Aus der Entwicklungsgeschichte des Balletts. Klassisches Ballett: Rolle und Funktionen in der künstlerischen Kultur unserer Zeit (gesamtrussische und regionale Aspekte)

Ballett ist eine poetische Kunst. Erhabene, heroische und lyrische Themen zeichnen ihn aus. Fabelhaft wundervolle Welt Tanzbilder regen zutiefst an und wecken edle Bestrebungen.

Ballettaufführungen kombinieren eine faszinierende Handlung eines Schriftstellers, eine von einem Komponisten komponierte Musik, einen von einem Choreografen erfundenen und von Künstlern aufgeführten Tanz, malerische Landschaften und Kostüme, die nach den Plänen des Künstlers angefertigt wurden.

Diese komplexe Kunst entwickelte sich erst recht spät. Ballett ist etwas mehr als vierhundert Jahre alt, obwohl die Tanzkunst schon seit mehreren Jahrtausenden existiert (siehe Artikel „Volkstanz“).

Das Ballett entstand im 15. Jahrhundert in Italien. Von Volkstänzen ging der Name „Balletti“ (italienisch „ballare“ – „tanzen“ und „balletti“ – Tänze) auf komplexere Tänze über, die auf Hofbällen aufgeführt wurden. An den Höfen der Herrscher wurden häufig Kostümaufführungen mit Tanz, Gesang und Rezitation aufgeführt, an denen die Höflinge selbst teilnahmen. Diese ersten Ballette bestanden aus lose verbundenen „Einträgen“ von Charakteren, die meist aus der griechischen Mythologie stammten. Ein reich und prächtig gekleidetes Paar wurde durch ein anderes ersetzt. Nach all den „Abgängen“ begann der allgemeine Tanz oder das „große Ballett“.

Eine solche Aufführung wurde in Italien bei einem großen Fest in der Stadt Tortona (1489) aufgeführt. Die alten Götter und Helden tanzten und servierten den Gästen Essen. Meeresgottheiten brachten Fischgerichte, Fruchtbarkeitsgöttinnen servierten Früchte und Süßigkeiten. Dieses gastronomische Ballett endete mit dem großartigen Auftritt von Bacchus, dem Gott des Weins. Solche Aufführungen fanden auch an vielen europäischen Gerichten statt.

Nach und nach werden in Hofballetten mythologische Helden durch komische Masken ersetzt, die Menschen aus dem Volk darstellen – Wäscherinnen, Gastwirte, Schuhmacher usw. Alle Rollen im Ballett wurden nur von Männern gespielt.

Die Gewänder und Masken der Hofballettteilnehmer waren sperrig und unbequem. Beispielsweise musste ein Schuhmacher in einem riesigen Schuh tanzen, der seinen Kopf bedeckte, und das Kostüm eines Geigers bestand aus einer großen Geige. Helden der Antike trugen ebenfalls einen schweren Anzug, der diesem ähnelte Hoftracht. Es war sehr schwierig, in solchen Kostümen zu tanzen, daher beschränkten sich alle Ballettbewegungen auf sanftes Gehen, anmutige Verbeugungen und anmutige Posen. Wenn Frauen neben Männern auch an Hofbällen teilnahmen, dann auf der Bühne weibliche Rollen aufgeführt von Jungen, die Masken und Perücken tragen.

Die Höflinge tanzten nach dem Zufallsprinzip, da es noch keine Regeln für die Ausführung von Tanzbewegungen gab.

Auf Erlass des französischen Königs Ludwig XIV. wurde 1661 die Royal Academy of Dance gegründet, um Regeln und ein Tanzsystem zu entwickeln. Ihr gehörten dreizehn vom König ernannte Tanzlehrer an. Im Jahr 1069 wurde ein Musiktheater (Royal Academy of Music) gegründet, in dem zunächst nur Höflinge in Opern und Balletten tanzten. Zunächst unterschieden sich Ballettaufführungen fast nicht von Hofaufführungen. Musik, Tanz und Gesang waren lose miteinander verbunden und erzeugten keinen zusammenhängenden künstlerischen Eindruck. Die Tänze waren die gleichen wie bei Hofe – langsame Menuette, Gavotten, weit entfernt von ihrem volkstümlichen Ursprung. Frauen durften erst 1681 auf der Bühne auftreten. Sie mussten schwer tanzen lange Kleider und in Schuhen High Heels. Solche Kostüme hinderten Tänzer daran, komplexe virtuose Tänze aufzuführen, und daher übertraf die Beherrschung der Männertänze die Frauentänze an Anmut, Eleganz, Geschmeidigkeit und Technik.

