिव्यंजक, दर्शकों को वह कल्पना करने में मदद करता है जिसे नृत्य में व्यक्त नहीं किया जा सकता है। बैले "द नटक्रैकर" में संगीतकार ने बच्चों के सपनों की उज्ज्वल, आनंदमय दुनिया का खुलासा किया; "स्वान लेक" में उन्होंने प्यार के बारे में बात की जो बुरे मंत्रों को नष्ट कर देता है; "स्लीपिंग ब्यूटी" में उन्होंने बुराई पर अच्छाई की जीत दिखाई। त्चिकोवस्की द्वारा महिमामंडित मनुष्य की आंतरिक दुनिया की सुंदरता और पवित्रता हमेशा के लिए रूसी बैले कला की मुख्य सामग्री बन गई।
द स्लीपिंग ब्यूटी पर काम करते समय, त्चिकोवस्की ने एक से अधिक बार अद्भुत कोरियोग्राफर मार्पस पेटिपा (1822-1910) से सलाह ली। जन्म से फ़्रांसीसी, उन्होंने लगभग साठ वर्ष रूसी बैले को समर्पित किये। शास्त्रीय नृत्य के एक महान पारखी, पेटिपा विशेष रूप से बैले "द स्लीपिंग ब्यूटी", "डॉन क्विक्सोट", "ला बायडेरे" में सफल रहे, जिसमें नृत्य संगीत के साथ विलय होता प्रतीत होता था।
त्चिकोवस्की के बैले के एक अन्य उत्कृष्ट निर्देशक, लेव इवानोव (1834-1901) ने स्वान लेक में हंसों के अद्भुत गीतात्मक नृत्य बनाए (बैले के अंक 2 और 4)। इवानोव ने संगीत की सामग्री की सारी समृद्धि को नृत्य में व्यक्त करने का प्रयास किया।
बैले प्रदर्शन में संगीत, नृत्य और चित्रकला का पूर्ण संलयन 20वीं सदी की शुरुआत में हासिल किया गया था। कोरियोग्राफर एम. फ़ोकिन और ए. गोर्स्की। वे न केवल बैले मंच पर जीवन को सच्चाई से पुन: पेश करने में कामयाब रहे, बल्कि प्रत्येक बैले के लिए सामग्री के अनुरूप अभिव्यक्ति के अनूठे साधन भी ढूंढने में कामयाब रहे। सर्वश्रेष्ठ कलाकारों के साथ सहयोग करते हुए, गोर्स्की और फ़ोकिन ने इसे बढ़ाया उच्च स्तरप्रदर्शन डिजाइन की कला.
19वीं सदी के उत्तरार्ध में पश्चिम में। बैले का पतन हो गया, उसने अपना स्वतंत्र अर्थ खो दिया और ओपेरा का एक उपांग बन गया, जबकि रूसी बैले कला ने शास्त्रीय बैले की सर्वोत्तम विशेषताओं को विकसित करना जारी रखा।
शास्त्रीय बैलेयह आंदोलन के सख्त पैटर्न, महान शुद्धता और निष्पादन की आध्यात्मिकता से प्रतिष्ठित है।
शास्त्रीय बैले में अभिव्यक्ति के सभी साधन पात्रों की गहरी सामग्री और जटिल अनुभवों को प्रकट करने का काम करते हैं। पेरिस और लंदन में (20वीं सदी की शुरुआत में) रूसी बैले के दौरों ने पश्चिमी दर्शकों पर आश्चर्यजनक प्रभाव डाला। उत्कृष्ट रूसी बैलेरीना अन्ना पावलोवा को शास्त्रीय स्कूल के महानतम नर्तकियों में से एक के रूप में पहचाना गया था। नृत्य "द डाइंग स्वान" (सेंट-सेन्स द्वारा संगीत, एम. फोकिन द्वारा कोरियोग्राफ किया गया) में, जो केवल तीन मिनट तक चला, पावलोवा ने अनुभवों की एक पूरी श्रृंखला का खुलासा किया। रूसी कोरियोग्राफरों और कलाकारों के शानदार कौशल, लीना पावलोवा की प्रेरित कला का यूरोपीय बैले के पुनरुद्धार पर बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा। पावलोवा और उनके बाद अन्य शिक्षकों ने इंग्लैंड में शास्त्रीय नृत्य विद्यालय खोले। जिन प्रतिभाशाली कलाकारों को उन्होंने प्रशिक्षित किया, उन्होंने पेशेवर मंडलियाँ बनाईं जो आज भी मौजूद हैं (मैरी रामबर्ट बैले, रॉयल बैले - पूर्व सैडलर वेल्स)। उनके प्रदर्शनों की सूची में न केवल रूसी संगीतकारों के बैले शामिल हैं, बल्कि त्चिकोवस्की की अद्भुत रचनाएँ भी शामिल हैं।
30 के दशक में XX सदी राष्ट्रीय बैले को फ़्रांस, इटली और अन्य देशों में पुनर्जीवित किया गया। उन्होंने शास्त्रीय नृत्य के रूसी और सोवियत स्कूल से बहुत कुछ उधार लिया, जो पश्चिम में बेहद लोकप्रिय है।
रूसी स्कूल की सर्वश्रेष्ठ शास्त्रीय विरासत को सोवियत बैले में और विकसित किया गया था। उसके अधिकार से. कोरियोग्राफिक कला का एक नया, उच्च चरण माना जा सकता है। सोवियत बैले में शास्त्रीय नृत्य, हमारे युग की आवश्यकताओं के अनुसार, लगातार विकसित, सुधार और समृद्ध, अवशोषित हो रहा है बेहतरीन सुविधाओंहमारे देश की नृत्य कला.
