Balet adalah seni puisi. Ia dicirikan oleh tema-tema yang luhur, heroik, dan liris. Sangat menyenangkan dunia yang indah gambaran tari sangat menggairahkan dan membangkitkan cita-cita luhur.
Pertunjukan balet menggabungkan alur cerita menarik yang diciptakan oleh seorang penulis, musik yang diciptakan oleh seorang komposer, tarian yang diciptakan oleh seorang koreografer dan dibawakan oleh seniman, pemandangan indah dan kostum yang dibuat sesuai dengan rencana seniman.
Ide kedua seniman tersebut didukung oleh kuartet eksistensial Vladimir Sommer. Dia bekerja di Teater Nasional di Brno dan menjadi solois di Teater Nasional di Praha. Dia memfokuskan proyeknya pada kolaborasi dengan seniman visual terkenal Ceko dan asing - pertunjukan, film, gerakan, atau kolaborasi teoretis. Selain Praha, karyanya disebutkan di seluruh Republik Ceko, serta di luar negeri. Karya interpretatif dan koreografinya telah mendapat penghargaan dalam kompetisi-kompetisi baik di dalam maupun luar negeri, serta telah dipresentasikan pada festival tari kontemporer dan dalam konteks kancah seni internasional.
Seni kompleks ini berkembang cukup terlambat. Balet berusia kurang lebih empat ratus tahun, meskipun seni tari telah ada selama beberapa milenium (lihat artikel “Tarian rakyat”).
Balet berasal dari Italia pada abad ke-15. Dari tarian rakyat, nama "balletti" ("ballare" Italia - untuk menari, dan "balletti" - tarian) diteruskan ke tarian yang lebih kompleks yang dilakukan di pesta dansa. Di istana para penguasa, pertunjukan kostum sering kali dipentaskan dengan tarian, nyanyian, dan pengajian, yang diikuti oleh para abdi dalem sendiri. Balet pertama ini terdiri dari "entri" karakter yang terkait secara longgar, paling sering diambil dari mitologi Yunani. Sepasang suami istri yang berpakaian mewah dan mewah digantikan oleh pasangan lainnya. Setelah semua “keluar”, tarian umum, atau “balet besar”, dimulai.
Interaksi seni dan gerak atau tari juga dipelajari melalui kajian teori, budaya, dan sejarah pada masa dan abad. Ada banyak cara untuk melakukan balet. Beberapa di antaranya adalah jalan sederhana yang mengarah pada kepentingan orang tua, minat guru, “teman dari teman” yang akan membimbing, menunjukkan, berkomentar, dan yang terpenting, ditarik ke dalam dunia yang luar biasa ini. Lainnya adalah jalan yang nyata, penuh dengan kebetulan dan insiden, dan di dunia saat ini di mana budaya pop bercampur dengan budaya "tinggi", apa yang berguna, apa yang luar biasa - segala sesuatu mungkin terjadi.
Pertunjukan seperti itu dipentaskan di Italia pada pesta besar di kota Tortona (1489). Para dewa dan pahlawan kuno menari dan menyajikan makanan kepada para tamu. Dewa laut membawakan hidangan ikan, dewi kesuburan menyajikan buah-buahan dan manisan. Balet gastronomi ini diakhiri dengan masuknya Bacchus yang megah, dewa anggur. Pertunjukan semacam itu juga muncul di banyak pengadilan Eropa.
Hal yang paling berharga adalah Anda dapat melihat bahwa seorang penari, terutama dari kelas dan pengalaman seperti Maxim, memiliki banyak hal untuk dikatakan tidak hanya tentang karya dan seninya, tetapi juga tentang dunia di sekitar kita. Yang paling berharga adalah setelah pertemuan tersebut banyak orang yang menyatakan kesiapannya untuk pergi ke pertunjukan dan melihat Maxim di atas panggung secepatnya!
