Desigur, istoria înfățișării dansului în artele vizuale ar trebui să înceapă cu inscripții în stâncă, picturi rupestre antice etc., dar sugerez să nu ne oprim asupra lor. În cele mai vechi timpuri, o persoană picta un dans: plin de semnificație rituală mistică sau altfel. Fiind, ca să spunem așa, oameni occidentali, să ne îndreptăm interesul către viziunea culturii noastre occidentale asupra dansului și a schimbărilor acestuia în funcție de epocă și tendințe culturale.
Printre cele mai importante lucrări ale sale referitoare la lumea baletului. Aceasta este una dintre primele lucrări ale artistului care tratează tema dansatorilor: pictura înfățișează un grup care frecventează o lecție de dans susținută de un bătrân maestru, care apare ca un punct de fugă, evidențiat de liniile podelei și mulaje arhitecturale.
În această imagine, Degas reprezintă un moment aleatoriu dintr-o mie de lecții posibile, așa că poți găsi expresii naturale și spontane, precum fetele care vorbesc în fundal sau, mai mult, grimasa enervată a fetei care stă la pian în stânga care o scarpină pe spate.
Majoritatea imaginilor sunt disponibile în formă mărită - faceți clic pe imagine pentru a deschide versiunea mărită într-o fereastră nouă.
Exemple timpurii
Amforele antice conțin adesea imagini cu dansatori. Mișcările lor nu sunt constrânse, maiestuoase, puternice, încrezătoare. Dansul este întruchiparea libertății spiritului, mișcarea sufletului. Iată fragment dintr-o frescă din Vila Misterelor din Pompei(corect).
Scena interioară este spațioasă printr-o vedere în perspectivă accelerată care se sparge spre dreapta, evidențiată de liniile de parchet. Culorile, subtile, sunt corecte cu materialele: se respecta respectul tulului si slabiciunea satinurilor. În timpul lecției, fără să fie băgați de cap de Degas, unii dintre dansatori iau o pauză: unul din prim plan verifică unele mișcări, în timp ce în spatele ei altul își ajustează ciorapii. este o femeie, aplecată, iar în colțul din dreapta sus abia vede profilul amuzant al altei doamne cu o pană roșie și creț care însuflețește întreaga scenă.
Evul Mediu religios a privit dansul ca pe un dans dăunător și diavolesc al trupului, motiv pentru care este atât de dificil să găsești picturi vechi pe tema dansului. Epoca Renașterii a reabilitat multe lucruri, deși încă rar vezi dansul în picturi. Cu ceva întindere, „picturile de dans” pot fi clasificate ca „ Trei haruri de Sandro Botticelli(stânga).
Toată prospețimea lucrării vine din improvizația evidentă. Particularitatea picturii constă în alegerea inițială a punctului de observație, înalt și diagonal pentru subiecte, precum și în încadrarea, care nu pretinde că îmbrățișează corpurile personajelor, ci, ca într-o fotografie instant, „decupează ”, parcă din întâmplare, parte din figura subiectului din planul prim-plan. Acest truc, împreună cu urmărirea angrenajelor parchetului, ajută la crearea iluziei unui spațiu foarte larg și adânc în raport cu continuitatea cu spațiul real.
Tonurile calde si putin monotone sunt trezite de turcoazul plin de viata al funditei celei de-a doua balerine si homarul rosu care accentueaza rochia. bătrână, iar apoi se întoarce la pălăria celeilalte femei. Și unele tablouri cu dansatori care dansează pe scenă, în care se ocupă cu grijă de efectele luminii, se numără printre ele.
Dacă luăm în considerare perioada de la secolul al XV-lea până la sfârșitul secolului al XIX-lea, atunci vom găsi foarte puține lucrări. Dansatorii și coregrafii erau extrem de rar oamenii pe care un artist și-ar dori să le surprindă sau pentru al căror portret putea primi o comandă.
Iată rare excepții - oameni care au influențat dezvoltarea coregrafiei occidentale.