"स्वान लेक", "स्लीपिंग ब्यूटी", "गिजेल" सोवियत मंच पर रहते हैं नया जीवन. पिछली प्रस्तुतियों से मूल्यवान हर चीज को संरक्षित करने के बाद, वे संगीत की एक अलग धारणा, जीवन की महानता और सुंदरता के एक नए विचार से ओत-प्रोत हैं और विशेष नाटकीय तनाव से भरे हुए हैं। सोवियत बैले कला एक व्यक्ति में सर्वश्रेष्ठ, उसकी आंतरिक दुनिया की सारी समृद्धि को प्रकट करने का प्रयास करती है। यह न केवल आंखों को प्रसन्न करता है, बल्कि दर्शकों में महान आकांक्षाएं, उच्च भावनाएं और विचार भी जागृत करता है।
प्रत्येक कला, अपने स्वयं के माध्यम से, लोगों को मानवीय अनुभवों, विचारों, भावनाओं, सभी प्रकार की घटनाओं के बारे में बताती है - वास्तविक, आज, ऐतिहासिक या शानदार। और प्रत्येक कला अपने तरीके से सशर्त है। और शायद संगीत थिएटर - ओपेरा और विशेष रूप से बैले - सबसे पारंपरिक है। "विशेष रूप से बैले" क्यों? क्योंकि ओपेरा में भी, जहां पात्र सामान्य भाषण के बजाय गाते हैं, वे शब्द गाते हैं। और शब्द समझने में आसान हैं - वे परिचित हैं।
बैले में ऐसा नहीं है. बैले शब्दहीन है. इसका आधार नृत्य एवं मूकाभिनय है। नृत्य में व्यक्तिगत गतिविधियाँ शामिल होती हैं, जिनमें से ऐसे नृत्य उत्पन्न होते हैं जो एक बैले प्रदर्शन बनाते हैं जो विभिन्न घटनाओं और पात्रों की मनःस्थिति के बारे में बता सकते हैं...चुपचाप बताओ. केवल शारीरिक हलचल से, कलाकार के चेहरे के हाव-भाव, चेहरे के हाव-भाव।
लेकिन ऐसा कलाकार बनने के लिए जो नृत्य और संकेत की भाषा में बातचीत करने में सक्षम हो, आपके पास विशेष प्राकृतिक योग्यता, प्रतिभा और एक विशेष स्कूल में अध्ययन की आवश्यकता है।
बैले स्कूल में मुख्य विषय है शास्त्रीय नृत्य.कई अन्य विशेष विधाएँ हैं: संगीत, अभिनय, युगल नृत्य, यानी एक साथ नृत्य, ऐतिहासिक और रोजमर्रा, लोक मंच, चरित्र नृत्य, आदि। एक स्कूली छात्र के लिए बैले डांसर बनने के लिए ये सभी आवश्यक हैं। अपनी पढ़ाई के दौरान नृत्य कलाकार का शरीर लचीला और अभिव्यंजक हो जाता है। इसके अलावा, यहां सभी विषयों को नियमित स्कूल पाठ्यक्रम के अनुसार पढ़ाया जाता है।
एक बैले प्रदर्शन में कई घटक होते हैं: एक साहित्यिक आधार (लिब्रेटो, स्क्रिप्ट), संगीत और कोरियोग्राफी, जिसमें से संगीतकार (संगीत के लेखक) और कोरियोग्राफर (कोरियोग्राफर) जो नृत्य की रचना करते हैं, आगे बढ़ते हैं। सभी नृत्य दृश्यों को लिब्रेटो की सामग्री और संगीत की मनोदशा के अनुरूप होना चाहिए। लिब्रेटो, संगीत और कोरियोग्राफी को उपयुक्त डिजाइन की आवश्यकता है। कलाकार उसे ढूंढ लेता है।