In Italien war die Mode des Hofballetts viel früher vorbei und die Tanzkunst wurde völlig professionalisiert. Italienische Tänzer waren berühmt für ihre virtuosen Tanztechniken. Doch es gab noch vieles, was das Ballett daran hinderte, eine echte Kunst zu werden: die den Tanz begleitenden Texte, die sperrigen Kostüme und die Maske, die das gesamte Gesicht des Künstlers verdeckte.

Erst 1773 warf der Tänzer Maximilian Gardel erstmals die traditionelle Maske ab. Wenig später erlangte die Ballerina Marie Camargo etwas Bewegungsfreiheit, indem sie ihren Rock knapp über dem Knöchel kürzte und auf die Absätze verzichtete, und Marne Salle begann in lockeren, leichten Kleidern zu tanzen, die an eine griechische Tunika erinnern. Das Tanzen gewann nach und nach immer mehr an Bedeutung.

Einen besonders großen Beitrag zur Entwicklung des westeuropäischen Balletts leistete der französische Choreograf Jean-Georges Noverre (1727-1810). In seinen „Briefen über den Tanz“ (1760) forderte er die Schaffung eines „wirkungsvollen“, also bedeutungsvollen und ausdrucksstarken Tanzes, bei dem Gefühle, Gedanken und Ereignisse in Pantomime und Tanzbewegungen zum Ausdruck kommen sollten. Noverre gelang es nur teilweise, diese fortschrittlichen Ideen in Ballettaufführungen am Stuttgarter Herzogshof und auf anderen Bühnen umzusetzen.

Noverres Ansichten hatten großen Einfluss auf die weitere Entwicklung des Balletts. Die traditionelle Tracht und Maske wurde aufgegeben. Balletttänzer begannen in lockerer, leichter Kleidung zu tanzen. Ihre Tanzbewegungen wurden natürlicher, ausdrucksvoller und abwechslungsreicher. Noverres Schüler und Anhänger schufen die ersten Ballettaufführungen in der Geschichte der Choreografie, bei denen Musik, Kostüme, Bühnenbild und bedeutungsvoller, spiritueller Tanz miteinander verschmolzen. Das vor mehr als hundertfünfzig Jahren von Dauberval inszenierte Ballett „Vain Precaution“ lebt auch heute noch auf den Bühnen der Balletttheater.

In den Jahren der französischen bürgerlichen Revolution wurde die Ballettkunst mit Elementen des Volkstanzes bereichert, die für Hofkünstler bisher inakzeptabel waren. Die Kunst der Revolutionszeit wandte sich den Heldenbildern der Antike zu.

Eine der bemerkenswertesten choreografischen Produktionen dieser Zeit, „Offering to Freedom“, wurde vom Choreografen Pierre Gardel geschaffen. Darin wurde ein Tanz eingeführt, der zur Musik der Marseillaise aufgeführt wurde.

Im 18. Jahrhundert Die Choreographie wurde mit ausdrucksstarken Mitteln bereichert. Balletttänzer, gekleidet in leichte Tuniken und Sandalen, konnten bereits auf hohen Halbzehen tanzen. Die Handbewegungen sind freier und flexibler geworden; Mit Mimik, Bewegungen und Gestik versuchten die Schauspieler, die Gefühle ihrer Figuren zu vermitteln.

Um 1800 wurde der Trikotanzug erfunden (ein eng anliegender Strickanzug, der sich den Beinen und dem Körper anpasst). fleischfarben), und den Tänzern wurde völlige Bewegungsfreiheit gelassen. Das Niveau der tänzerischen Fähigkeiten hat sich deutlich erhöht. Der Männertanz war jedoch weiterhin virtuoser als der Frauentanz.

