Φυσικά, η ιστορία της απεικόνισης του χορού στις εικαστικές τέχνες θα πρέπει να ξεκινά με επιγραφές σε βράχους, αρχαίες σπηλαιογραφίες κ.λπ., αλλά προτείνω να μην σταθώ σε αυτές. Στην αρχαιότητα, ένα άτομο ζωγράφιζε έναν χορό: γεμάτο μυστικιστικό τελετουργικό νόημα ή κάτι άλλο. Όντας, ας πούμε, δυτικοί άνθρωποι, ας στρέψουμε το ενδιαφέρον μας στην άποψη του δυτικού μας πολιτισμού για τον χορό και τις αλλαγές του ανάλογα με την εποχή και τις πολιτισμικές τάσεις.
Από τα σημαντικότερα έργα του που αφορούν τον κόσμο του μπαλέτου. Ένα από τα πρώτα έργα του καλλιτέχνη για την εξερεύνηση του θέματος των χορευτών, ο πίνακας απεικονίζει μια ομάδα που παρακολουθεί ένα μάθημα χορού που δόθηκε από έναν παλιό δάσκαλο, ο οποίος εμφανίζεται ως σημείο φυγής, που τονίζεται από γραμμές δαπέδου και αρχιτεκτονικά καλούπια.
Σε αυτήν την εικόνα, ο Ντεγκά αντιπροσωπεύει μια τυχαία στιγμή από χίλια πιθανά μαθήματα, ώστε να μπορείτε να βρείτε φυσικές και αυθόρμητες εκφράσεις, όπως τα κορίτσια που μιλούν στο βάθος ή, επιπλέον, ο ενοχλημένος μορφασμός του κοριτσιού που κάθεται στο πιάνο στα αριστερά που ξύνει την πλάτη της.
Οι περισσότερες από τις εικόνες είναι διαθέσιμες σε μεγέθυνση - κάντε κλικ στην εικόνα για να ανοίξετε τη μεγεθυμένη έκδοση σε νέο παράθυρο.
Πρώιμα παραδείγματα
Οι αρχαίοι αμφορείς περιέχουν συχνά εικόνες χορευτών. Οι κινήσεις τους δεν είναι περιορισμένες, μεγαλειώδεις, δυνατές, με αυτοπεποίθηση. Ο χορός είναι η ενσάρκωση της ελευθερίας του πνεύματος, της κίνησης της ψυχής. Εδώ είναι θραύσμα τοιχογραφίας από τη Βίλα των Μυστηρίων στην Πομπηία(στα δεξιά).
Η εσωτερική σκηνή γίνεται ευρύχωρη από μια επιταχυνόμενη προοπτική θέα που σπάει προς τα δεξιά, τονίζεται από τις γραμμές παρκέ. Τα χρώματα, διακριτικά, είναι δίκαια με τα υλικά: ο σεβασμός του τούλι και η αδυναμία του σατέν είναι σεβαστός. Κατά τη διάρκεια του μαθήματος, αγνοώντας τον Ντεγκά, μερικοί από τους χορευτές κάνουν ένα διάλειμμα: ένας στο πρώτο πλάνο ελέγχει κάποιες κινήσεις ενώ πίσω της ένας άλλος προσαρμόζει τις κάλτσες του. είναι γυναίκα, σκυμμένη και στην πάνω δεξιά γωνία μόλις και μετά βίας βλέπει το αστείο προφίλ μιας άλλης κυρίας με σγουρό κόκκινο φτερό που ζωντανεύει όλη τη σκηνή.
Ο θρησκευτικός Μεσαίωνας θεωρούσε τον χορό ως επιβλαβή και διαβολικό χορό του σώματος, γι' αυτό και είναι τόσο δύσκολο να βρεις παλιούς πίνακες με θέμα τον χορό. Η εποχή της Αναγέννησης αποκατέστησε πολλά πράγματα, αν και ακόμα σπάνια βλέπεις χορό σε πίνακες ζωγραφικής. Με κάποιο τέντωμα, οι "πίνακες χορού" μπορούν να ταξινομηθούν ως " Τρεις Χάριτες του Σάντρο Μποτιτσέλι(αριστερά).
Όλη η φρεσκάδα του έργου προέρχεται από προφανή αυτοσχεδιασμό. Η ιδιαιτερότητα του πίνακα έγκειται στην αρχική επιλογή του σημείου παρατήρησης, ψηλού και διαγώνιου για τα θέματα, καθώς και στο καδράρισμα, που δεν προσποιείται ότι αγκαλιάζει τα σώματα των χαρακτήρων, αλλά, όπως σε μια στιγμιαία φωτογραφία, «κόβεται ”, σαν τυχαία, μέρος της φιγούρας του θέματος στο πρώτο πλάνο. Αυτό το κόλπο, μαζί με την παρακολούθηση των γραναζιών παρκέ, βοηθά στη δημιουργία της ψευδαίσθησης ενός πολύ πλατύ και βαθύ χώρου σε σχέση με τη συνέχεια με τον πραγματικό χώρο.
Ζεστούς τόνους και λίγο μονότονους ξυπνούν το ζωηρό τιρκουάζ του φιόγκου της δεύτερης μπαλαρίνας και ο κόκκινος αστακός που τονίζει το φόρεμα. ΗΛΙΚΙΩΜΕΝΗ, και μετά επιστρέφει στο καπέλο της άλλης γυναίκας. Και μερικοί πίνακες χορευτών που χορεύουν στη σκηνή, στους οποίους φροντίζει προσεκτικά τα εφέ του φωτός, είναι μεταξύ αυτών.