दृश्यावली न केवल कार्रवाई का एक विशिष्ट दृश्य बनाती है, बल्कि एक ऐसा माहौल भी बनाती है जो दर्शकों को पात्रों के चरित्र और काम के विचार को समझने में मदद करती है। बैले में पोशाक एक विशेष भूमिका निभाती है। यह हल्का होना चाहिए और इसका रंग और आकार प्रत्येक पात्र के व्यक्तित्व के अनुरूप होना चाहिए। लेकिन एक ही समय में, केवल एक संकेत और बहुत सशर्त रूप से रोजमर्रा या ऐतिहासिक पोशाक के करीब: मंच पर एक बैले डांसर को इस तरह से कपड़े पहनने चाहिए कि यह हस्तक्षेप न करे, लेकिन आंदोलन में मदद करे। प्रदर्शन के सभी लेखक - संगीतकार, कोरियोग्राफर और कलाकार, साहित्यिक रूप में प्रस्तुत सामग्री से शुरू होकर, अपनी कला - संगीत, नृत्य, दृश्य का एक स्वतंत्र काम बनाते हैं। लेकिन वे सामंजस्यपूर्ण रूप से एक-दूसरे के साथ विलीन हो जाते हैं, और फिर, प्रतिभाशाली कलाकारों की उपस्थिति में, एक संपूर्णता उत्पन्न होती है - बैले, बैले प्रदर्शन।
इस प्रकार, नाटक या ओपेरा की तरह, बैले का निर्माण एक नाटक से शुरू होता है। लेकिन यहां नाटक विशेष है: लिब्रेटो (स्क्रिप्ट) मुख्य घटनाओं को अपेक्षाकृत संक्षेप में प्रस्तुत करता है। लिब्रेटो अक्सर महान साहित्य के काम पर आधारित होता है और इसके मुख्य नाटकीय "मील के पत्थर*" का उपयोग करता है। और कोरियोग्राफर, उन पर ध्यान केंद्रित करते हुए, ऐसे नृत्यों की रचना करता है जो साहित्यिक कार्य के सार को प्रकट करते हैं।
आपमें से कौन अपने हाल के बचपन की परियों की कहानियों को याद नहीं करता - पेरौल्ट की "स्लीपिंग ब्यूटी" या हॉफमैन की "नटक्रैकर"? उन्होंने त्चिकोवस्की के संगीत के लिए अद्भुत बैले के आधार के रूप में कार्य किया। आप सभी ने पुश्किन की कविता "द फाउंटेन ऑफ बख्चिसराय" और शेक्सपियर की त्रासदी "रोमियो एंड जूलियट" पढ़ी होगी या जल्द ही पढ़ेंगे। मैं चाहता हूं कि आप बैले "द फाउंटेन ऑफ बख्चिसराय" (बी. असफीव द्वारा संगीत), "रोमियो एंड जूलियट" (एस. प्रोकोफिव द्वारा संगीत) के अस्तित्व के बारे में जानें। ये बैले दुनिया के महानतम कवियों - अंग्रेज विलियम शेक्सपियर और रूसी अलेक्जेंडर पुश्किन - की प्रतिभा से प्रेरित हैं...