Basierend auf den Errungenschaften der Ballettkunst entwickelte der italienische Tänzer und Lehrer Carlo Blasis (1803-1878) ein Tanzlehrsystem, das auf fünf Ausgangspositionen der Beine basiert. Blazis nutzte ein „Arsenal“ von Bewegungen, die Generationen von Künstlern und Choreografen dem Volks- und Höfentanz sowie der antiken Kunst entlehnt hatten. Dieses System wurde später „klassisch“ genannt.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Schließlich wurden die italienische und die französische Schule des klassischen Balletts gegründet.

Das italienische Balletttheater zeichnete sich durch virtuose Technik, komplexe Sprünge und scharfe, starre Handbewegungen aus. Manchmal opferten die Darsteller der äußeren Brillanz und Virtuosität zuliebe die Bedeutung und Ausdruckskraft des Tanzes. Der Choreograf S. Viganò, der erfolgreich ernsthafte und komplexe Ballette zur Musik Beethovens auf der Grundlage der Handlung von Shakespeares Tragödien usw. inszenierte, blieb allein an der Mailänder Scala.

Im Gegensatz zur italienischen war die französische Ballettschule für ihre Anmut, Plastizität und Weichheit der Linien bekannt, zeichnete sich aber gleichzeitig durch die Kälte der Ausführung aus. Ballettaufführung in Frankreich im 18. Jahrhundert. basiert normalerweise auf einer antiken oder mythologischen Handlung.

Die Künstler des königlichen Theaters strebten nicht einmal danach, historische oder nationale Besonderheiten wahrheitsgetreu wiederzugeben, sondern ahmten höfische Manieren und Kostüme nach. Antike griechische Hirten erschienen auf der Bühne in Schuhen mit roten Absätzen, die Hofdandys nachempfunden waren, und in gepuderten Perücken mit Locken. All dies führte bei vielen Choreografen und Künstlern zu einer Enttäuschung über den Klassizismus und veranlasste sie, nach neuen Mitteln zu suchen, die die Wahrheit des Lebens besser vermitteln könnten.

In Russland entstand im 18. Jahrhundert professionelle Ballettkunst. Obwohl die Lehrer und Regisseure zunächst Ausländer waren, nahmen russische Tänzer von ihnen kreativ wahr, was den Anforderungen der russischen Tanzkultur entsprach, die eng mit dem Volkstanz verbunden war, was sie bereicherte und veredelte. Sie versuchten, den übernommenen Elementen einen nationalen Geist zu verleihen.

So entstand die russische Schule des klassischen Tanzes. Die wichtigste Phase seiner Entwicklung ist mit dem Aufenthalt des französischen Choreografen Charles Didelot (1767 - 1837) in Russland verbunden, einem der Schöpfer der Romantik in der Ballettkunst. Lebendige menschliche Gefühle, die poetische Erhabenheit des Inhalts künstlerischer Gemälde, die freie und kühne Art der Aufführung – das war es, was in seinen Balletten besonders reizvoll war und ein neues Wort in der Kunst war. Er half den Künstlern, historisch wahrheitsgetreue Bilder zu schaffen, interpretierte den Inhalt alter Mythen neu und inszenierte darauf basierend die Ballette „Acis und Galatea“, „Zephyr und Flora“, „Amor und Psyche“.

Als künstlerisches Ausdrucksmittel führte Didelot das „fliegende Ballett“ ein, also Flüge von Darstellern über die Bühne, die mit Hilfe mechanischer Geräte durchgeführt wurden.

Noch auf der englischen Bühne begann Didelot mit der Inszenierung genrerealistischer Ballette. Aber Didelots herausragendste Schöpfungen waren die dramatischen Ballette „Gefangener des Kaukasus“ (nach A.S. Puschkin), „Die ungarische Hütte“ und „Raoul de Crequy“, die er in Russland inszenierte. Didelot, den seine Zeitgenossen „Shakespeare und Byron der Ballettbühne“ nannten, zwang den Zuschauer durch den gekonnten Wechsel zwischen lustigen und dramatischen Episoden, das Schicksal der Helden mit tiefer Anteilnahme zu verfolgen. Zwar gab es in Didelots Balletten immer noch viel Pantomime, und der Tanz hatte Hilfscharakter, da die Figuren hauptsächlich bei Festen und Feiern aller Art tanzten.