Αν αναλογιστούμε την περίοδο από τον 15ο αιώνα έως τα τέλη του 19ου, τότε θα βρούμε ελάχιστα έργα. Οι χορευτές και οι χορογράφοι ήταν εξαιρετικά σπάνια οι άνθρωποι που ένας καλλιτέχνης θα ήθελε να απαθανατίσει ή για το πορτρέτο των οποίων μπορούσε να λάβει μια παραγγελία.
Εδώ υπάρχουν σπάνιες εξαιρέσεις - άνθρωποι που επηρέασαν την ανάπτυξη της δυτικής χορογραφίας.
Louis 14th, αποκαλούμενος και «Βασιλιάς του Ήλιου»- χόρεψε ο ίδιος σε παραστάσεις μπαλέτου του δικαστηρίου, προσέλκυσε αυλικούς σε αυτή την επιχείρηση, ίδρυσε την πρώτη Ακαδημία Χορού, όπου έλαβε χώρα επαγγελματική εκπαίδευση χορευτών. Ιδρύθηκε στο Παρίσι. Ο «Βασιλιάς Ήλιος» εμφανίζεται μπροστά μας σε μια σειρά από χαρακτικά.
«Απόδειξη μπαλέτου στη σκηνή». «Δύο χορευτές στη σκηνή». Στη δεκαετία του '50, 800 χρόνια στην Ιταλία, ένας καλεσμένος του θείου του: ο βαρόνος Μπαλέλι. Στη συνέχεια, επισκεφθείτε τη Ρώμη, το Βιτέρμπο, το Ορβιέτο, την Περούτζια, την Ασίζη και τη Φλωρεντία, όπου είναι πάντα με τον θείο του. Η οικογένεια Bellelli ξεκινά την εικόνα. Από το «60 έως το» 65, υπό την επίδραση Ιταλών δασκάλων, αφοσιώθηκε στην ιστορική και μυθολογική ζωγραφική. Μετά από ένα ταξίδι στην Αμερική, στη Νέα Ορλεάνη, πήρε μέρος στην πρώτη έκθεση των Ιμπρεσιονιστών με δέκα έργα και πέθανε στο Παρίσι στις 27 Σεπτεμβρίου.
Ανακαλύπτουμε ότι ένας από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες όλων των εποχών είναι σίγουρα μια ενδιαφέρουσα στιγμή για ανάλυση στην ιστορία της τέχνης, χάρη στην παγκόσμια φήμη και το μοναδικό του στυλ. Ο εν λόγω καλλιτέχνης είναι ο Edgar Degas, ένας σπουδαίος καλλιτέχνης που έζησε τον δέκατο ένατο αιώνα, συνδέθηκε με τη σχολή του ιμπρεσιονισμού μαζί με άλλους πολύ σημαντικούς καλλιτέχνες που έγραψαν ιστορία, όπως ο Claude Monet, ο Paul Cezanne ή ο Camille Pissarro, που μπήκαν στην ιστορία. , εξάλλου, χάρη στους πίνακές τους, πολύ κοντά στην ιμπρεσιονιστική σχολή.
Η ερμηνεία του αποκαλύπτει την ελαφρότητα, την ευκολία και την εκλέπτυνση που δανείστηκε το μπαλέτο από τη γαλλική αυλή με επικεφαλής τον Λουδοβίκο τον 14ο, σε αντίθεση με τη σκληρή και ακόμη και αγενή ιταλική σχολή. Όλα αυτά τα χαρακτηριστικά εκδηλώνονται τόσο στην εμφάνιση του Louis όσο και στις χορευτικές του στάσεις. Ακόμα και με στολή πολεμιστή, μοιάζει περισσότερο με νεράιδα από κάποιο καλό παραμύθι.
Εδώ μπορείτε να διαβάσετε την ιστορία της ζωής του Edgar Degas, αλλά και πολλές άλλες πληροφορίες που σχετίζονται με τους χορευτές του Degas, τον ιμπρεσιονιστή Edgar και να βρείτε πολλά σημαντικές πληροφορίες, που εκτός από το ότι μας πληροφορεί για τη συνάφεια του ονόματος του Ντεγκά στον κόσμο της σύγχρονης τέχνης, χωρίς να παραμελεί τα έργα των χορευτών και τα έργα του Ντεγκά.
Edgar Degas - Αυτοπροσωπογραφία. Τι είναι όμως ο ιμπρεσιονισμός; Είναι απλώς ένα «ζωγραφικό κίνημα» που γεννήθηκε τον δέκατο ένατο αιώνα ως απάντηση στο ύφος των έργων που εκτέθηκαν σε μια επίσημη έκθεση. Τα κύρια χαρακτηριστικά αυτής της κίνησης είναι η εξωτερική ζωγραφική και η νέα χρήση του φωτός.
Νικολά Λανκρέτμας απεικόνισε τη χορεύτρια Camargo στον ομώνυμο πίνακα. Αυτή η κυρία έφερε επανάσταση στην τέχνη του χορού του 17ου αιώνα κοντύνοντας λίγο το φόρεμά της, εκθέτοντας τους αστραγάλους της και λίγο τις γάμπες της. Το πιο κοντό φόρεμα την επέτρεπε και μάλιστα την ανάγκασε να κάνει πιο δύσκολες και ενδιαφέρουσες κινήσεις των ποδιών. Πριν από αυτήν, τα μόνα ορατά θραύσματα των ποδιών ήταν τα πόδια σε παπούτσια και στο άκρο - οι αστραγάλοι. Στην εικόνα βλέπουμε τη χορεύτρια σε «ιπτάμενη» πόζα που απαιτεί ισορροπία, τα πόδια της είναι γυρισμένα. Επίσης στο Lancret βρίσκουμε τον χορό από κοινωνική άποψη: οι αυλικοί χορεύουν σε ένα πικνίκ, διασκεδάζοντας (ο πίνακας «Χορός»).
