Балет - искусство поэтическое. Ему свойственны темы возвышенные, героические, лирические. Сказочно чудесный мир танцевальных образов глубоко волнует и пробуждает благородные стремления.
В балетных спектаклях сливаются воедино увлекательный сюжет, созданный литератором, музыка, сочиненная композитором, танец, придуманный балетмейстером и исполненный артистами, живописные декорации и костюмы, изготовленные по замыслу художника.
В этот период также произошли большие изменения в движениях, которые составляли хореографии. С намерением все больше и больше танцевать, чтобы сделать их более идеализированными, они работали и добавляли каблуки, а также для танцоров. Чтобы женщины танцевали, просто касаясь пальцами ног на полу, также были включены шаги подъема и подъема невидимыми проводами. Тогда символ классической танцовщицы и ее нематериализация и духовность, высокорослые кроссовки, наконец, были воплощены в танцах. Мари Таглиони была признана первой танцовщицей, которая ее использовала.
Это сложное искусство развилось довольно поздно. Балету немногим более четырехсот лет, хотя искусство танца существует уже несколько тысячелетий (см. ст. «Народный танец»).
Зародился балет в Италии в XV в. От народных танцев название «баллетти» (итальянское «балларе» - танцевать, а «баллетти» - танцы) перешло к более сложным танцам, исполнявшимся на придворных балах. При дворах владетельных лиц нередко устраивались костюмированные представления с танцами, пением и декламацией, в которых участвовали сами придворные. Эти первые балеты состояли из малосвязанных между собой «выходов» персонажей, чаще всего взятых из греческой мифологии. Одну богато и пышно одетую пару сменяла другая. После всех «выходов» начинался общий танец, или «большой балет».
Научные достижения того времени, также способствовали идеализациям романтических балетов: газ освещение несет ответственность за последствия, которые характеризовали хореографию с легкостью и сверхъестественной, с другой стороны, может быть реализованы только тогда, когда занавес начал закрываться во время очки, разделяя их на действия и препятствуя восприятию зрителями механизмов таких эффектов.
Через некоторое время романтический период в танцах, обедненный в Европе, вызвал упадок балета. Но в России царь спонсировал имперские балетные компании, и этого упадка не произошло. Эти компании в Москве и Санкт-Петербурге были признаны за их великие постановки, и вскоре многие французские хореографы и танцоры пошли на их работу. Одной из его главных глав хореографов был Мариус Петипа. Всемирный танцевальный центр переехал из Парижа в Санкт-Петербург, и в новой фазе балета были созданы балеты, основанные на других концепциях.
Такое представление было устроено в Италии на грандиозном пиру в г. Тортоне (1489). Античные боги и герои, танцуя, разносили гостям кушанья. Морские божества несли рыбные блюда, богини плодородия подавали фрукты и сласти. Этот гастрономический балет завершался пышным выходом Вакха - бога вина. Такие же представления появились и при многих европейских дворах.
Затем Франция стала грандиозной сценой мирового балета. Если первым учителем был Пьер Бошамп. Французский хореограф Мариус Петипа путешествовал и поселился навсегда в этой стране. Серж Дягилев основал современную эпоху балета и создал свою собственную компанию.
Появились легендарные танцоры и танцоры, такие как Карсавина, Павлова, Нижинский и Фокин. Создана Русская школа балета, которая после Первой мировой войны способствовала ее расширению по всему миру, и особенно в Лондоне и Нью-Йорке. Позже, другие имена появились как Далал Ахкар и Марджа Хайде. Вацлав Вельчек возглавил еще одну школу в Сан-Паулу, где, среди прочего, были Александр Иосал, Джулиана Янакиева, Рауль Северо, Аурелио Миллосс, Татьяна Лескова.
Постепенно в придворных балетах мифологических героев вытесняют комические маски, изображавшие людей из народа - прачек, трактирщиков, сапожников и т. п. Все роли в балете исполнялись только мужчинами.
Одеяния и маски участников придворного балета были громоздкими и неудобными. Например, сапожник должен был танцевать в закрывавшем его с головой огромном башмаке, а костюм скрипача состоял из большой скрипки. Героев античности также одевали в тяжелый костюм, напоминавший придворное платье. В таких костюмах танцевать было очень трудно, поэтому все балетные движения ограничивались плавной ходьбой, грациозными поклонами и изящными позами. Кроме того, если в придворных балах женщины участвовали наряду с мужчинами, то на сцене женские роли исполнялись мальчиками в масках и париках.