In Russland hat Didelot solche aufgezogen berühmte Ballerinas, wie Avdotya Istomina und Maria Danilova. Nach Didelot wurde das russische Ballett mit jeder neuen Generation origineller.

Die russischen Choreografen Walberch und Glushkovsky führten nationale Themen in das Ballett ein.

Ohne einen Choreografen kann keine einzige Ballettaufführung entstehen. Er legt den Inhalt der vom Komponisten geschriebenen Musik in Tanzbildern offen, denkt die Komposition und Kombination der Tänze durch und entwickelt alle Rollen. Die künstlerische Gestaltung von Tanzbildern vermittelt vielschichtiges emotionale Erlebnisse, mächtige Höhen des menschlichen Geistes. Manchmal gelingt es einem Choreografen, im Tanz nicht weniger Gedanken und Gefühle auszudrücken als mit Worten. Didelots kreative Fantasie ließ ein romantisches Ballett entstehen, das den Wunsch nach dem Erhabenen zum Ausdruck brachte und Träume und Märchen poetisierte. Die Helden des romantischen Balletts selbst waren alle möglichen fantastischen Kreaturen – Elfen, Sylphen, Geister und Schatten. Ballerina Maria Taglioni und ihr Vater, der Choreograf Philippe Taglioni, waren in den 30er Jahren. 19. Jahrhundert die typischsten Vertreter dieses neuen Balletts.

Das beste Ballett der Romantik – „Zh, n-zel“ wurde 1841 in Paris aufgeführt. Es schildert die Tragödie eines reinen, vertrauensvollen Bauernmädchens, das über die Untreue seiner Geliebten zutiefst schockiert ist. Giselle stirbt vor Kummer und verwandelt sich in eine Waldfee-Wilisa. Dieses ewig jugendliche Ballett spricht die Sprache des Tanzes über große Gefühle und gehört noch heute zum Repertoire sowjetischer und ausländischer Theater.

Eine nicht weniger aufregende Schöpfung der Epoche der Romantik ist das Ballett „Esmeralda“, inszeniert vom herausragenden französischen Choreografen J. Perrault (1810-1892) nach dem Roman „Kathedrale Notre Dame“ von V. Hugo. Hier gab es kein einziges fantastisches Wesen. Perrault versuchte, dramatische Handlungen im Tanz direkt auszudrücken. Das Talent dieses Choreografen fand in seiner Heimat keine Anerkennung und blühte in England und insbesondere in Russland richtig auf.

Die Geschichte des russischen Balletts ist eng mit der Entwicklung der russischen klassischen Musik verbunden. Vor dem Aufkommen der Ballettmusik von P. I. Tschaikowsky diente Musik nur als Begleitung zum Tanz: Sie erforderte lediglich ein bestimmtes Tempo, einen bestimmten Rhythmus und eine einprägsame Melodie. Tschaikowskys symphonische Ballettmusik, tiefgründig, farbenfroh und ausdrucksstark, half dem Betrachter, sich vorzustellen, was im Tanz nicht ausgedrückt werden kann. Im Ballett „Der Nussknacker“ offenbarte der Komponist die helle, fröhliche Welt der Kinderträume; im „Schwanensee“ sprach er von Liebe, die böse Zauber zerstört; in „Dornröschen“ zeigte er den Triumph des Guten über das Böse. Die von Tschaikowsky verherrlichte Schönheit und Reinheit der inneren Welt des Menschen wurde für immer zum Hauptinhalt der russischen Ballettkunst.

Während der Arbeit an „Dornröschen“ wandte sich Tschaikowsky mehr als einmal um Rat an den wunderbaren Choreografen Marpus Petipa (1822-1910). Als gebürtiger Franzose widmete er sich fast sechzig Jahre lang dem russischen Ballett. Als großer Kenner des klassischen Tanzes war Petipa besonders erfolgreich in den Balletten „Dornröschen“, „Don Quijote“ und „La Bayadère“, in denen die Tänze mit der Musik zu verschmelzen schienen.

Ein weiterer herausragender Regisseur von Tschaikowskys Balletten, Lev Ivanov (1834-1901), schuf in Schwanensee (Akt 2 und 4 des Balletts) erstaunliche lyrische Schwanentänze. Ivanov versuchte, den ganzen Reichtum des Musikinhalts im Tanz auszudrücken.