Η βάση αυτής της διαδικασίας ήταν η ζωγραφική "σε αιχμαλωσία", δηλαδή στο δρόμο, ένα μέρος όπου ο καλλιτέχνης συνειδητοποίησε το όραμά του και επέστρεψε αυτό που είδε στον καμβά και στη συνέχεια, στο στούντιό του, το άλλαξε ξανά, αν χρειαζόταν. Όλα βασίζονται, στη σύνθεση, στην αντίληψη, χωρίς υπερβολική προσοχή στη λεπτομέρεια, αλλά στη στιγμή.
Ο ιμπρεσιονιστής Έντγκαρ, σε αντίθεση με τους «συναδέλφους» του, δεν θα ήταν «εντελώς» δεμένος με αυτό το στυλ ζωγραφικής, αλλά θα ανέπτυξε ένα δικό του, στα πεδία του ιμπρεσιονισμού, τόσο για θέματα όσο και για το στυλ. Ο Αναστάς Κονσταντίνοφ πέθανε νωρίς το πρωί, 2 Ιουνίου, μόλις σε ηλικία 61 ετών από εγκεφαλικό, προπονούσε το site. Τα έργα του είναι γνωστά από τη Γερμανία, την Ιαπωνία και τις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου ο καλλιτέχνης ζει και εργάζεται για αρκετό καιρό.
Ένας άλλος διάσημος Γάλλος ζωγράφος της ίδιας εποχής Ο Nicolas Poussin στη δεκαετία του 1630 ζωγραφίζει το "Dance to the Music of Time"- μια πολύ ενδιαφέρουσα εικόνα. Είναι ένα είδος έφεσης στην αρχαιότητα, οπότε είναι φυσικό ο χορός να αποκτά ξανά ελευθερία και συναισθηματικότητα.
Η 40χρονη δημιουργική του καριέρα περιλαμβάνει περισσότερες από 40 ατομικές και 120 ομαδικές εκθέσεις. Ο καλλιτέχνης από τη Φιλιππούπολη έλαβε υπόκλιση για τη δουλειά του στην Αμερική. Ο Anastas Konstantinov, γνωστός στους Βούλγαρους ως το «Βουλγαρικό Ουράνιο Τόξο», μπόρεσε να δει πώς οι γνώστες του ωκεανού αγόραζαν τους πίνακές του στο Πίτσμπουργκ και τους φίλησαν ως εικόνες. Βλέπετε, αυτά είναι νέα αμερικανικά εικονίδια που ακούγονται από έναν Βρετανό μαέστρο στις Ηνωμένες Πολιτείες. Και απλώς επανέλαβε την απάντηση του μάνατζερ του κ. Τσέλι.
Ο ίδιος ο κ. Chelic δεν είναι τυχαίο άτομο στην Αμερική. Και με έναν ξεκάθαρο στόχο - να βάλει την τέχνη της Αναστασίας στην αμερικανική αγορά τέχνης. Αυτό το πρόγραμμα δημιουργήθηκε με τη βοήθεια του κ. Monty Crivella, ο οποίος είναι σύμβουλος στο ίδιο έργο. Ξεκίνησε όταν συμβουλεύτηκαν Αμερικανούς ειδικούς για την τέχνη ενός από τους Βούλγαρους καλλιτέχνες με τις μεγαλύτερες πωλήσεις στην Ευρώπη. Η εκτίμησή τους ήταν ότι με την καλή διαχείριση της τέχνης και την ποιότητα της ζωγραφικής που δημιούργησε η Αναστάσα, μπορούσαν να πάρουν την τέχνη τους από το κορυφαίο 5% για την Αμερική.
Μια ενδιαφέρουσα ανώνυμη ναπολιτάνικη γκραβούρα από τα τέλη του 17ου αιώνα βασίζεται σε μια σειρά από χαρακτικά του Jacques Calot αφιερωμένα στην ιταλική Commedia Dell'Arte. Οι χαρακτήρες της εικόνας αποτυπώνονται σε εκφραστικές, ακόμη και αναρμονικές πόζες.
Ιμπρεσιονιστές
Έμειναν έκπληκτοι που ένας τέτοιος καλλιτέχνης παρέμεινε μπροστά στα μάτια τους τόσο καιρό. Η εξήγησή τους ήταν ότι συνέβη για πολιτικούς λόγους λόγω του Τείχους του Βερολίνου και του διχασμού του κόσμου. Το ίδιο το πρόγραμμα περιλαμβάνει συμμετοχή σε παγκόσμιες εκθέσεις τέχνης, ανεξάρτητες εκθέσεις σε γκαλερί υψηλό επίπεδο, συναντήσεις με κριτικούς, συνεντεύξεις στον αμερικανικό Τύπο και άλλα.
Στην Αμερική ο Αναστάς συγκέντρωσε περίπου 26 πίνακες για τη διαμονή του εκεί. Και η έκθεση που ανακαλύπτει είναι κάτι παραπάνω από προγραμματισμένη, γιατί υπήρχαν ήδη πίνακές του. Εκεί, καπνίστε, δοκιμάστε και αγοράστε. Μιλήσαμε με τον ιδιοκτήτη και μας έδωσε ένα malt ουίσκι. Ήταν μια υπέροχη συνάντηση με συζητήσεις για την τέχνη και άλλα θέματα. Λίγο πριν φύγουμε, ο ιδιοκτήτης κάλεσε μερικά παιδιά που ξέραμε ότι ήταν δικά του. Τουλάχιστον ήταν ένα κορίτσι περίπου πέντε ετών που εμφανίστηκε με ένα απίστευτο χαμόγελο και λάμψη.