Мариа Хайде и Ана Ботафого достигли большого международного самовыражения. Шаги классического балета. В балетном классе вы узнаете правильную осанку тела. Для танцора это так же важно, как бумага и ручка для ученика. Шаги балета изучаются постепенно и быстро улучшаются, когда количество классов больше.
Перед тем, как начать занятия, студенты разогреваются на полу или в баре. Утепление подготавливает тело к силе и растяжению без травм. Именно в баре танцор изучает первые упражнения и шаги. Это как тренировка каллиграфии в специальной тетради. Учения штанги следуют определенному ритму: сначала выполняются более медленные движения, разминка мышц и суставов, затем быстрее, чтобы дать силу и ловкость телу.
Придворные танцевали вразнобой, так как правил исполнения танцевальных движений еще не существовало.
По указу французского короля Людовика XIV, для выработки правил и системы танцев была основана в 1661 г. Королевская академия танца. В нее входили тринадцать назначенных королем учителей танцев. В 1669 г. был основан музыкальный театр (Королевская академия музыки), где в операх-балетах сперва танцевали только придворные. Вначале балетные спектакли почти не отличались от придворных представлений. Музыка, танец и пение слабо связывались друг с другом и не производили цельного художественного впечатления. Танцы были те же, что и при дворе, - медленные менуэты, гавоты, далекие от своего народного первоисточника. Женщинам разрешено было появиться на сцене лишь в 1681 г. Им приходилось танцевать в тяжелых длинных платьях и в туфлях на высоких каблуках. Подобные костюмы мешали танцовщицам исполнять сложные виртуозные танцы, а потому мастерство мужских танцев превосходило женские танцы грацией, изяществом, плавностью и техникой.
Центр является основной частью урока, поскольку танцор свободно танцует. Центр требует осанки, координации, силы подвижности, которые разработаны в баре. В центре есть также медленные и быстрые упражнения. Во-первых, ваши ноги на земле, пока вы не достигнете пятки. Это так же естественно, как развитие ребенка, от ползания по лестнице.
Дей ворс. Может быть сделано во всех положениях ног. Колени сгибаются до максимума, которого может достичь человек, если они следуют по линии ног, не поднимая пятки земли. Он служит для повышения прыжков и других шагов. Одна из ног вытянута вперед, в сторону или позади тела. Эти два остаются наружу, а бедра всегда соответствуют плечам.
В Италии мода на придворный балет прошла значительно раньше, и танцевальное искусство стало полностью профессиональным. Итальянские танцовщики славились виртуозностью танцевальной техники. Но еще многое мешало балету стать настоящим искусством - и сопровождающие танец тексты, и громоздкие костюмы, и маска, скрывавшая все лицо артиста.
Одна нога тянется за телом. Другая нога может быть растянута или нет. Плечи и бедра должны быть направлены вперед. Нога проходит через опорную ногу, пока она не достигнет высоты колена. Составьте положение «четыре» в воздухе. Обе ноги остаются в стороне.
Отношение. Одна из ног находится в воздухе, слегка согнута, а другая поддерживается. Ноги должны быть обращены в сторону. Опорная ножка должна быть твердой, чтобы поворот вышел на место. Руки и голова помогают дать импульс. Это прыжок, в котором обе ноги остаются открытыми в воздухе, когда тело движется в нужном направлении. Импульс выходит из «полувалюты», и обе ноги одновременно оторвались от пола. Может быть сделано вперед, назад или сбоку.
Только в 1773 г. танцовщик Максимилиан Гардель впервые сбросил традиционную маску. Немного позже балерина Мари Камарго добилась некоторой свободы движений, укоротив юбку чуть выше щиколотки и отказавшись от каблуков, а Мари Салле стала танцевать в свободных легких одеждах, напоминающих греческую тунику. Танцы постепенно становились все более осмысленными.
Термин Балет или Балет относится к танцевальной модальности и ее исполнению. Это выражение исходит от итальянского баллара, с чувством «танца». Он родился именно в Италии, в полном объеме. Его происхождение восходит к представлениям театрального стиля, известному как, в котором актеры только выражали себя через физиогномику и движения тела, как правило, без предварительной подготовки.