Die vollständige Verschmelzung von Musik, Tanz und Malerei in einer Ballettaufführung gelang zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Choreografen M. Fokin und A. Gorsky. Es gelang ihnen nicht nur, das Leben auf der Ballettbühne wahrheitsgetreu wiederzugeben, sondern auch für jedes Ballett einzigartige, dem Inhalt entsprechende Ausdrucksmittel zu finden. In Zusammenarbeit mit den besten Künstlern haben Gorsky und Fokin das geschaffen hohes Niveau die Kunst des Performance-Designs.

Im Westen in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Das Ballett verfiel, verlor seine eigenständige Bedeutung und wurde zu einem Anhängsel der Oper, während die russische Ballettkunst die besten Merkmale des klassischen Balletts weiter entwickelte.

Klassisches Ballett Es zeichnet sich durch ein strenges Bewegungsmuster, edle Reinheit und Spiritualität in der Ausführung aus.

Alle Ausdrucksmittel im klassischen Ballett dienen dazu, die tiefen Inhalte und komplexen Erfahrungen der Figuren offenzulegen. Die Tourneen des russischen Balletts in Paris und London (zu Beginn des 20. Jahrhunderts) hinterließen beim westlichen Publikum einen überwältigenden Eindruck. Die herausragende russische Ballerina Anna Pavlova wurde als eine der größten Tänzerinnen der klassischen Schule anerkannt. In dem nur drei Minuten dauernden Tanz „Der sterbende Schwan“ (Musik von Saint-Saëns, choreografiert von M. Fokin) offenbarte Pavlova eine ganze Reihe von Erfahrungen. Das brillante Können russischer Choreografen und Künstler sowie die inspirierte Kunst von Lina Pavlova hatten großen Einfluss auf die Wiederbelebung des europäischen Balletts. Pavlova und nach ihren anderen Lehrern eröffneten sie klassische Tanzschulen in England. Die talentierten Künstler, die sie ausbildeten, bildeten professionelle Truppen, die noch heute bestehen (Marie Rambert Ballet, Royal Ballet – ehemals Sadler's Wells). Ihr Repertoire umfasst nicht nur Ballette russischer Komponisten, sondern auch wunderbare Werke von Tschaikowsky.

In den 30er Jahren 20. Jahrhundert Das Nationalballett wurde in Frankreich, Italien und anderen Ländern wiederbelebt. Er hat viele Anleihen bei der russischen und sowjetischen Schule des klassischen Tanzes gemacht, die im Westen äußerst beliebt ist.

Das Beste aus dem klassischen Erbe der russischen Schule wurde im sowjetischen Ballett weiterentwickelt. Sein Recht. kann als eine neue, höhere Stufe der choreografischen Kunst angesehen werden. Der klassische Tanz im sowjetischen Ballett entwickelt sich entsprechend den Anforderungen unserer Zeit ständig weiter, verbessert und bereichert und fesselt beste Eigenschaften Tanzkunst unseres Landes.

„Schwanensee“, „Dornröschen“, „Giselle“ live auf der sowjetischen Bühne neues Leben. Da sie alles Wertvolle aus vergangenen Produktionen bewahrt haben, sind sie von einer anderen Wahrnehmung der Musik, einer neuen Vorstellung von der Größe und Schönheit des Lebens durchdrungen und von einer besonderen dramatischen Spannung erfüllt. Die sowjetische Ballettkunst strebt danach, das Beste im Menschen und den ganzen Reichtum seiner inneren Welt zu offenbaren. Es erfreut nicht nur das Auge, sondern weckt beim Publikum auch edle Bestrebungen, hohe Gefühle und Gedanken.

Jede Kunst erzählt den Menschen auf ihre eigene Weise von menschlichen Erfahrungen, Gedanken, Gefühlen und von Ereignissen aller Art – real, heute, historisch oder fantastisch. Und jede Kunst ist auf ihre Weise bedingt. Und vielleicht ist Musiktheater – Oper und insbesondere Ballett – das konventionellste. Warum „besonders Ballett“? Denn auch in der Oper singen die Figuren statt der üblichen Sprache Worte. Und die Worte sind leicht zu verstehen – sie sind vertraut.