Η εικόνα του χορού άλλαξε ριζικά χάρη στους ιμπρεσιονιστές. Αυτοί οι καλλιτέχνες έψαχναν για νέες μορφές προβολής του κόσμου όπου θα μπορούσε κανείς να αισθανθεί φως, ζέστη ή κρύο, άνεμο, ακόμη και μυρωδιά και να μεταδώσει λεπτές αισθήσεις που δεν μπορούσαν να αντικατοπτριστούν σε ένα απόλυτα ακριβές σχέδιο αντικειμένων. Και φυσικά θα μιλήσουμε για τον Ντεγκά. Πριν όμως σταθούμε σε αυτό, ας αναφέρουμε πίνακες με θέμα το χορό μας, γραμμένοι την ίδια περίοδο με τον κύκλο του μπαλέτου του Ντεγκά.
Κάποια στιγμή, αν κοιτάξετε τα μάτια της χωρίς να δείτε τα χείλη της, θα παρατηρήσετε ότι τα μάτια στην πραγματικότητα γελούν. Ο πίνακας ονομάζεται «Το φιλί του Μακένζι». Ήταν επιλογή του δημοσιογράφου. Έχω ζωγραφίσει σε πολλά μέρη σε όλο τον κόσμο που με επηρεάζουν με διαφορετικούς τρόπους. Γι' αυτό οι πίνακές μου είναι διαφορετικές. Για παράδειγμα, στην Ελλάδα, για πρώτη φορά στους πίνακές μου, Μπλε χρώμα, που αργότερα ονομάστηκε «Byzantine blue» από την καθηγήτρια Aikia Jurova. Το πανό τους είναι λευκό και κόκκινο και οι φωτογραφίες μου ήταν κόκκινες σταγόνες αίματος. Ό,τι βάφεται εκεί είναι κίτρινο, πορτοκαλί και κόκκινο, και η ζέστη δημιουργεί μια ζεστασιά που επηρέασε επίσης τη μεταγενέστερη δουλειά μου.
Ρενουάρ και χορός
Οι πίνακες του Ρενουάρ λάμπουν από αγάπη για τη ζωή και τον κόσμο γύρω τους, κουβαλούν ζεστά συναισθήματα, εμποτισμένο με τη χαρά της ύπαρξης. Μια σειρά από πίνακες με θέμα χορού: «Χορεύοντας στο Moulin de la Galette» 1876, «Dance at Bougeval» 1883, «Dance in the City» και «Dance in the Country». Απεικονίζονται χοροί ζευγαριών στους οποίους οι άνθρωποι επιδίδονται, δίνοντας τον ελεύθερο χρόνο τους σε μια πολιτιστική μορφή. Βλέπουμε την επικοινωνία μεταξύ ενός άνδρα και μιας γυναίκας - διαφορετική ανάλογα με την κοινωνική τους τοποθέτηση. Οι τρόποι στο χωριό, φυσικά, είναι διαφορετικοί από ό,τι στην πόλη, κάτι που είναι περιέργως εμφανές στις πόζες και τις εκφράσεις των προσώπων. Αλλά όσον αφορά τον χορό ως τέχνη, αυτοί οι πίνακες δεν μας δίνουν τίποτα.
Η Ιταλία είχε κλασικά στοιχεία που δεν είναι κοινά σε όλες τις δουλειές μου. Ο Πικάσο ήταν το πρώτο παιδί του José Ruiz Blasco και της Maria Picasso López. Ο πατέρας του Πικάσο, José Ruiz, ήταν ένας καλλιτέχνης του οποίου η ιδιοκτησία ήταν μια ρεαλιστική άποψη για τα πουλιά. Ήταν καθηγητής τέχνης σε εμπορική σχολή και επιμελητής μουσείου για το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του. Ο Πικάσο, ως αγόρι, έδειξε πάθος και συναίσθημα για το σχέδιο. Ο πατέρας δίδαξε τον Πικάσε διάφορες τεχνικές, όπως σχέδιο και ελαιογραφία. Ο Πικάσο σπούδασε επίσης στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Μαδρίτης, αλλά δεν ολοκλήρωσε τις σπουδές του και έφυγε μετά από ένα χρόνο.
Henri Matisse - μόνο ένας πίνακας, αλλά τι πίνακας!
Ο διάσημος πίνακας του Ματίς «Χορός» έχει από καιρό ενθουσιάσει τα μυαλά του κόσμου! Η ζωγραφική του δεν είναι εύκολη για πολλούς να αποδεχτούν - γι' αυτό αξίζει να δείτε πολλά από τα έργα του ταυτόχρονα σε ένα μέρος τη φορά για να εκτιμήσετε το κέφι του στυλ του. Δεν γνωρίζουν όλοι ότι υπάρχει ένας δεύτερος «χορός» ζωγραφικής από τον ίδιο καλλιτέχνη. Εδώ είναι και οι δύο.
Μετά τις σπουδές του στη Μαδρίτη, μετακόμισε στο Παρίσι, το κέντρο τέχνης της Ευρώπης. Η πρώτη εικόνα εικονογραφήθηκε από τον ίδιο. Ο Πικάσο υπέγραψε από τότε τον Πικάσο. Τα πρώτα χρόνια του εικοστού αιώνα πέρασαν από τον Πικάσο μεταξύ Βαρκελώνης και Παρισιού. Είναι αυτή που εμφανίζεται σε πολλούς πίνακες της εποχής εκείνης. Έχοντας αποκτήσει φήμη και κάποια πράγματα, ο Πικάσο άφησε τον Olivier Marcello Humbert. Ο Πικάσο εξέφρασε την αγάπη του γι' αυτήν σε πολλούς κουβανικούς πίνακες. Μαζί είχαν τον γιο τους Παύλο, ο οποίος αργότερα έγινε μοτοσικλετιστής και οδηγός για τον πατέρα του.