Ludovic al 14-lea, numit și „Regele Soare”- s-a dansat singur în spectacole de balet de curte, a atras curtenii în această afacere, a înființat prima Academie de Dans, unde a avut loc pregătirea profesională a dansatorilor. A fost fondată la Paris. „Regele Soare” apare în fața noastră într-o serie de gravuri.
„Dovada de balet pe scenă”. „Doi dansatori pe scenă”. În anii cincizeci, 800 de ani în Italia, un oaspete al unchiului său: baronul Balelli; apoi vizitează Roma, Viterbo, Orvieto, Perugia, Assisi și Florența, unde este mereu cu unchiul său; Familia Bellelli începe imaginea. Din „60 până” 65, sub influența maeștrilor italieni, s-a dedicat picturii istorice și mitologice. După o călătorie în America, la New Orleans, a participat la prima expoziție a impresioniștilor cu zece lucrări și a murit la Paris pe 27 septembrie.
Descoperim că unul dintre cei mai cunoscuți artiști ai tuturor timpurilor este cu siguranță un moment interesant de analizat în istoria artei, datorită faimei sale mondiale și stilului unic. Artistul în cauză este Edgar Degas, un mare artist care a trăit în secolul al XIX-lea, a fost asociat cu școala impresionismului alături de alți artiști foarte importanți care au făcut istorie, precum Claude Monet, Paul Cezanne sau Camille Pissarro, care au intrat în istorie. , de altfel, datorită picturilor lor, foarte aproape de școala impresionistă.
Portretul său dezvăluie ușurința, ușurința și rafinamentul pe care baletul le-a împrumutat de la curtea franceză condusă de Ludovic al XIV-lea, spre deosebire de școala italiană aspră și chiar nepoliticoasă. Toate aceste trăsături se manifestă atât în înfățișarea lui Louis, cât și în ipostazele sale de dans. Chiar și într-un costum de războinic, arată mai mult ca o zână dintr-un basm bun.
Aici puteți citi povestea vieții lui Edgar Degas, dar și o mulțime de alte informații legate de dansatorii lui Degas, impresionistul Edgar și găsiți multe informatii importante, care, pe lângă faptul că ne informează despre relevanța numelui Degas în lumea artei moderne, fără a neglija proiectele dansatorilor și lucrărilor lui Degas.
Edgar Degas - Autoportret. Dar ce este impresionismul? Este pur și simplu o „mișcare picturală” născută în secolul al XIX-lea ca răspuns la stilul lucrărilor care au fost expuse într-o expoziție formală. Principalele caracteristici ale acestei mișcări sunt pictura exterioară și noua utilizare a luminii.
Nicolas Lancret ne-a înfățișat dansatorul Camargo în tabloul cu același nume. Această doamnă a revoluționat arta dansului din secolul al XVII-lea, scurtându-și puțin rochia, expunându-și gleznele și puțin din gambe. Rochia mai scurtă i-a permis și chiar a forțat-o să efectueze mișcări mai dificile și mai interesante ale picioarelor. Înaintea ei, singurele fragmente vizibile ale picioarelor erau picioarele în pantofi, iar la extrem - gleznele. În imagine o vedem pe dansatoare într-o ipostază „zburătoare” care necesită echilibru, picioarele ei sunt întoarse. Tot în Lancret găsim dans din perspectivă socială: curtenii dansează la un picnic, se distrează (tabloul „Dans”).
La baza acestui procedeu a stat pictura „în captivitate”, adică pe stradă, un loc în care artistul și-a realizat viziunea și a returnat ceea ce a văzut pe pânză, iar apoi, în atelierul său, l-a schimbat din nou, dacă era necesar. Totul se bazează, în sinteză, pe percepție, fără o atenție excesivă la detalii, ci în moment.
Impresionistul Edgar, spre deosebire de „colegii”, nu s-ar atașa „total” de acest stil de pictură, ci ar dezvolta unul de-al său, în domeniile impresionismului, atât pentru teme, cât și pentru stil. Anastas Konstantinov a murit dimineața devreme, 2 iunie, abia la vârsta de 61 de ani din cauza unui accident vascular cerebral, site-ul antrenat. Lucrările sale sunt cunoscute din Germania, Japonia și Statele Unite, unde artistul trăiește și lucrează de ceva timp.