В это время несколько шоу были импортированы из итальянцев. С этого момента Франция стала идеальным местом для расцвета этого танца. Когда эта эпоха ушла в упадок, полюс творения переместился из Парижа в Россию. Это был русский, Серж Дягилев, который открыл период современного балета, с собственной компанией. В этом сценарии появились художники, которые прославились бы, например, Павлова, Нижинский и другие. В 60-е годы Большой Москву освящали, до сегодняшнего дня отмечали во всем мире.
Особенно большой вклад в развитие западноевропейского балета сделал французский балетмейстер Жан-Жорж Новерр (1727-1810). В своих «Письмах о танце» (1760) он призывал создать «действенный», т. е. содержательный и выразительный танец, в котором чувства, мысли и события раскрывались бы в пантомиме и танцевальных движениях. Эти передовые идеи Новерру удалось осуществить лишь частично в балетных спектаклях, поставленных при герцогском дворе в Штутгарте и на других сценах.
Репертуарные балеты, которые очень распространены, - это те, которые вдохновлены известными музыкальными темами, поэтому они отвечают за успех компаний, которые извлекли необходимую сущность для сборки своих шоу, в основном на европейской почве. Некоторые из этих самых известных монументов - Коппелия, Лео Делибес; Птица огня Игоря Стравинского; и «Озеро лебедей», как Чайковский.
Но это искусство только процветало в Бразилии в следующем столетии, с празднованием российских компаний Дягилева и Павловой в том же городе, только сейчас в Муниципальном театре. Впоследствии появились такие таланты, как Далал Ахкар, Марджа Хайде, Татьяна Лескова, Ана Ботафого и другие.
Взгляды Новерра оказали огромное влияние на дальнейшее развитие балета. От традиционного костюма и маски отказались. Артисты балета стали танцевать в свободной, легкой
одежде. Танцевальные движения их стали более естественными, выразительными и разнообразными. Ученики и последователи Новерра создали первые в истории хореографии балетные спектакли, где воедино слились музыка, костюм, декорации и осмысленный, одухотворенный танец. Поставленный Добервалем более полутораста лет назад балет «Тщетная предосторожность» продолжает жить на сценах балетных театров и в наши дни.
Танцы на следах времени. Беатрис Карбоун - солистка танца в Театре Алла Скала. Музыка Вольфганга Амадея Моцарта и Жан Франки. Увлекательное путешествие через видения и эмоций на Вольфганг Амадей Моцарт ноты и Жан Франкаикс, с оригинальной хореографией Мик Зени играет Беатриче Карбоне и Давид Галстян.
Беатрис Карбоун - сольный танцор танцевального зала театра в Ла Скала. Она начала изучать танцы со своей восьмилетней матерью. В возрасте 15 лет он получил стипендию для Королевского балетного училища в Лондоне, а в том же году он поступил в музыкальную школу Театро Алла Скала, где он окончил 18 лет. Он сразу же начал играть в сольные и первые балетные танцоры.
В годы французской буржуазной революции балетное искусство обогатилось элементами народного танца, ранее неприемлемыми для придворных артистов. Искусство революционной эпохи обратилось к героическим образам античности.
Одну из замечательных хореографических постановок того времени «Приношение свободе» создал балетмейстер Пьер Гардель. В нее был введен танец, исполнявшийся под музыку «Марсельезы».
Среди многих ролей, которые она сыграла. Он участвует в опере Ратманского, танцуя с Массимо Мурру, создавая в Театре алла Скала, Средиземноморье Бигонцетти. Давид Галстян - балерина Капитолии. Сын искусства, посещает школу танцев в Ереване в Армении. В 15 лет она выиграла премию Нуреева в Лозанне, и ее стипендия привела к Королевскому балету в Лондоне, где она закончила.
Затем он присоединился к Балету Капитолии, где стал первой балериной. Он родился в Вероне, где он начал в возрасте семи лет в танцевальных студиях. В том же году он поступил в «Бальный зал Театро алла Скала», где изучал классический и современный репертуар самых важных хореографов.
В XVIII в. хореография обогатилась выразительными средствами. Артисты балета, одетые в легкие туники и сандалии, могли уже танцевать на высоких полупальцах. Движения рук стали свободны и пластичны; в мимике, движениях, жестах актеры стремились передать чувства своих героев.
Около 1800 г. было изобретено трико (плотно облегающий ноги и тело вязаный костюм телесного цвета), и движения танцовщиков получили полную свободу. Значительно повысился уровень танцевального мастерства. Однако мужской танец все еще продолжал оставаться более виртуозным, чем женский.