Hal ini dibuktikan dengan banyaknya proyek pendidikan yang dilakukan di kalangan anak-anak termuda. Sesuatu yang dipelajari secara langsung, menjadi lebih dekat, bersahabat, menarik perhatian. Oleh karena itu, ada baiknya menyelenggarakan pertemuan semacam itu di berbagai lingkungan, kelompok, kasus yang berbeda dan tentang berbagai topik.
Secara bertahap, di balet istana, pahlawan mitologis digantikan oleh topeng komik yang menggambarkan orang-orang - tukang cuci, pemilik penginapan, pembuat sepatu, dll. Semua peran dalam balet hanya dilakukan oleh laki-laki.
Jubah dan topeng peserta balet istana berukuran besar dan tidak nyaman. Misalnya, seorang pembuat sepatu harus menari dengan sepatu besar yang menutupi kepalanya, dan kostum pemain biola terdiri dari biola besar. Pahlawan jaman dahulu juga mengenakan setelan berat yang menyerupai gaun pengadilan. Sangat sulit untuk menari dengan kostum seperti itu, sehingga semua gerakan balet terbatas pada jalan mulus, busur anggun, dan pose anggun. Selain itu, jika perempuan ikut serta dalam pesta dansa bersama laki-laki, maka di atas panggung peran perempuan dilakukan oleh anak laki-laki yang memakai topeng dan wig.
Ini adalah "rilisan balet" untuk masyarakat - salah satu dari sedikit iklan yang tersedia di dunia saat ini di mana "tidak ada yang tertarik dengan balet" dan "tidak akan terjual". Max juga ingat bahwa tidak semua orang adalah model tari klasik dan familiar bagi kita, terminologi yang jelas tidak sama jelas dan jelasnya bagi semua orang. Banyak yang telah dikatakan tentang pelatihan dan pendidikan balet di sekolah kejuruan - seperti apa, bagaimana perubahannya setelah Maxim lulus dari sekolah di Belarus, apa kesalahan dan masalah sekolah balet Polandia.
Para abdi dalem menari secara acak, karena aturan untuk melakukan gerakan tari belum ada.
Berdasarkan dekrit raja Prancis Louis XIV, Royal Academy of Dance didirikan pada tahun 1661 untuk mengembangkan aturan dan sistem tarian. Itu termasuk tiga belas guru tari yang ditunjuk oleh raja. Pada tahun 1069, sebuah teater musikal (Royal Academy of Music) didirikan, di mana pada awalnya hanya para bangsawan yang menari dalam opera dan balet. Pada mulanya pertunjukan balet hampir tidak ada bedanya dengan pertunjukan istana. Musik, tari, dan nyanyian saling berhubungan secara longgar dan tidak menghasilkan kesan artistik yang koheren. Tariannya sama seperti di istana - minuet lambat, gavotte, jauh dari sumber folknya. Wanita baru diizinkan tampil di panggung pada tahun 1681. Mereka harus menari dengan berat gaun panjang dan memakai sepatu sepatu hak tinggi. Kostum seperti itu menghalangi penari untuk menampilkan tarian virtuoso yang rumit, dan oleh karena itu penguasaan tarian pria melampaui tarian wanita dalam hal keanggunan, keanggunan, kehalusan dan teknik.
Max berkesempatan mengamati karya siswa sekolah balet sebagai siswa Pedagogi Balet dan juga pernah mengajar repertoar di sekolah balet tersebut. Ia berbicara tentang peran disiplin dan konsistensi dalam pengajaran balet, yang dalam kondisi modern seringkali hanya fiksi dan sayangnya tidak membawa hasil yang diharapkan.
Menurut Maxim, yang terpenting adalah keikhlasan mahasiswa dan cara mobilisasinya dalam bekerja. Ada banyak pertanyaan tentang apa yang disebut isu tersebut. kompetisi dan hubungan dalam ansambel balet. Sangat disayangkan bahwa seni sejati dan seniman terbaik seringkali menderita karena masalah yang tidak ada hubungannya dengan seni dan profesionalisme. Beruntungnya, ada juga kisah kolaborasi dengan koreografer, penari, dan penari hebat yang paling diapresiasi oleh Max. Bagi para penggemar balet Warsawa, senang mengingat solois dan solois hebat yang telah menyelesaikan karir mereka di panggung dan penampilan luar biasa seperti Carmen dan sesuatu seperti On the Bridges of Time karya Mac Eka dan Jiri Kijan.