Ο γάμος του με τον Τσολκ σύντομα τελείωσε με έναν αποχαιρετισμό. Δεν ήθελε να χωρίσει από τον Πικάσο, γιατί σύμφωνα με τη γαλλική νομοθεσία, ο Τσόχλοφ θα είχε χάσει τη μισή περιουσία του. Ο Πικάσο είχε επαφή με τον Γουόλτερ για μεγάλο χρονικό διάστημα και είχε μαζί της μια κόρη, την οποία ονόμασε Μάγια. Η Μαρί-Τερέζ έζησε το υπόλοιπο της ζωής της με την ελπίδα ότι ο Πικάσο θα την έπαιρνε μια μέρα, κρεμασμένη τέσσερα χρόνια μετά τον θάνατό του. Μια άλλη αγάπη του Πικάσο ήταν η Ζακλίν Ροκ, η οποία εργαζόταν σε ένα εργαστήριο κεραμικής στη Μαδούρα όπου ο Πικάσο δημιουργούσε και ζωγράφιζε κεραμικά. Εκτός από τη γυναίκα του, είχε πολλές ερωμένες.
Ο Έντγκαρ Ντεγκά και οι μπαλαρίνες του
Τώρα μπορούμε να σταθούμε αναλυτικά στον Edgar Degas. Επιπλέον, θα δούμε τώρα πόσο διαφορετική ήταν η στάση και η προσοχή του στον χορό από τους συμπατριώτες και τους συγχρόνους του. Αν και μερικές φορές τους αρέσει να γράφουν γι 'αυτόν ότι, λένε, απλώς του άρεσαν οι ημίγυμνες κυρίες, ειδικά επειδή δημοσιεύουν πιο συχνά φωτογραφίες μπαλαρινών που αλλάζουν ρούχα ή ζεσταίνονται. Αλλά αν κοιτάξετε προσεκτικά ένας μεγάλος αριθμόςτους πίνακές του, τότε δεν θα αντιληφθείτε μια τόσο μονόπλευρη προσέγγιση στο έργο του. Οι εικόνες θα μιλήσουν από μόνες τους (διαβάστε τη συνέχεια παρακάτω - μετά τις εικόνες).
Ήταν παντρεμένος δύο φορές και είχε τέσσερα παιδιά με τρεις γυναίκες. Ο Πικάσο ήταν ένα διάσημο πρόσωπο και ο κόσμος ενδιαφέρθηκε τόσο για τη δουλειά του όσο και για την προσωπική του ζωή. Κάθε φορά που ο Πικάσο εμφανιζόταν σε μια ταινία, έπαιζε τον εαυτό του. Τα όψιμα έργα του Πικάσο ήταν ένα μείγμα στυλ, τα εκφραστικά του μέσα άλλαζαν συνεχώς μέχρι το τέλος της ζωής του. Ο Πικάσο αφοσιώθηκε στη δουλειά του, ήταν πιο τολμηρός, το έργο του ήταν πιο ζωντανό και εκφραστικό. Οι πίνακές του δεν έτυχαν καλής υποδοχής εκείνη την εποχή, αλλά ο Πικάσο αναγνωρίστηκε στη συνέχεια ως καλλιτέχνης που συχνά ήταν πολύ μπροστά από την εποχή του.
Ο Edgar Degas άρχισε να ενδιαφέρεται για τα μπαλέτα στη δεκαετία του '70 και παρέμεινε λάτρης αυτής της τέχνης μέχρι το τέλος των ημερών του. Στους πρώιμους πίνακές του, ο χορός εμφανίζεται μπροστά μας ως ένας μαγικός παραμυθένιος κόσμος με ασυνήθιστα αρμονικά σχήματα και χρώματα. Όλα οδηγούσαν στο να γίνει ο Έντγκαρ Ντεγκά ακαδημαϊκός καλλιτέχνης: ήταν από πλούσια οικογένεια και μελετούσε παραδείγματα κλασικής ιταλικής τέχνης στην Ιταλία. Αλλά επρόκειτο να γίνει ένας από τους ανακαλυπτές μιας νέας τέχνης - του ιμπρεσιονισμού.
"Χορευτικό φουαγιέ της Όπερας στη Rue Le Peletier"(δεξιά) 1872 Είναι ασυνήθιστο ότι το κέντρο της εικόνας είναι στην πραγματικότητα ένας κενός χώρος, μέσα σε αυτό κατευθύνεται η σολίστ, νευρική για να δείξει την ερμηνεία της μπροστά στον χορογράφο. Και αυτός ο κενός χώρος στο κέντρο αυξάνει την ένταση που πηγάζει από τη φιγούρα του χορευτή.
"Μάθημα χορού", 1874. Μαζί με τους χορευτές εικονίζεται ο Ζυλ Περό, δεξιοτέχνης του ρομαντικού μπαλέτου. Κάθε χορεύτρια είναι απασχολημένη με τις δικές της δουλειές. Αυτοί οι χορευτές εξακολουθούν να έχουν ευθραυστότητα, πνευματικότητα, χάρη, που συχνά δίνουν τη θέση τους στην κούραση και την εξάντληση, τη γωνιότητα και την αδεξιότητα, την καταστροφή. Ίσως η γνώση που αποκτήθηκε σχετικά με τη σκληρή δουλειά στο μηχάνημα είχε αποτέλεσμα. (Όσοι ασχολούνται με τον κλασικό χορό στο Divadance μάλλον θα το καταλάβουν πολύ καλά). Ίσως οι πίνακες να επηρεάστηκαν από προσωπικά γεγονότα στη ζωή του καλλιτέχνη.