Ромео в исполнении Ромео и Джульетты в Большом театре в Москве. Уже в 17 году Сальваторе Аккардо назвал его одной из величайших восходящих звезд международной сцены скрипачей. Он выступал на многочисленных концертах как в Италии, так и за рубежом. Он также посвящает себя камерной музыки, играл в камерных ансамблях с такими музыкантами, как Сальваторе Аккардо, Павел Берман, Рокко Филиппини, Бруно Канино, Антонио Менезес, Энтони Пей и Бруно Джиеранна. Он также следовал курсу с Джулиано Карминьолой в рамках деятельности оркестра Моцарта.
В прошлом году он участвовал в многочисленных мастер-классах со знаменитым мастером Закар-Брон. Он начал заниматься фортепиано в возрасте пяти лет. В качестве пианиста он дважды выигрывал в Первой премии на международных соревнованиях. Верди Милана с высшими отметками. Окончил музыкальную школу Фьезоле с Фарулли Пьеро, Гедином, Занетовичем, Данило Росси. В возрасте 17 лет он присоединился к итальянскому молодежному оркестру, с которым он выступал в Италии и за рубежом вместе с престижными режиссерами и солистами.
На основе достижений балетного искусства итальянский танцовщик и педагог Карло Блазис (1803-1878) разработал систему обучения танцу, строящуюся на пяти исходных позициях ног. Блазис использовал «арсенал» движений, заимствованных поколениями артистов и балетмейстеров из народного и придворного танца, из античного искусства. Эта система в дальнейшем получила название «классической».
Он был приглашен для участия в нескольких турнирах с Европейским молодежным оркестром. Стамиц, в сопровождении оркестра Гвидо Кантелли. Священник посвятил Пассакалья фиолетовой подошве и кусок для бассо, фагота и фиолетового. Сандро Лаффранчини - виолончель.
В качестве солиста он выступал с оркестрами: итальянская филармонией, Аосты, Умбрия и Сицилией, Осака Симфония, Красноярская сибирская симфония и Камерный оркестр Скала. Настоящее лицо балета оказывается довольно уродливым: 16-летние девочки, которые стали анорексией из-за своей диеты; молодые женщины, страдающие депрессией и бесплодием; лебедей, которые стали ужасными монстрами.
В первой половине XIX в. окончательно сформировались итальянская и французская школы классического балета.
Для итальянского балетного театра были характерны виртуозная техника, сложные прыжки, резкие, жесткие движения рук. Порой ради внешнего блеска и виртуозности исполнители жертвовали осмысленностью и выразительностью танца. Одиноким оставался в миланском театре «Ла Скаля» балетмейстер С. Вигано, который с успехом ставил серьезные и сложные балеты на музыку Бетховена, на сюжеты трагедий Шекспира и т. д.
В последнее время балет становится все более популярным в средствах массовой информации. Но не обязательно из-за красоты этого искусства, но из-за грязных рассказов вокруг него. Первый появился Академия Награжденного приза фильма «Черный лебедь», который ловко укрепить клише жестких экономии тренеров и более амбициозных матерь угнетенных девочек, страдающих от анорексии и булимии. Тогда блистали оргия скандала наркотиков в Королевском балете Дании. Совсем недавно, украинское чудо Сергея Полунина выбросило балетные туфли.
Многие из них также страдали психическими расстройствами и бесплодием. Итальянская балерина также утверждает, что девочки с большими бюстами были вынуждены пройти пластическую операцию, чтобы уменьшить сундук. «Когда вы тренируете балерина, как они элитные солдаты, вы превратить их в робот, а не художники,» читает горькую правду, произнесенную обожженной балерина Мария Франческа Гаритано. Все эти обвинения не совсем новые. В своей книге под названием «Танец моей могилы,» США звезда описывает порочный круг, в котором танцорах падают - нечеловеческие давления, возникающие из различных амбиций, наркотиков и личных проблем, не понимая и сочувствия со стороны преподавателей и хореографов.
В отличие от итальянской французская балетная школа славилась грациозностью, пластичностью, мягкостью линий, но в то же время ей была свойственна холодность исполнения. Балетный спектакль во Франции XVIII в. обычно ставили на античный или мифологический сюжет.