Un alt pictor francez celebru din aceleași vremuri Nicolas Poussin pictează în anii 1630 „Dansul pe muzica timpului”- o imagine foarte interesanta. Este un fel de apel la antichitate, așa că este firesc ca dansul să dobândească din nou libertate și emotivitate.
Cariera sa creativă de 40 de ani include peste 40 de expoziții personale și 120 de grup. Artistul din Plovdiv a primit o reverență pentru munca sa în America. Anastas Konstantinov, cunoscut de bulgari sub numele de „Curcubeul bulgar”, a putut să vadă cum cunoscătorii oceanului au cumpărat picturile sale din Pittsburgh și le-au sărutat ca icoane. Vedeți, acestea sunt noi icoane americane auzite de la un maestru britanic din State. Și a repetat pur și simplu răspunsul managerului său, domnul Celli.
Domnul Chelic însuși nu este o persoană întâmplătoare în America. Și cu un scop clar - să pună arta Anastasiei pe piața de artă americană. Acest program a fost creat cu ajutorul domnului Monty Crivella, care este consultant pe același proiect. A început când au consultat experți americani cu privire la arta unuia dintre cei mai bine vânduți artiști bulgari din Europa. Evaluarea lor a fost că, cu arta de management bun și calitatea picturii pe care Anastasa a creat-o, își puteau lua arta din primele 5% pentru America.
O gravură napolitană anonimă interesantă de la sfârșitul secolului al XVII-lea se bazează pe o serie de gravuri de Jacques Calot dedicate comediei italiene Dell'Arte. Personajele din imagine sunt surprinse în ipostaze expresive, chiar nearmonioase.
impresionişti
Au fost uimiți că un astfel de artist a rămas atât de mult în fața ochilor lor. Explicația lor a fost că s-a întâmplat din motive politice din cauza Zidului Berlinului și a împărțirii lumii. Programul în sine include participarea la târguri de artă mondială, expoziții independente în galerii nivel înalt, întâlniri cu criticii, interviuri cu presa americană și altele.
În America, Anastas a strâns aproximativ 26 de tablouri pentru șederea sa acolo. Iar expoziția pe care o descoperă este mai mult decât planificată, pentru că erau deja picturile lui. Acolo, fumați, gustați și cumpărați. Am vorbit cu proprietarul și ne-a dat un whisky de malț. A fost o întâlnire grozavă cu conversații despre artă și alte subiecte. Chiar înainte să plecăm, proprietarul a invitat niște copii despre care știam că sunt ai lui. Cel puțin a fost o fată de vreo cinci ani care a apărut cu un zâmbet și o strălucire incredibile.
Imaginea dansului s-a schimbat radical datorită impresioniștilor. Acești artiști căutau noi forme de afișare a lumii în care se putea simți lumina, căldura sau frigul, vântul, chiar mirosul și să transmită senzații subtile care nu puteau fi reflectate într-un desen complet precis al obiectelor. Și, desigur, vom vorbi despre Degas. Dar înainte să ne oprim asupra ei, să menționăm picturi pe tema noastră de dans, scrise în aceeași perioadă cu ciclul de balet al lui Degas.
La un moment dat, dacă te uiți la ochii ei fără să-i vezi buzele, vei observa că ochii chiar râd. Pictura se numește „Sărutul lui Mackenzie”. A fost alegerea jurnalistului. Am pictat în multe locuri din lume care mă afectează în moduri diferite. De aceea picturile mele sunt diferite. De exemplu, în Grecia, pentru prima dată, albastru, care mai târziu a fost numit „albastru bizantin” de profesorul Aikia Jurova. Bannerul lor este alb și roșu, iar pozele mele erau picături roșii de sânge. Tot ce este pictat acolo este galben, portocaliu și roșu, iar căldura creează o căldură care a influențat și munca mea ulterioară.