Di Italia, mode balet istana berkembang jauh lebih awal, dan seni tari menjadi sepenuhnya profesional. Penari Italia terkenal dengan keahlian teknik menari mereka. Namun masih banyak hal yang menghalangi balet untuk menjadi seni yang nyata - teks yang mengiringi tarian, kostum yang besar, dan topeng yang menyembunyikan seluruh wajah senimannya.
Peristiwa tingkat tertinggi yang tak terlupakan! Banyak perhatian berfokus pada situasi penari di pasar tenaga kerja Polandia dan masalah mereka dalam pekerjaan dan pelatihan ulang setelah menyelesaikan karir mereka. Dalam situasi di mana penari, seperti orang lain, harus bekerja hingga usia 67 tahun, setiap seniman harus memikirkan hal ini. Masalahnya lebih penting lagi adalah bahwa di masa lalu, dalam lingkungan dan situasi yang cukup stabil di balet Polandia, banyak orang menemukan kelanjutan alami dari karir mereka sebagai guru, koreografer, dll. saat ini, di satu sisi, keterbatasannya adalah persyaratan pendidikan pedagogis dan situasi yang kurang stabil dalam tim itu sendiri.
Baru pada tahun 1773 penari Maximilian Gardel melepaskan topeng tradisionalnya untuk pertama kalinya. Beberapa saat kemudian, balerina Marie Camargo mendapatkan kebebasan bergerak dengan memperpendek roknya hingga tepat di atas mata kaki dan mengabaikan tumitnya, dan Marne Salle mulai menari dengan pakaian longgar dan ringan yang mengingatkan pada tunik Yunani. Tarian itu lambat laun menjadi semakin bermakna.
Kita hanya bisa berharap bahwa pendidikan tari privat akan berkembang lebih dinamis dan, seperti di Barat, dengan semakin kayanya masyarakat balet, pendidikan tari swasta akan menjadi hobi yang populer bagi anak-anak dan remaja yang belum tentu terkait dengan kehidupan profesional mereka. Pertemuan pada hari Sabtu ini luar biasa bukan hanya karena lokasinya, namun juga karena iklimnya. Ternyata, dengan cara yang sangat berbeda, Anda dapat memperluas ceruk yang dimainkan balet budaya dalam kehidupan budaya kita, dan para seniman yang mempraktikkan seni unik ini.
Sangat disayangkan bahwa banyak orang masih tidak menyadari bahwa dalam dunia musik dan tari Polandia kita memiliki bintang-bintang otentik yang dapat mempromosikan balet lebih luas jika saja media menunjukkan pengetahuan, profesionalisme dan kecerdikan. Sangat disayangkan hanya sedikit, misalnya penyanyi Polandia, yang mendapat publisitas di dunia, yang bisa mengandalkan minat pers. Maxim Voitiul menari di berbagai tempat di seluruh dunia, telah bekerja dengan koreografer terbaik, menciptakan pesta balet paling indah dan paling rumit - hanya sedikit orang yang mengatakan ini, dan hanya sedikit orang yang ingin melihatnya.
Kontribusi yang sangat besar terhadap perkembangan balet Eropa Barat dibuat oleh koreografer Perancis Jean-Georges Noverre (1727-1810). Dalam karyanya “Letters on Dance” (1760), ia menyerukan terciptanya tarian yang “efektif”, yaitu tarian yang bermakna dan ekspresif, di mana perasaan, pikiran dan peristiwa akan diungkapkan dalam gerakan pantomim dan tarian. Noverre berhasil mengimplementasikan ide-ide maju tersebut hanya sebagian dalam pertunjukan balet yang dipentaskan di istana ducal di Stuttgart dan di panggung lainnya.