Артисты королевского театра даже не стремились правдиво воспроизводить исторические или национальные черты, а подражали придворным манерам и костюмам. Древнегреческие пастухи выходили на сцену в башмаках с красными каблуками по образцу придворных франтов, в обсыпанных пудрой париках с буклями. Все это порождало у многих балетмейстеров и артистов разочарование в классицизме, толкало их на поиски новых средств, которые полнее могли бы передать правду жизни.
В России профессиональное балетное искусство появилось в XVIII в. Хотя на первых порах учителями и постановщиками были иностранцы, русские танцовщики творчески воспринимали от них то, что отвечало требованиям тесно связанной с народным танцем русской танцевальной культуры, что ее обогащало, облагораживало. Заимствованные элементы они стремились наполнить национальным духом.
Так формировалась русская школа классического танца. Важнейший этап ее развития связан с пребыванием в России французского балетмейстера Шарля Дидло (1767 -1837) - одного из создателей романтизма в балетном искусстве. Живые человеческие чувства, поэтическая возвышенность содержания художественных картин, свободная и смелая манера исполнения - вот что особенно привлекало в его балетах и явилось новым словом в искусстве. Он помог артистам создать исторически правдивые образы, по-новому истолковал содержание старых мифов, поставив на их основе балеты «Ацис и Галатея», «Зефир и Флора», «Амур и Психея».
Дидло ввел как средство художественной выразительности «летающий балет», т. е. полеты артистов над сценой, осуществляемые с помощью механических устройств.
Еще на английской сцене Дидло начал ставить жанровые реалистические балеты. Но самыми выдающимися созданиями Дидло были поставленные им в России драматические балеты «Кавказский пленник» (по А. С. Пушкину), «Венгерская хижина», «Раульде Креки». Дидло, которого современники называли «Шекспир и Байрон балетной сцены», умело чередуя веселые и драматические эпизоды, заставлял зрителя с глубоким сочувствием следить за судьбами героев. Правда, в балетах Дидло было еще много пантомимы, а танец носил вспомогательный характер, так как герои танцевали преимущественно на пирах и всяких торжествах.
В России Дидло воспитал таких известных балерин, как Авдотья Истомина и Мария Данилова. После Дидло с каждым новым поколением русский балет становился более самобытным.
Русские балетмейстеры Вальберх, Глушковский ввели национальные темы в балет.
Ни один балетный спектакль не может быть создан без балетмейстера. Содержание музыки, написанной композитором, он раскрывает в танцевальных образах, продумывает композицию и сочетание танцев, разрабатывает все роли. В художественной форме танцевальных образов передаются сложные эмоциональные переживания, могучие взлеты человеческого духа. Порой в танце балетмейстеру удается выразить не меньше мыслей и чувств, чем это можно сделать словами.
Творческая фантазия Дидло дала начало романтическому балету, выражающему стремление к возвышенному, поэтизирующему мечту и сказку. Героями собственно романтического балета стали всевозможные фантастические существа - эльфы, сильфиды, призраки и тени. Балерина Мария Тальони и ее отец, балетмейстер Филипп Тальони, были в 30-х гг. XIX в. наиболее типичными представителями этого нового балета.
Лучший балет романтической поры - «Жизель» был поставлен в 1841 г. в Париже. В нем изображается трагедия чистой, доверчивой крестьянской девушки, глубоко потрясенной неверностью любимого. Жизель умирает от горя и превращается в лесную фею-вилису. Этот вечно юный балет говорит на языке танца о больших чувствах и до сих пор входит в репертуар советского и зарубежного театра.
Не менее волнующее создание эпохи романтизма - балет «Эсмеральда», поставленный выдающимся французским балетмейстером Ж. Перро (1810-1892) по роману В. Гюго «Собор Парижской богоматери» (см. ст. «Виктор Гюго»). Здесь не было ни одного фантастического существа. Перро стремился в танце непосредственно выразить драматическое действие. Талант этого балетмейстера не получил признания на родине и по-настоящему расцвел в Англии и особенно в России.
История русского балета тесно связана с развитием русской классической музыки. До появления балетной музыки П. И. Чайковского музыка служила только сопровождением к танцам: от нее требовали лишь определенного темпа, ритма и запоминающейся мелодии. Симфоническая балетная музыка Чайковского, глубокая, красочная, выразительная, помогала зрителю домысливать то, что невозможно выразить в танце. В балете «Щелкунчик» композитор раскрыл светлый, радостный мир детских грез, в «Лебедином озере» поведал о любви, разрушающей злые чары, в «Спящей красавице» показал торжество добра над злом. Красота и чистота внутреннего мира человека, воспетая Чайковским, навсегда стала главным содержанием русского балетного искусства.