Renoir și dans
Picturile lui Renoir strălucesc de dragoste pentru viață și pentru lumea din jurul lor, ele poartă sentimente calde, pătruns de bucuria de a fi. O serie de picturi pe tema dansului: „Dansez la Moulin de la Galette” 1876, „Dansez la Bougeval” 1883, „Dansează în oraș” și „Dansează la țară”. Înfățișate sunt dansuri de cuplu în care oamenii se complace, punând timpul liber într-o formă culturală. Vedem comunicarea între un bărbat și o femeie - diferită în funcție de apartenența lor socială. Manierele în sat, desigur, sunt diferite de cele în oraș, ceea ce este curios evident în ipostazele și expresiile fețelor. Dar în ceea ce privește dansul ca artă, aceste picturi nu ne oferă nimic.
Italia a avut elemente clasice care nu sunt comune tuturor lucrărilor mele. Picasso a fost primul copil al lui José Ruiz Blasco și Maria Picasso López. Tatăl lui Picasso, José Ruiz, a fost un artist a cărui proprietate era o viziune realistă asupra păsărilor. A fost profesor de artă la o școală de meserii și curator de muzeu pentru cea mai mare parte a vieții sale. Picasso, în copilărie, a arătat pasiune și sentiment pentru desen. Tata l-a învățat pe Picasse diverse tehnici, cum ar fi desenul și pictura în ulei. Picasso a studiat și la Academia de Arte Frumoase din Madrid, dar nu și-a terminat studiile și a plecat după un an.
Henri Matisse - doar un tablou, dar ce tablou!
Faimosul tablou „Dans” al lui Matisse a entuziasmat de mult mințile lumii! Pictura lui nu este ușor de acceptat pentru mulți - pentru aceasta merită să vedeți multe dintre lucrările sale deodată într-un loc la un moment dat, pentru a aprecia pofta stilului său. Nu toată lumea știe că există un al doilea „dans” de pictură al aceluiași artist. Aici sunt amândoi.
După ce a studiat la Madrid, s-a mutat la Paris, centrul de artă al Europei. Prima figură a fost ilustrată de el însuși. Picasso a semnat de atunci Picasso. Primii ani ai secolului XX au fost petrecuți de Picasso între Barcelona și Paris. Ea este cea care apare în multe tablouri ale acelei vremuri. După ce a câștigat faimă și unele lucruri, Picasso l-a părăsit pe Olivier Marcello Humbert. Picasso și-a exprimat dragostea pentru ea în multe picturi cubaneze. L-au avut împreună pe fiul lor Paul, care mai târziu a devenit motociclist și șofer pentru tatăl său.
Căsătoria lui cu Cholk s-a încheiat curând cu un rămas bun. Nu a vrut să divorțeze de Picasso, pentru că, conform legii franceze, Chokhlov și-ar fi pierdut jumătate din avere. Picasso a fost în contact cu Walter de multă vreme și a avut o fiică cu ea, pe care a numit-o Maya. Marie-Thérèse și-a trăit restul vieții în speranța că Picasso o va lua într-o zi, spânzurată la patru ani după moartea sa. O altă dragoste a lui Picasso a fost Jacqueline Roque, care a lucrat într-un atelier de ceramică din Madura, unde Picasso a creat și pictat ceramică. Pe lângă soția sa, a avut multe amante.
Edgar Degas și balerinele lui
Acum ne putem opri în detaliu asupra lui Edgar Degas. Mai mult, vom vedea acum cât de diferită a fost atitudinea și atenția lui față de dans față de compatrioții și contemporanii săi. Deși uneori le place să scrie despre el că, spun ei, pur și simplu îi plăceau doamnele pe jumătate goale, mai ales că publică mai des poze cu balerine care se schimbă sau se încălzesc. Dar dacă te uiți cu atenție un număr mare picturile sale, atunci nu veți percepe o abordare atât de unilaterală a operei sale. Imaginile vor vorbi de la sine (citiți mai jos continuarea - după poze).
A fost căsătorit de două ori și a avut patru copii cu trei femei. Picasso era o persoană faimoasă, iar oamenii erau interesați atât de munca lui, cât și de viața lui personală. De fiecare dată când Picasso apărea într-un film, se juca pe sine. Operele târzii ale lui Picasso au fost un amestec de stiluri, mijloacele sale de exprimare schimbându-se constant până la sfârșitul vieții. Picasso s-a dedicat operei sale, a fost mai îndrăzneț, opera sa a fost mai vibrantă și mai expresivă. Picturile sale nu au fost bine primite la acea vreme, dar Picasso a fost ulterior recunoscut ca un artist care a fost adesea cu mult înaintea timpului său.