Nicht so im Ballett. Ballett ist wortlos. Seine Basis sind Tanz und Pantomime. Der Tanz besteht aus einzelnen Bewegungen, von denen Es entstehen Tänze, die eine Ballettaufführung ergeben, die von verschiedenen Ereignissen und unterschiedlichen Geisteszuständen der Figuren erzählen kann... Erzähl es ruhig. Nur durch Körperbewegung, Mimik des Künstlers, Mimik.

Aber um ein solcher Künstler zu werden, der in der Lage ist, ein Gespräch in der Sprache des Tanzes und der Gebärdensprache zu führen, braucht man besondere natürliche Fähigkeiten, Talent und das Studium an einer Sonderschule.

Das Hauptfach in der Ballettschule ist Klassischer Tanz. Es gibt viele weitere Spezialdisziplinen: Musik, Schauspielkunst, Duetttanz, d.h. gemeinsamer Tanz, historischer und alltäglicher Tanz, Volksbühnentanz, Charaktertanz usw. Sie alle sind notwendig, damit ein Schüler Balletttänzer werden kann. Während seines Studiums wird der Körper eines Künstlers im Tanz flexibel und ausdrucksstark. Darüber hinaus werden hier alle Fächer nach dem regulären Lehrplan unterrichtet.

Eine Ballettaufführung besteht aus mehreren Komponenten: einer literarischen Grundlage (Libretto, Drehbuch), Musik und Choreografie, von der der Komponist (Autor der Musik) und der Choreograf (Choreograf), der die Tänze komponiert, ausgehen. Alle Tanzszenen müssen dem Inhalt des Librettos und der Stimmung der Musik entsprechen. Libretto, Musik und Choreografie bedürfen einer angemessenen Gestaltung. Der Künstler findet ihn.

Die Szenerie schafft nicht nur einen konkreten Handlungsschauplatz, sondern auch eine Atmosphäre, die dem Betrachter hilft, den Charakter der Charaktere und die Idee des Werkes zu verstehen. Kostüme spielen im Ballett eine besondere Rolle. Es sollte hell sein und seine Farbe und Form sollten der Persönlichkeit jedes Charakters entsprechen. Aber gleichzeitig nur ein Hinweis und eine sehr bedingte Annäherung an alltägliche oder historische Kostüme: Ein Balletttänzer auf der Bühne sollte so gekleidet sein, dass er die Bewegung nicht behindert, sondern unterstützt. Alle Autoren der Aufführung – Komponist, Choreograf und Künstler – schaffen ausgehend von den in literarischer Form präsentierten Inhalten sozusagen ein eigenständiges Werk ihrer Kunst – musikalisch, tänzerisch, visuell. Aber sie verschmelzen harmonisch miteinander, und dann entsteht im Beisein talentierter Interpreten ein Ganzes – Ballett, Ballettaufführung.

So beginnt die Entstehung eines Balletts, genau wie im Drama oder in der Oper, mit einem Theaterstück. Aber das Stück ist hier etwas Besonderes: Das Libretto (Drehbuch) schildert die Hauptereignisse relativ kurz. Das Libretto basiert meist auf einem Werk großer Literatur und verwendet dessen wichtigste dramatische „Meilensteine*“. Und der Choreograf komponiert, sich auf sie konzentrierend, Tänze, die die Essenz des literarischen Werkes offenbaren.

Wer von Ihnen erinnert sich nicht an die Märchen Ihrer jüngsten Kindheit – Perraults „Dornröschen“ oder Hoffmanns „Nussknacker“? Sie dienten als Grundlage für wunderbare Ballette zur Musik Tschaikowskys. Sie alle haben Puschkins Gedicht „Der Brunnen von Bachtschissarai“ und Shakespeares Tragödie „Romeo und Julia“ gelesen oder werden es bald lesen. Ich möchte Sie über die Existenz der Ballette „Der Bachtschissaray-Brunnen“ (Musik von B. Asafjew) und „Romeo und Julia“ (Musik von S. Prokofjew) informieren. Diese Ballette sind vom Genie der größten Dichter der Welt inspiriert – dem Engländer William Shakespeare und dem Russen Alexander Puschkin …

Es gibt aber auch Ballette, bei denen das Libretto nicht aus literarischen Quellen stammt, sondern eigens komponiert wurde. So der französische Dichter des 19. Jahrhunderts. T. Gautier schrieb das Libretto von „Giselle“ (Musik von A. Adam), das nur teilweise mit der von Heine erwähnten Legende der Jeeps zusammenhängt.