Работая над «Спящей красавицей», Чайковский не раз обращался за советом к замечательному балетмейстеру Мариусу Петипа (1822- 1910). Француз по происхождению, он почти шестьдесят лет отдал русскому балету. Большому знатоку классического танца Петипа особенно удались балеты «Спящая красавица», «Дон Кихот», «Баядерка», в которых танцы словно сливались с музыкой.
Другой выдающийся постановщик балетов Чайковского, Лев Иванов (1834 -1901), создал в «Лебедином озере» изумительные лирические танцы лебедей (2 и 4-й акты балета). Иванов стремился выразить в танце все богатство содержания музыки.
Полного слияния музыки, танца и живописи в балетном спектакле достигли в начале XX в. балетмейстеры М. Фокин и А. Горский. Им удавалось не только правдиво воспроизводить жизнь на балетной сцене, но и находить для каждого балета отвечающие содержанию своеобразные выразительные средства. Сотрудничая с лучшими художниками, Горский и Фокин подняли на высокий уровень искусство оформления спектакля.
На Западе во второй половине XIX в. балет пришел в упадок, потерял самостоятельное значение и превратился в придаток к опере, в то время как русское балетное искусство продолжало развивать лучшие черты классического балета.
Классический балет отличается строгим рисунком движения, благородной чистотой и одухотворенностью исполнения.
Все средства выразительности в классическом балете служат для раскрытия глубокого содержания, сложных переживаний героев.
Гастроли русского балета в Париже и Лондоне (в начале XX в.) произвели на западных зрителей ошеломляющее впечатление. Выдающаяся русская балерина Анна Павлова была признана одной из величайших танцовщиц классической школы. В танце «Умирающий лебедь» (музыка Сен-Санса, постановка М. Фокина), который длился всего три минуты, Павлова раскрывала целую гамму переживаний. Блестящее мастерство русских балетмейстеров и артистов, вдохновенное искусство Анны Павловой оказали огромное влияние на возрождение европейского балета. Павлова, а за ней и другие педагоги открыли в Англии школы классического танца. Подготовленные ими талантливые артисты образовали профессиональные труппы, существующие и в наши дни («Балет Мари Рамбер», «Королевский балет» - бывший «Сэдлере Уэллс»). В их репертуаре есть не только балеты отечественных композиторов, но и замечательные произведения Чайковского.
В 30-е гг. XX в. возродился национальный балет во Франции, Италии и других странах. Много заимствовано им у русской и советской школы классического танца, пользующейся исключительной популярностью на Западе.
Лучшее из классического наследия русской школы получило свое дальнейшее развитие в советском балете. Его по праву можно считать новым, более высоким этапом хореографического искусства. Классический танец в советском балете в соответствии с требованиями нашей эпохи непрерывно развивается, совершенствуется и обогащается, впитывая лучшие особенности танцевального искусства нашей страны.
На советской сцене «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Жизель» живут новой жизнью. Сохранив все ценное от прошлых постановок, они проникнуты иным восприятием музыки, новым представлением о величии и красоте жизни, наполнены особой драматической напряженностью. Советское балетное искусство стремится раскрыть лучшее в человеке, все богатство его внутреннего мира. Оно не только радует глаз, но и пробуждает в зрителях благородные стремления, высокие чувства и мысли.
Советскому хореографическому искусству принадлежит заслуга создания больших реалистических балетов, посвященных народным героям и борцам за свободу разных стран и эпох. Это «Красный мак» Глиэра (см. ст. «Р. М. Глиэр»), поставленный В. Тихомировым и Л. Лащилиным; «Пламя Парижа» Б. Асафьева, балетмейстер Вайнонен; «Спартак» Хачатуряна (см. ст. «Арам Хачатурян»); «Лауренсия» А. Крейна, балетмейстер В. Чабукиани; «Тропою грома» Кара Караева, балетмейстер К. Сергеев; «Каменный цветок» С. Прокофьева, балетмейстер Ю. Григорович.
В золотой фонд советского балета вошли такие замечательные произведения, как «Бахчисарайский фонтан» Б. Асафьева и «Ромео и Джульетта» С. Прокофьева (см. ст. «С. С. Прокофьев»), Постановщики этих балетов балетмейстеры Р. Захаров и Л. Лавровский сумели перевести на язык танца поэтическое содержание великих произведений Пушкина и Шекспира.