Ιδιαίτερα ενδιαφέροντα εμφανίζονται μπροστά μας σκηνικές πρόβες μέσα από τα μάτια ενός καλλιτέχνη. Η εξαντλητική νευρικότητα αυτής της διαδικασίας αντανακλάται σε μια ειδική παλέτα, που θυμίζει μια ελαφρώς έγχρωμη ασπρόμαυρη φωτογραφία. Καθώς και η γωνιότητα των γραμμών, η ένταση ή η κούραση στα πρόσωπα των συμμετεχόντων στη διαδικασία.
Ζωγραφική "Μπλε Χορευτές"(αριστερά) μαγνητίζει τα βλέμματα με καταπληκτική ποίηση χρώματος και γραμμής. Η κίνηση φαίνεται σχεδόν, αν και η ζωγραφική είναι εξ ορισμού στατική.
Οι πίνακες που απεικονίζουν χορευτές στη σκηνή μας δείχνουν πολλά ένας άλλος κόσμος - διαφορετικά χρώματα, η μαγική ψευδαίσθηση των παραμυθιών και των μεταμορφώσεων. Αυτά είναι: «Παράσταση μπαλέτου, άποψη της σκηνής από το κουτί», «Μπαλέτο», «Τελικός αραμπέσκος». Στα δύο πρώτα, όχι μόνο η σκηνή, αλλά και ένα «κομμάτι» της αίθουσας με το κοινό «μπαίνει στο κάδρο». Ο Ντεγκά, σαν αντίθεση, τα βάζει δίπλα-δίπλα για να τονίσει τη μαγεία κόσμος μπαλέτου. Στον τελευταίο από αυτούς τους τρεις πίνακες δεν υπάρχει κοινό, η χορεύτρια κρατά μια ανθοδέσμη στο χέρι της. Ο συνδυασμός των χρωμάτων δημιουργεί μια δραματική ατμόσφαιρα - μια αντίθεση μεταξύ της κούρασης της μπαλαρίνας και του θριάμβου της επιτυχίας της.
Ο Edgar Degas φαινόταν να δείχνει ένα μαγικό παράθυρο σε μια άλλη πραγματικότητα, στην οποία μπορείς να νιώσεις κάτι απρόσιτο συνηθισμένη ζωή, αλλά ταυτόχρονα δημιουργημένος από ανθρώπους από σάρκα και οστά, εξαντλημένους από τη μόχθο και την κούραση. Και τον ευχαριστώ πολύ για αυτό!
Φυσικά, η ιστορία της απεικόνισης του χορού στις εικαστικές τέχνες θα πρέπει να ξεκινά με επιγραφές σε βράχο, αρχαίες σπηλαιογραφίες κ.λπ., αλλά προτείνω να μην σταθώ σε αυτές. Στην αρχαιότητα, ένα άτομο ζωγράφιζε έναν χορό: γεμάτο μυστικιστικό τελετουργικό νόημα ή κάτι άλλο. Όντας, ας πούμε, δυτικοί άνθρωποι, ας στρέψουμε το ενδιαφέρον μας στην άποψη του δυτικού μας πολιτισμού για τον χορό και τις αλλαγές του ανάλογα με την εποχή και τις πολιτιστικές τάσεις.
Οι περισσότερες από τις εικόνες είναι διαθέσιμες σε μεγέθυνση - κάντε κλικ στην εικόνα για να ανοίξετε τη μεγεθυσμένη έκδοση σε νέο παράθυρο.
Πρώιμα παραδείγματα
Οι αρχαίοι αμφορείς περιέχουν συχνά εικόνες χορευτών. Οι κινήσεις τους δεν είναι περιορισμένες, μεγαλειώδεις, δυνατές, με αυτοπεποίθηση. Ο χορός είναι η ενσάρκωση της ελευθερίας του πνεύματος, της κίνησης της ψυχής. Εδώ είναι θραύσμα τοιχογραφίας από τη Βίλα των Μυστηρίων στην Πομπηία(στα δεξιά).
Ο θρησκευτικός Μεσαίωνας θεωρούσε τον χορό ως επιβλαβή και διαβολικό χορό του σώματος, γι' αυτό και είναι τόσο δύσκολο να βρεις παλιούς πίνακες με θέμα τον χορό. Η εποχή της Αναγέννησης αποκατέστησε πολλά πράγματα, αν και ακόμα σπάνια βλέπεις χορό σε πίνακες ζωγραφικής. Με κάποια έκταση, οι "πίνακες χορού" μπορούν να ταξινομηθούν ως " Τρεις Χάριτες του Σάντρο Μποτιτσέλι(αριστερά).
Αν αναλογιστούμε την περίοδο από τον 15ο αιώνα έως τα τέλη του 19ου, τότε θα βρούμε ελάχιστα έργα. Οι χορευτές και οι χορογράφοι ήταν εξαιρετικά σπάνια οι άνθρωποι που ένας καλλιτέχνης θα ήθελε να απαθανατίσει ή για το πορτρέτο των οποίων μπορούσε να λάβει μια παραγγελία.
Εδώ υπάρχουν σπάνιες εξαιρέσεις - άνθρωποι που επηρέασαν την ανάπτυξη της δυτικής χορογραφίας.
Louis 14th, αποκαλούμενος και «Βασιλιάς του Ήλιου»- χόρεψε ο ίδιος σε παραστάσεις μπαλέτου του δικαστηρίου, προσέλκυσε αυλικούς σε αυτή την επιχείρηση, ίδρυσε την πρώτη Ακαδημία Χορού, όπου έλαβε χώρα επαγγελματική εκπαίδευση χορευτών. Ιδρύθηκε στο Παρίσι. Ο «Βασιλιάς Ήλιος» εμφανίζεται μπροστά μας σε μια σειρά από χαρακτικά.