Edgar Degas a devenit interesat de balet în anii 70 și a rămas un fan al acestei arte până la sfârșitul zilelor sale. În picturile sale timpurii, dansul apare în fața noastră ca o lume magică de basm cu forme și culori neobișnuit de armonioase. Totul a făcut ca Edgar Degas să devină un artist academic: era dintr-o familie bogată și studia exemple de artă clasică italiană în Italia. Dar avea să devină unul dintre descoperitorii unei noi arte - impresionismul.
„Foierul de dans al Operei de pe Rue Le Peletier”(dreapta) 1872 Este neobișnuit ca centrul imaginii să fie de fapt un spațiu gol, tocmai în acest sens este direcționată solista, nervoasă să-și arate interpretarea în fața coregrafului. Și acest spațiu gol din centru crește tensiunea emanată din figura dansatorului.
„Curs de dans”, 1874. Jules Perrot, un maestru al baletului romantic, este înfățișat împreună cu dansatorii. Fiecare dansatoare este ocupată cu propria ei afacere. Acești dansatori mai au fragilitate, spiritualitate, grație, care de multe ori vor lăsa apoi loc oboselii și epuizării, angularității și stângăciei, pieirii. Poate că cunoștințele acumulate despre munca grea la mașină au avut un efect. (Cei care practică dansul clasic la Divadance probabil vor înțelege perfect acest lucru). Poate că picturile au fost influențate de evenimente personale din viața artistului.
Deosebit de interesante apar în fața noastră repetiții de scenă prin ochii unui artist. Nervozitatea obositoare a acestui proces se reflectă într-o paletă specială, care amintește de o fotografie alb-negru ușor colorată. Precum și unghiularea liniilor, tensiunea sau oboseala pe fețele participanților la proces.
Pictură „Dansatorii albaștri”(stânga) atrage privirile cu o poezie uimitoare de culoare și linie. Mișcarea aproape poate fi văzută, deși pictura este prin definiție statică.
Tablourile care înfățișează dansatori pe scenă ne arată foarte mult o altă lume - culori diferite, iluzia magică a basmelor și transformărilor. Acestea sunt: „Reprezentație de balet, vedere a scenei din boxă”, „Baletul”, „Arabescul final”. În primele două, nu doar scena „intră în cadru”, ci și o „piesă” din sală cu publicul. Degas le pune unul lângă altul, ca pentru contrastul pentru a sublinia magia lumea baletului. În ultimul dintre aceste trei tablouri nu există public, dansatorul ține un buchet în mână. Combinația de culori creează o atmosferă dramatică - un contrast între oboseala balerinei și triumful succesului ei.
Edgar Degas părea să arate o fereastră magică către o altă realitate, în care poți simți ceva inaccesibil în viata obisnuita, dar în același timp creat de oameni din carne și oase, epuizați de munca grea și oboseală. Și îi mulțumesc mult pentru asta!
Desigur, istoria înfățișării dansului în artele vizuale ar trebui să înceapă cu inscripții în stâncă, picturi rupestre antice etc., dar sugerez să nu ne oprim asupra lor. În cele mai vechi timpuri, o persoană picta un dans: plin de semnificație rituală mistică sau altfel. Fiind, ca să spunem așa, oameni occidentali, să ne îndreptăm interesul către viziunea culturii noastre occidentale asupra dansului și a schimbărilor acestuia în funcție de epocă și tendințe culturale.
Majoritatea imaginilor sunt disponibile în formă mărită - faceți clic pe imagine pentru a deschide versiunea mărită într-o fereastră nouă.
Exemple timpurii
Amforele antice conțin adesea imagini cu dansatori. Mișcările lor nu sunt constrânse, maiestuoase, puternice, încrezătoare. Dansul este întruchiparea libertății spiritului, mișcarea sufletului. Iată fragment dintr-o frescă din Vila Misterelor din Pompei(corect).