लेकिन ऐसे बैले भी हैं जिनके लिए लिब्रेटो साहित्यिक स्रोतों से नहीं लिया गया है, बल्कि विशेष रूप से रचा गया है। इस प्रकार, 19वीं सदी के फ्रांसीसी कवि। टी. गौटियर ने "गिजेल" (ए. एडम द्वारा संगीत) का लिब्रेटो लिखा, जो केवल आंशिक रूप से हेइन द्वारा उल्लिखित जीपों की किंवदंती से संबंधित था।
और ऐसे बैले भी हैं जिनका कोई साहित्यिक आधार नहीं है। उनका आधार केवल संगीत है, उसकी विषय-वस्तु है, उसका विचार है। प्रतिभाशाली रूसी कोरियोग्राफर मिखाइल फॉकिन ने बैले "चोपिनियाना" के अद्भुत नृत्यों में चोपिन के संगीत की अपनी समझ को व्यक्त करते हुए काम बनाया।
और अब, सबसे लोकप्रिय बैले के उदाहरण का उपयोग करते हुए, जिसका मंचन दुनिया के लगभग सभी थिएटरों में किया जाता है, हम बैले प्रदर्शन के घटकों का विश्लेषण करने का प्रयास करेंगे।
आपने शायद अनुमान लगाया होगा कि हम त्चिकोवस्की की स्वान झील के बारे में बात कर रहे होंगे। उन्होंने यह पहला बैले 1876 में वी. बेगिचेव और वी. गेल्टसर के लिब्रेटो पर बनाया था।
लिब्रेटो शानदार है: दुष्ट जादूगर बन गया सुंदर लड़कियांहंसों में. स्वान क्वीन ओडेट खोए हुए राजकुमार सिगफ्रीड को अपने दोस्तों के दुःख, अपने दुर्भाग्य के बारे में बताती है। केवल सच्चा प्यार ही इससे छुटकारा दिला सकता है। सीगफ्रीड ने ओडेट और उसके दुखी साथियों को बचाने की कसम खाई है। लेकिन दुष्ट जादूगर ओडेट के डबल, ओडिले के साथ कोर्ट बॉल पर दिखाई देता है। युवक सोचता है कि उसके सामने वही है जो उसे हंसों की मंत्रमुग्ध झील पर मिला था, और खुद से अज्ञात होकर, वह ओडेट के प्रति निष्ठा की शपथ तोड़ देता है। उसकी निराशा असीम है. लेकिन सिगफ्रीड को अपनी गलती का एहसास हुआ और वह झील की ओर भागा। एक भयानक युद्ध में, उसने जादूगर को हरा दिया और, हंसों को बुरे मंत्रों से मुक्त करके, उनकी खूबसूरत रानी के सामने अपने अनैच्छिक अपराध का प्रायश्चित किया।
संगीत कथानक की तरह ही काव्यात्मक, उदात्त और उज्ज्वल निकला। उन्होंने इस तथ्य से सभी को आश्चर्यचकित कर दिया कि, परी-कथा सामग्री का खुलासा करते हुए, उन्होंने वास्तविक, मानवीय भावनाओं, महान और जटिल को व्यक्त किया। करुणा, वफादारी, आत्मा की उलझन, पश्चाताप, साहस, उदासी और खुशी - सब कुछ इन असामान्य धुनों में प्रकट हुआ था... कोरियोग्राफी के इतिहास में पहली बार, बैले को सिम्फोनिक संगीत मिला: यह हमेशा की तरह गहरा था, विचारों और विभिन्न प्रकार की मनोदशाओं से भरपूर - हंसों के साम्राज्य में पीड़ादायक उदासी और गीतात्मकता से लेकर कपटी ओडिले की खुशी और विजय तक।
1895 में मंचित सेंट पीटर्सबर्ग थिएटर के उत्कृष्ट कोरियोग्राफरों मारियस पेटिपा और लेव इवानोव द्वारा रचित नृत्यों ने घटनाओं और मनोदशा का सार बताया। अक्षर, तो पूरी तरह से संगीत में सन्निहित है। "स्वान लेक" में शास्त्रीय बैले में स्वीकृत सभी प्रकार के नृत्य दिखाई दिए: यहाँ और शुद्ध क्लासिकहंस पेंटिंग, और चरित्र नृत्य(नियपोलिटन, माजुरका, आदि), और विचित्र(विदूषक का भाग), और ऐतिहासिक और रोजमर्रा का नृत्य(पोलोनाइज़, आदि)। उन सभी का एक समान आधार है: शास्त्रीय बैले का रूसी स्कूल।
स्वान झील का दृश्य, अन्य पुरानी प्रस्तुतियों की तरह, अब बैले के जन्म के समय की तुलना में पूरी तरह से अलग दिखता है। विभिन्न युगों के विभिन्न कलाकार हमेशा बैले की थीम, संगीत के विचार के लिए अपने स्वयं के दृश्य समाधान की तलाश में रहते हैं।
हालाँकि, समय के साथ न केवल दृश्यावली और वेशभूषा बदलती है। समय पूरे प्रदर्शन पर अपनी छाप छोड़ता है।
बैले एक जीवित कला है. यह जीवन के साथ-साथ विकसित और परिवर्तित होता है। और यह उनकी सबसे आकर्षक विशेषताओं में से एक है.