Dia bukan satu-satunya yang patut mendapat perhatian dan apresiasi lebih luas - kita punya penari balet hebat yang, setelah karier mereka berakhir, menghilang, hanya diingat oleh segelintir peminatnya! Gardzina-Kubala adalah lulusan Fakultas Linguistik Terapan dan Filologi Slavia Timur di Universitas Warsawa dan studi pascasarjana di universitas yang sama, serta Teori Tari di Akademi Musik. Fryderyk Chopin di Warsawa. Jurnalis yang penuh gairah, kritikus musik dan balet. Dia berkolaborasi dengan sebagian besar majalah musik profesional Polandia, majalah gedung opera di Warsawa dan Poznan.
Pandangan Noverre mempunyai pengaruh yang sangat besar terhadap perkembangan balet selanjutnya. Pakaian adat dan topeng pun ditinggalkan. Penari balet mulai menari dengan pakaian yang longgar dan ringan. Gerakan tari mereka menjadi lebih natural, ekspresif dan bervariasi. Siswa dan pengikut Noverre menciptakan Pertunjukan balet pertama dalam sejarah koreografi, di mana musik, kostum, pemandangan, dan tarian spiritual yang bermakna digabungkan menjadi satu. Balet "Kewaspadaan Sia-sia", yang dipentaskan oleh Dauberval lebih dari seratus lima puluh tahun yang lalu, terus ditayangkan di panggung teater balet hingga saat ini.
Dia menerbitkan lebih dari 3.000 teks dan wawancara dengan seniman opera dan balet setiap tiga bulan di Troubadour Club. Slulacki di Warsawa, sebagai guru opera dan balet, mengunjungi banyak sekolah dasar dan menengah dengan ceramah tentang seni balet. Berpartisipasi dalam program penyuntingan pertunjukan dan konser opera dan balet, penyuntingan poster dan publikasi informasi teater, penulisan teks asli untuk program dan mengedit situs teater.
Ia juga salah satu penulis serial buku anak-anak studio Ballet Tales. Dia mengadakan serangkaian pertemuannya sendiri dengan seniman opera dan balet. Tentang opera untuk hidangan penutup di klub. Ruang komersial di Kota Tua Warsawa dan di dalam Yayasan Terpsichore bertemu dengan tarian dan lokakarya untuk anak-anak di Galeri Farmasi Seni Warsawa. Penulis blog balet “On Your Toes”. Saat ini bekerja dengan film Chikaneka.
Selama tahun-tahun revolusi borjuis Prancis, seni balet diperkaya dengan unsur-unsur tarian rakyat, yang sebelumnya tidak dapat diterima oleh seniman istana. Seni era revolusioner beralih ke gambaran heroik zaman kuno.
Salah satu produksi koreografi yang luar biasa pada masa itu, “Offering to Freedom,” diciptakan oleh koreografer Pierre Gardel. Sebuah tarian diperkenalkan ke dalamnya, dibawakan dengan musik Marseillaise.
Seni balet tidak akan berkembang tanpa kegemaran raja terhadap menari. Ini adalah hasil perbaikan dan transformasi yang dimulai di Perancis lebih dari 350 tahun yang lalu di istana seorang raja bernama Raja Matahari. Dia memastikan bahwa balet, hasratnya yang besar, dinaikkan ke peringkat seni kerajaan melalui pelembagaan, dengan pendirian Royal Academy of Dance pada bulan Maret, sebuah inisiatif unik yang tidak ada bandingannya di negara lain. Royal Academy of Dance adalah akademi ketiga yang didirikan di Perancis, setelah Akademi Perancis dan Royal Academy of Painting and Sculpture, dan sebelum Royal Academy of Sciences dan Royal Academy of Music.
Pada abad ke-18 koreografinya diperkaya dengan sarana ekspresif. Penari balet yang mengenakan tunik ringan dan sandal sudah bisa menari dengan setengah jari kaki tinggi. Gerakan tangan menjadi bebas dan fleksibel; dalam ekspresi wajah, gerak, dan gerak tubuh, para aktor berusaha menyampaikan perasaan karakternya.