Советский народ гордится такими выдающимися исполнителями, как Уланова (см. ст. «Г. С. Уланова»), М. Плисецкая, О. Лепешинская, Р. Стручкова, К. Сергеев, В. Чабукиани, и многими другими славными воспитанниками советской балетной школы.
Всеобщее восхищение зарубежных зрителей вызвали гастроли советских артистов, сумевших вместе с постановщиками превратить балет в «напряженную драматическую инсценировку, полную живости, хореографических выдумок… сценических эффектов и эмоциональности» - как писала зарубежная печать. Выступления советского балета в ряде стран Европы и Америке расценивались как «события исторического значения».
Самое прекрасное из всех искусств.Самое прекрасное из всех искусств, балет, рассказывает об историях любви и смерти языком понятным всем людям на Земле. Непреходящие ценности, повторяющиеся преступления и чудеса веры, клятвы и долга находят свое выражение в танцах. «Сначала было Слово», - говорит Библия, но Майя Плисецкая возражает: «Сначала был жест!». Искусство безмолвного движения не требует человеческого языка и перевода. Красота тела в движении, тело как инструмент создания искусства, теперь сами по себе служат «сюжетами» для бессюжетных танцев. Балет невозможен без техники классического танца, без природы тела, без жертвы и безусловной любви, без пота и крови. И всё же балет - это совершенное движение, которое заставляет забыть обо всём мелочном и земном.
Краткая история русского балета.
Первое балетное представление в России состоялось на масленицу 17 февраля 1672 года при дворе царя Алексея Михайловича в Преображенском. Перед началом спектакля на сцену вышел актёр, изображавший Орфея, и пропел немецкие куплеты, переведенные царю переводчиком, в которых превозносились прекрасные свойства души Алексея Михайловича. В это время по обе стороны Орфея стояли две украшенные транспарантами и освещенные разноцветными огнями пирамиды, которые после песни Орфея начали танцевать. При Петре I в России появляются танцы в современном значении этого слова: были введены менуэты, контрдансы и т. п. Им был издан указ, согласно которому танцы стали основной частью придворного этикета, а дворянская молодёжь была обязана обучаться танцам. В 1731 году в Петербурге был открыт Сухопутный шляхетный корпус, которому суждено было стать колыбелью русского балета. Так как выпускники корпуса в будущем должны были занимать высокие государственные должности и нуждались в знаниях светского обхождения, то изучению изящных искусств, в том числе и бального танца, в корпусе отводилось значительное место. 4 мая 1738 года французский танцмейстер Жан Батист Ланде открыл первую в России школу балетного танца — «Танцо́вальная Ея Императорского Величества школу» (ныне Академия русского балета имени А. Я. Вагановой).
В специально оборудованных комнатах Зимнего дворца Ланде начал обучение 12 русских мальчиков и девочек. Учеников набирали из детей простого происхождения. Обучение в школе было бесплатным, воспитанники находились на полном содержании. Дальнейшее развитие балет в России получил в царствование Елизаветы Петровны. Среди кадетов Сухопутного корпуса в танцах преуспели Никита Бекетов. Причём Бекетов, который впоследствии стал фаворитом Елизаветы, пользовался особенной благосклонностью императрицы, которая сама одевала юношу, превосходно исполнявшего женские роли. В 1742 году из учеников школы Ланде была создана первая балетная труппа, а в 1743 году её участникам начали выплачивать гонорары. 1 августа 1759 года в день тезоименитства императрицы и по случаю победы над прусскими войсками при Франкфурте был торжественно поставлен балет-драма «Прибежище добродетели», имевший огромный успех.
В правление Екатерины II балет в России приобрел ещё большую популярность и получил дальнейшее развитие. По случаю её коронации в московском дворце был дан роскошный балет «Радостное возвращение к аркадским пастухам и пастушкам богини весны», в котором участвовали знатнейшие вельможи. Известно, что в придворном театре в балетных постановках нередко танцевал наследник престола Павел Петрович. С эпохи Екатерины II в России появилась традиция крепостных балетов, когда помещики заводили у себя труппы, составленные из крепостных крестьян. Из таких балетов наибольшей славой пользовался балет помещика Нащокина.