Evul Mediu religios a privit dansul ca pe un dans dăunător și diavolesc al trupului, motiv pentru care este atât de dificil să găsești picturi vechi pe tema dansului. Epoca Renașterii a reabilitat multe lucruri, deși încă rar vezi dansul în picturi. Cu o oarecare întindere, „picturile de dans” pot fi clasificate ca „ Trei haruri de Sandro Botticelli(stânga).
Dacă luăm în considerare perioada de la secolul al XV-lea până la sfârșitul secolului al XIX-lea, atunci vom găsi foarte puține lucrări. Dansatorii și coregrafii erau extrem de rar oamenii pe care un artist și-ar dori să le surprindă sau pentru al căror portret putea primi o comandă.
Iată rare excepții - oameni care au influențat dezvoltarea coregrafiei occidentale.
Ludovic al 14-lea, numit și „Regele Soare”- s-a dansat singur în spectacole de balet de curte, a atras curtenii în această afacere, a înființat prima Academie de Dans, unde a avut loc pregătirea profesională a dansatorilor. A fost fondată la Paris. „Regele Soare” apare în fața noastră într-o serie de gravuri.
Portretul său dezvăluie ușurința, ușurința și rafinamentul pe care baletul le-a împrumutat de la curtea franceză condusă de Ludovic al XIV-lea, spre deosebire de școala italiană aspră și chiar nepoliticoasă. Toate aceste trăsături se manifestă atât în înfățișarea lui Louis, cât și în ipostazele sale de dans. Chiar și într-un costum de războinic, el arată mai mult ca o zână dintr-un basm bun.
Nicolas Lancret ne-a înfățișat dansatorul Camargo în tabloul cu același nume. Această doamnă a revoluționat arta dansului din secolul al XVII-lea, scurtându-și puțin rochia, expunându-și gleznele și puțin din gambe. Rochia mai scurtă i-a permis și chiar a forțat-o să efectueze mișcări mai dificile și mai interesante ale picioarelor. Înaintea ei, singurele fragmente vizibile ale picioarelor erau picioarele în pantofi, iar la extrem - gleznele. În imagine o vedem pe dansatoare într-o ipostază „zburătoare” care necesită echilibru, picioarele ei sunt întors. Tot în Lancret găsim dans din perspectivă socială: curtenii dansează la un picnic, se distrează (tabloul „Dans”).
Un alt pictor francez celebru din aceleași vremuri Nicolas Poussin pictează în anii 1630 „Dansul pe muzica timpului”- o imagine foarte interesanta. Este un fel de apel la antichitate, așa că este firesc ca dansul să dobândească din nou libertate și emotivitate.
O gravură napolitană anonimă interesantă de la sfârșitul secolului al XVII-lea se bazează pe o serie de gravuri de Jacques Calot dedicate comediei italiene Dell'Arte. Personajele din imagine sunt surprinse în ipostaze expresive, chiar nearmonioase.
impresionişti
Imaginea dansului s-a schimbat radical datorită impresioniștilor. Acești artiști căutau noi forme de afișare a lumii în care se putea simți lumina, căldura sau frigul, vântul, chiar mirosul și să transmită senzații subtile care nu puteau fi reflectate într-un desen complet precis al obiectelor. Și, desigur, vom vorbi despre Degas. Dar înainte să ne oprim asupra ei, să menționăm picturi pe tema noastră de dans, scrise în aceeași perioadă cu ciclul de balet al lui Degas.
Renoir și dansPicturile lui Renoir strălucesc de dragoste pentru viață și pentru lumea din jurul lor, poartă sentimente calde și sunt pătrunse de bucuria de a fi. O serie de picturi pe tema dansului: „Dansez la Moulin de la Galette” 1876, „Dansez la Bougeval” 1883, „Dansează în oraș” și „Dansează la țară”. Înfățișate sunt dansuri de cuplu în care oamenii se complace, punând timpul liber într-o formă culturală. Vedem comunicarea între un bărbat și o femeie - diferită în funcție de apartenența lor socială. Manierele la sat, desigur, sunt diferite de cele din oraș, ceea ce este curios evident în ipostazele și expresiile fețelor. Dar în ceea ce privește dansul ca artă, aceste picturi nu ne oferă nimic.