Η ερμηνεία του αποκαλύπτει την ελαφρότητα, την ευκολία και την εκλέπτυνση που δανείστηκε το μπαλέτο από τη γαλλική αυλή με επικεφαλής τον Λουδοβίκο τον 14ο, σε αντίθεση με τη σκληρή και ακόμη και αγενή ιταλική σχολή. Όλα αυτά τα χαρακτηριστικά εκδηλώνονται τόσο στην εμφάνιση του Louis όσο και στις χορευτικές του στάσεις. Ακόμα και με στολή πολεμιστή, μοιάζει περισσότερο με νεράιδα από κάποιο καλό παραμύθι.
Νικολά Λανκρέτμας απεικόνισε τη χορεύτρια Camargo στον ομώνυμο πίνακα. Αυτή η κυρία έφερε επανάσταση στην τέχνη του χορού του 17ου αιώνα κοντύνοντας λίγο το φόρεμά της, εκθέτοντας τους αστραγάλους της και λίγο τις γάμπες της. Το πιο κοντό φόρεμα την επέτρεπε και μάλιστα την ανάγκασε να κάνει πιο δύσκολες και ενδιαφέρουσες κινήσεις των ποδιών. Πριν από αυτήν, τα μόνα ορατά θραύσματα των ποδιών ήταν τα πόδια σε παπούτσια και στο άκρο - οι αστραγάλοι. Στην εικόνα βλέπουμε τη χορεύτρια σε «ιπτάμενη» πόζα που απαιτεί ισορροπία, τα πόδια της είναι γυρισμένα. Επίσης στο Lancret βρίσκουμε τον χορό από κοινωνική άποψη: οι αυλικοί χορεύουν σε ένα πικνίκ, διασκεδάζοντας (ο πίνακας «Χορός»).
Ένας άλλος διάσημος Γάλλος ζωγράφος της ίδιας εποχής Ο Nicolas Poussin στη δεκαετία του 1630 ζωγραφίζει το "Dance to the Music of Time"- μια πολύ ενδιαφέρουσα εικόνα. Είναι ένα είδος έφεσης στην αρχαιότητα, οπότε είναι φυσικό ο χορός να αποκτά ξανά ελευθερία και συναισθηματικότητα.
Μια ενδιαφέρουσα ανώνυμη ναπολιτάνικη γκραβούρα από τα τέλη του 17ου αιώνα βασίζεται σε μια σειρά από χαρακτικά του Jacques Calot αφιερωμένα στην ιταλική Commedia Dell'Arte. Οι χαρακτήρες της εικόνας αποτυπώνονται σε εκφραστικές, ακόμη και αναρμονικές πόζες.
Ιμπρεσιονιστές
Η εικόνα του χορού άλλαξε ριζικά χάρη στους ιμπρεσιονιστές. Αυτοί οι καλλιτέχνες έψαχναν για νέες μορφές προβολής του κόσμου όπου θα μπορούσε κανείς να αισθανθεί φως, ζέστη ή κρύο, άνεμο, ακόμη και μυρωδιά και να μεταδώσει λεπτές αισθήσεις που δεν μπορούσαν να αντικατοπτριστούν σε ένα απόλυτα ακριβές σχέδιο αντικειμένων. Και φυσικά θα μιλήσουμε για τον Ντεγκά. Πριν όμως σταθούμε σε αυτό, ας αναφέρουμε πίνακες με θέμα το χορό μας, γραμμένοι την ίδια περίοδο με τον κύκλο του μπαλέτου του Ντεγκά.
Ρενουάρ και χορόςΟι πίνακες του Ρενουάρ λάμπουν από αγάπη για τη ζωή και τον κόσμο γύρω τους, κουβαλούν ζεστά συναισθήματα και διαποτίζονται από τη χαρά της ύπαρξης. Μια σειρά από πίνακες με θέμα χορού: «Χορεύοντας στο Moulin de la Galette» 1876, «Dance at Bougeval» 1883, «Dance in the City» και «Dance in the Country». Απεικονίζονται χοροί ζευγαριών στους οποίους οι άνθρωποι επιδίδονται, δίνοντας τον ελεύθερο χρόνο τους σε μια πολιτιστική μορφή. Βλέπουμε την επικοινωνία μεταξύ ενός άνδρα και μιας γυναίκας - διαφορετική ανάλογα με την κοινωνική τους ιδιότητα. Οι τρόποι στο χωριό, φυσικά, είναι διαφορετικοί από ό,τι στην πόλη, κάτι που είναι περίεργα εμφανές στις πόζες και τις εκφράσεις των προσώπων. Αλλά όσον αφορά τον χορό ως τέχνη, αυτοί οι πίνακες δεν μας δίνουν τίποτα.
Henri Matisse - μόνο ένας πίνακας, αλλά τι πίνακας!
Ο διάσημος πίνακας του Ματίς «Χορός» έχει από καιρό ενθουσιάσει τα μυαλά του κόσμου! Η ζωγραφική του δεν είναι εύκολη για πολλούς να αποδεχτούν - γι' αυτό αξίζει να δείτε πολλά από τα έργα του ταυτόχρονα σε ένα μέρος τη φορά για να εκτιμήσετε το κέφι του στυλ του. Δεν γνωρίζουν όλοι ότι υπάρχει ένας δεύτερος «χορός» ζωγραφικής από τον ίδιο καλλιτέχνη. Εδώ είναι και οι δύο.