Und es gibt Ballette ohne jede literarische Grundlage. Ihre Grundlage ist nur die Musik, ihr Inhalt, ihr Gedanke. Der talentierte russische Choreograf Mikhail Fokin schuf das Werk und drückte sein Verständnis von Chopins Musik in den wunderbaren Tänzen des Balletts „Chopiniana“ aus.

Und nun versuchen wir am Beispiel des beliebtesten Balletts, das in fast allen Theatern der Welt aufgeführt wird, die Bestandteile einer Ballettaufführung zu analysieren.

Sie haben wahrscheinlich schon vermutet, dass wir über Tschaikowskys Schwanensee sprechen werden. Dieses erste Ballett schuf er 1876 nach einem Libretto von V. Begichev und V. Geltser.

Das Libretto ist fabelhaft: Der böse Zauberer verwandelte sich schöne Mädchen in Schwäne. Die Schwanenkönigin Odette erzählt dem verlorenen Prinzen Siegfried von der Trauer ihrer Freunde, von ihrem eigenen Unglück. Nur wahre Liebe kann es loswerden. Siegfried schwört, Odette und ihr trauriges Gefolge zu retten. Doch der böse Zauberer erscheint mit Odettes Doppelgängerin Odile auf dem Hofball. Der junge Mann glaubt, dass dies derjenige ist, den er auf dem verzauberten Schwanensee getroffen hat, und bricht, ohne es zu wissen, seinen Treueeid gegenüber Odette. Ihre Verzweiflung ist grenzenlos. Doch Siegfried erkennt seinen Fehler und eilt zum See. In einem schrecklichen Kampf besiegt er den Zauberer und büßt seine unfreiwillige Schuld vor ihrer schönen Königin, nachdem er die Schwäne von bösen Zaubersprüchen befreit hat.

Die Musik erwies sich als ebenso poetisch, erhaben und hell wie die Handlung. Sie verblüffte alle dadurch, dass sie bei der Offenlegung des märchenhaften Inhalts reale, menschliche Gefühle vermittelte, edel und komplex. Mitgefühl, Treue, Verwirrung der Seele, Reue, Mut, Trauer und Freude – alles offenbarte sich in diesen damals ungewöhnlichen Melodien... Zum ersten Mal in der Geschichte der Choreografie erhielt das Ballett symphonische Musik: Es war so tiefgründig wie eh und je, voller Gedanken und unterschiedlichster Stimmungen – von der schmerzlichen Traurigkeit und Lyrik im Königreich der Schwäne bis zur Freude und dem Triumph der heimtückischen Odile.

Die von den herausragenden Choreografen des St. Petersburger Theaters Marius Petipa und Lev Ivanov komponierten Tänze aus dem Jahr 1895 vermittelten die Essenz des Ereignisses und der Stimmung Figuren, so perfekt in der Musik verkörpert. In Schwanensee traten alle im klassischen Ballett akzeptierten Tänze auf: hier und reiner Klassiker Schwanenbilder und Charaktertanz(Neapolitanisch, Mazurka usw.) und grotesk(die Rolle des Narren) und historischer und alltäglicher Tanz(Polonaise usw.). Sie alle haben eine gemeinsame Basis: die russische Schule des klassischen Balletts.

Die Kulisse des Schwanensees sieht, wie auch bei anderen alten Produktionen, heute völlig anders aus als zur Geburtsstunde des Balletts. Verschiedene Künstler aus unterschiedlichen Epochen suchen immer nach einer eigenen visuellen Lösung für das Thema Ballett, die Idee der Musik.

Doch nicht nur die Kulissen und Kostüme verändern sich im Laufe der Zeit. Die Zeit prägt die gesamte Aufführung.

Ballett ist eine lebendige Kunst. Es entwickelt und verändert sich im Laufe des Lebens. Und das ist eines seiner attraktivsten Merkmale.