Henri Matisse - doar un tablou, dar ce tablou!
Faimosul tablou „Dans” al lui Matisse a entuziasmat de mult mințile lumii! Pictura lui nu este ușor de acceptat pentru mulți - pentru aceasta merită să vedeți multe dintre lucrările sale deodată într-un loc la un moment dat, pentru a aprecia pofta stilului său. Nu toată lumea știe că există un al doilea „dans” de pictură al aceluiași artist. Aici sunt amândoi.
Edgar Degas și balerinele lui
Acum ne putem opri în detaliu asupra lui Edgar Degas. Mai mult, vom vedea acum cât de diferită a fost atitudinea și atenția lui față de dans față de compatrioții și contemporanii săi. Deși uneori le place să scrie despre el că, spun ei, pur și simplu îi plăceau doamnele pe jumătate goale, mai ales că publică mai des poze cu balerine care se schimbă sau se încălzesc. Dar, dacă aruncați o privire mai atentă la un număr mare de picturi ale sale, nu veți percepe o abordare atât de unilaterală a operei sale. Imaginile vor vorbi de la sine (citiți mai jos continuarea - după poze).
Edgar Degas a devenit interesat de balet în anii 70 și a rămas un fan al acestei arte până la sfârșitul zilelor sale. În picturile sale timpurii, dansul apare în fața noastră ca o lume magică de basm cu forme și culori neobișnuit de armonioase. Totul a făcut ca Edgar Degas să devină un artist academic: era dintr-o familie bogată și studia exemple de artă clasică italiană în Italia. Dar avea să devină unul dintre descoperitorii unei noi arte - impresionismul.
„Foierul de dans al Operei de pe Rue Le Peletier”(dreapta) 1872 Este neobișnuit ca centrul imaginii să fie de fapt un spațiu gol, tocmai în acest sens este direcționată solista, nervoasă să-și arate interpretarea în fața coregrafului. Și acest spațiu gol din centru crește tensiunea emanată din figura dansatorului.
„Curs de dans”, 1874. Jules Perrot, un maestru al baletului romantic, este înfățișat împreună cu dansatorii. Fiecare dansatoare este ocupată cu propria ei afacere. Acești dansatori mai au fragilitate, spiritualitate, grație, care de multe ori vor lăsa apoi loc oboselii și epuizării, angularității și stângăciei, pieirii. Poate că cunoștințele acumulate despre munca grea la mașină au avut un efect. (Cei care practică dansul clasic la Divadance probabil vor înțelege perfect acest lucru). Poate că picturile au fost influențate de evenimente personale din viața artistului.
Deosebit de interesante apar în fața noastră repetiții de scenă prin ochii unui artist. Nervozitatea obositoare a acestui proces se reflectă într-o paletă specială, care amintește de o fotografie alb-negru ușor colorată. Precum și unghiularea liniilor, tensiunea sau oboseala pe fețele participanților la proces.
Pictură „Dansatorii albaștri”(stânga) atrage privirile cu o poezie uimitoare de culoare și linie. Mișcarea aproape poate fi văzută, deși pictura este prin definiție statică.
Tablourile care înfățișează dansatori pe scenă ne arată foarte mult o altă lume - culori diferite, iluzia magică a basmelor și transformărilor. Acestea sunt: „Reprezentație de balet, vedere a scenei din boxă”, „Baletul”, „Arabescul final”. În primele două, nu doar scena „intră în cadru”, ci și o „piesă” din sală cu publicul. Degas, parcă pentru contrast, le pune una lângă alta pentru a sublinia magia lumii baletului. În ultimul dintre aceste trei tablouri nu există public, dansatorul ține un buchet în mână. Combinația de culori creează o atmosferă dramatică - un contrast între oboseala balerinei și triumful succesului ei.
Edgar Degas părea să arate o fereastră magică către o altă realitate, în care poți simți ceva inaccesibil în viața obișnuită, dar în același timp creat de oameni din carne și oase, epuizați de muncă și oboseală. Și îi mulțumesc mult pentru asta!