В 1766 году выписанный из Вены балетмейстер и композитор Гаспаро Анджолини добавляет к балетным постановкам русский колорит — вводит в музыкальное сопровождение балетных постановок русские мелодии, чем удивил всех и приобрел всеобщую себе похвалу. В начале царствования Павла I балет ещё в моде. Интересно, что при Павле I были изданы особые правила для балета — было приказано, чтобы на сцене во время представления не было ни одного мужчины, роли мужчин танцевали Евгения Колосова и Настасья Берилова.
Так продолжалось до приезда в Санкт-Петербург Огюста Пуаро. В царствование Александра I русский балет продолжил своё развитие, достигнув новых высот. Своим успехам в это время русский балет, прежде всего, обязан приглашенному французскому балетмейстеру Карлу Дидло, прибывшему в Россию в 1801 году. Под его руководством в русском балете начали блистать такие танцовщики и танцовщицы как Мария Данилова, Евдокия Истомина. В это время балет в России достиг небывалой популярности. Державин, Пушкин и Грибоедов воспевали балеты Дидло и его учениц — Истомину и Телешову. Император любил балетные преставления и почти не пропускал ни одного. В 1831 году Дидло из-за конфликта с директором театров князем Гагариным оставил петербургскую сцену. Вскоре на петербургской сцене начала блистать звезда европейского балета Мария Тальони.
Она дебютировала 6 сентября 1837 года в балете «Сильфида» и вызвала восторг публики. Такой лёгкости, такой целомудренной грации, такой необыкновенной техники и мимики ещё не показывала не одна из танцовщиц. В 1841 году она распростилась с Петербургом, протанцевав за это время более 200 раз.
В 1848 году в Петербург приехала соперница Тальони — Фанни Эльслер, знаменитая своей грацией и мимикой. Вслед за ней Петербург посетила Карлотта Гризи, которая дебютировала в 1851 году в «Жизели» и имела большой успех, показав себя первоклассной танцовщицей и прекрасной мимической актрисой. В это время балетмейстеры Мариус Петипа, Жозеф Мазилье и др. последовательно ставили роскошные балеты и привлечением талантливых артистов старались выдвинуть балетные представления, к которым начинали охладевать благодаря итальянской опере. Среди балетных критиков того времени был и Виссарион Белинский, отметившийся статьями о Тальони, Герино и Санковской. В царствование Александра II в русском балете начинается выдвижение отечественных талантов. Целый ряд талантливых русских танцовщиков и танцовщиц украшали балетную сцену. Хотя в балетных постановках соблюдалась большая экономия, опытность Мариyca Петипа давала возможность и при небольших финансовых затратах ставить изящные балетные спектакли, успеху которых немало способствовали превосходные декорации художников. В этот период развития русского балета танцы берут верх над пластикой и мимикой.
В царствование Александра III балеты давались в Мариинском театре два раза в неделю — по средам и воскресеньям. Балетмейстером по-прежнему был Мариус Петипа. В это время в Петербурге гастролировали иностранные балерины, из них Карлотта Брианца, которая первой исполнила партию Авроры в балете «Спящая красавица» Петра Чайковского. Ведущими танцовщиками были Василий Гельцер и Николай Домашев. В XX веке - А. В. Ширяев, 1904 А. А. Горский, 1906 Михаил Фокин, 1909. В начале XX века хранителями академических традиций были артисты: Ольга Преображенская, Матильда Кшесинская, Вера Трефилова, Ю. Н. Седова, Агриппина Ваганова, Ольга Спесивцева. В поисках новых форм Михаил Фокин опирался на современное изобразительное искусство.
Анна Павлова. Invitation to the Dance aka Invitation to the valse.
Излюбленной сценической формой балетмейстера стал одноактный балет с лаконичным непрерывным действием, с чётко выраженной стилистической окраской. Михаилу Фокину принадлежат балеты: «Павильон Армиды», «Шопениана», «Египетские ночи», « Карнавал», 1910; « Петрушка», «Половецкие пляски» в опере «Князь Игорь». В балетах Фокина прославились Тамара Карсавина, Вацлав Нижинский и Анна Павлова. Первый акт балета «Дон Кихот», на музыку Людвига Минкуса дошёл до современников в редакции Александра Горского.
Русский балет ХХ века.
Галина Уланова в балете "Жизель."
Па де де из балета "Лебединое озеро" Чайковского.
Русский балет ХХI века.
Па де де из балета "Корсар"Адана.
Па де де из балета "Дон Кихот" Минкуса.
Па де де из балета "Баядерка"Минкуса.
Адажио и па де де из балета "Жизель" Адана.