Ο Έντγκαρ Ντεγκά και οι μπαλαρίνες του
Τώρα μπορούμε να σταθούμε αναλυτικά στον Edgar Degas. Επιπλέον, θα δούμε τώρα πόσο διαφορετική ήταν η στάση και η προσοχή του στον χορό από τους συμπατριώτες και τους συγχρόνους του. Αν και μερικές φορές τους αρέσει να γράφουν γι 'αυτόν ότι, λένε, απλώς του άρεσαν οι ημίγυμνες κυρίες, ειδικά επειδή δημοσιεύουν πιο συχνά φωτογραφίες μπαλαρινών που αλλάζουν ρούχα ή ζεσταίνονται. Αλλά, αν ρίξετε μια πιο προσεκτική ματιά σε μεγάλο αριθμό έργων του, δεν θα αντιληφθείτε μια τόσο μονόπλευρη προσέγγιση στο έργο του. Οι εικόνες θα μιλήσουν από μόνες τους (διαβάστε τη συνέχεια παρακάτω - μετά τις εικόνες).
Ο Edgar Degas άρχισε να ενδιαφέρεται για τα μπαλέτα στη δεκαετία του '70 και παρέμεινε λάτρης αυτής της τέχνης μέχρι το τέλος των ημερών του. Στους πρώιμους πίνακές του, ο χορός εμφανίζεται μπροστά μας ως ένας μαγικός παραμυθένιος κόσμος με ασυνήθιστα αρμονικά σχήματα και χρώματα. Όλα οδηγούσαν στο να γίνει ο Έντγκαρ Ντεγκά ακαδημαϊκός καλλιτέχνης: ήταν από πλούσια οικογένεια και μελετούσε παραδείγματα κλασικής ιταλικής τέχνης στην Ιταλία. Αλλά επρόκειτο να γίνει ένας από τους ανακαλυπτές μιας νέας τέχνης - του ιμπρεσιονισμού.
"Χορευτικό φουαγιέ της Όπερας στη Rue Le Peletier"(δεξιά) 1872 Είναι ασυνήθιστο ότι το κέντρο της εικόνας είναι στην πραγματικότητα ένας κενός χώρος, μέσα σε αυτό κατευθύνεται η σολίστ, νευρική για να δείξει την ερμηνεία της μπροστά στον χορογράφο. Και αυτός ο κενός χώρος στο κέντρο αυξάνει την ένταση που πηγάζει από τη φιγούρα του χορευτή.
"Μάθημα χορού", 1874. Μαζί με τους χορευτές εικονίζεται ο Ζυλ Περό, δεξιοτέχνης του ρομαντικού μπαλέτου. Κάθε χορεύτρια είναι απασχολημένη με τις δικές της δουλειές. Αυτοί οι χορευτές εξακολουθούν να έχουν ευθραυστότητα, πνευματικότητα, χάρη, που συχνά δίνουν τη θέση τους στην κούραση και την εξάντληση, τη γωνιότητα και την αδεξιότητα, την καταστροφή. Ίσως η γνώση που αποκτήθηκε σχετικά με τη σκληρή δουλειά στο μηχάνημα είχε αποτέλεσμα. (Όσοι ασχολούνται με τον κλασικό χορό στο Divadance μάλλον θα το καταλάβουν πολύ καλά). Ίσως οι πίνακες να επηρεάστηκαν από προσωπικά γεγονότα στη ζωή του καλλιτέχνη.
Ιδιαίτερα ενδιαφέροντα εμφανίζονται μπροστά μας σκηνικές πρόβες μέσα από τα μάτια ενός καλλιτέχνη. Η εξαντλητική νευρικότητα αυτής της διαδικασίας αντανακλάται σε μια ειδική παλέτα, που θυμίζει μια ελαφρώς έγχρωμη ασπρόμαυρη φωτογραφία. Καθώς και η γωνιότητα των γραμμών, η ένταση ή η κούραση στα πρόσωπα των συμμετεχόντων στη διαδικασία.
Ζωγραφική "Μπλε Χορευτές"(αριστερά) μαγνητίζει τα βλέμματα με καταπληκτική ποίηση χρώματος και γραμμής. Η κίνηση φαίνεται σχεδόν, αν και η ζωγραφική είναι εξ ορισμού στατική.
Οι πίνακες που απεικονίζουν χορευτές στη σκηνή μας δείχνουν πολλά ένας άλλος κόσμος - διαφορετικά χρώματα, η μαγική ψευδαίσθηση των παραμυθιών και των μεταμορφώσεων. Αυτά είναι: «Παράσταση μπαλέτου, άποψη της σκηνής από το κουτί», «Μπαλέτο», «Τελικός αραμπέσκος». Στα δύο πρώτα, όχι μόνο η σκηνή, αλλά και ένα «κομμάτι» της αίθουσας με το κοινό «μπαίνει στο κάδρο». Ο Ντεγκά, σαν αντίθεση, τα βάζει δίπλα-δίπλα για να τονίσει τη μαγεία του κόσμου του μπαλέτου. Στον τελευταίο από αυτούς τους τρεις πίνακες δεν υπάρχει κοινό, η χορεύτρια κρατά μια ανθοδέσμη στο χέρι της. Ο συνδυασμός των χρωμάτων δημιουργεί μια δραματική ατμόσφαιρα - μια αντίθεση μεταξύ της κούρασης της μπαλαρίνας και του θριάμβου της επιτυχίας της.
Ο Edgar Degas φαινόταν να επισημαίνει ένα μαγικό παράθυρο σε μια άλλη πραγματικότητα, στην οποία μπορείς να νιώσεις κάτι απρόσιτο στη συνηθισμένη ζωή, αλλά ταυτόχρονα δημιουργημένο από ανθρώπους από σάρκα και οστά, εξαντλημένους από τη σκληρή δουλειά και την κούραση. Και τον ευχαριστώ πολύ για αυτό!