Sekitar tahun 1800, triko ditemukan (setelan rajutan ketat yang pas di kaki dan badan berwarna daging), dan gerak para penari diberi kebebasan penuh. Tingkat keterampilan menari meningkat secara signifikan. Namun, tarian pria masih lebih virtuoso dibandingkan tarian wanita.
Menariknya, Royal Academy of Dance tidak pernah bergabung dengan Royal Academy of Music, dan kemudian menjadi Paris Opera. Ilmuwan pertama, termasuk 13 orang, adalah koreografer paling terkemuka di Prancis pada saat itu. Diantaranya adalah Henri Prévost, koreografer Louis, dan François Galland du Desert, koreografer Ratu.
Royal Academy of Dancing berhenti beroperasi dalam waktu satu tahun. Penciptaannya tetap menjadi tindakan politik pertama yang mendukung seni tari. Sayangnya, meski tujuan lembaga tersebut adalah untuk meresmikan dan menormalisasi tari, tidak ada dokumen yang diberikan sebagai bukti kerja mereka. Diketahui bahwa secara bertahap anggota Akademi mulai direkrut dari Paris Opera Ballet, mengabdikan aktivitas mereka untuk melatih penari balet dan dengan demikian berkontribusi pada pendirian sekolah balet Prancis.
Berdasarkan prestasi seni balet, penari dan guru Italia Carlo Blasis (1803-1878) mengembangkan sistem pengajaran tari berdasarkan lima posisi awal kaki. Blazis menggunakan “gudang” gerakan yang dipinjam oleh generasi seniman dan koreografer dari tarian rakyat dan istana, dari seni kuno. Sistem ini kemudian disebut “klasik”.
Pendeta pindah ke Teater Łódź Wilki. Penyanyi solo ini telah memainkan peran penting dalam balet klasik, non-klasik, dan pertunjukan tari modern. Pendeta menjadi koreografer yang diakui secara internasional. Pastor bersama Hans van Mann menjadi koreografer balet Belanda. Edinburgh, Skotlandia, bersama rombongan balet, koreografer menampilkan Romeo dan Juliet versi orisinalnya dari Moving Rooms dan Scheherazade. Dua pertunjukan terakhir di festival Belanda dibawakan oleh Perusahaan Balet Nasional negara tersebut.
Pada paruh pertama abad ke-19. Sekolah balet klasik Italia dan Prancis akhirnya terbentuk.
Teater balet Italia dicirikan oleh teknik virtuoso, lompatan yang rumit, dan gerakan tangan yang tajam dan kaku. Kadang-kadang, demi kecemerlangan dan keahlian luar, para pemain mengorbankan kebermaknaan dan ekspresi tarian. Koreografer S. Viganò, yang berhasil menampilkan balet yang serius dan kompleks dengan musik Beethoven, berdasarkan plot tragedi Shakespeare, dll., tetap sendirian di Teater La Scala di Milan.
Karya terakhirnya di Amsterdam adalah tarian Dumbarton, dan Nijinsky adalah seorang penari, badut, dewa. Dia juga mengembangkan proyek skala kecil untuk solois balet tertentu. Balet Australia menari di Paris untuk Symphony Fantastique-nya. Pastor ditahan di Groningen sebagai anggota juri internasional Koreografi Kompetisi Penari Muda Eurovision di Warsawa, Kompetisi Balet Internasional New York dan anggota juri Kompetisi Tari Nasional Polandia di Gdansk. Pendeta kembali ke Opera Nasional Polandia di Warsawa.
Abstrak tematik dalam bahasa Lituania
Di sini ia membangun trilogi berdasarkan musik Richard Wagner. Pendeta tersebut dianugerahi penghargaan bergengsi dari Persatuan Seniman Teater Polandia di Terpsichore. Topik tersebut dimaksudkan untuk memberikan pengenalan menyeluruh tentang bentuk dasar dan teknik gerak, sejarah perkembangan tari dan pencipta utamanya. Memperkenalkan yang paling banyak bentuk-bentuk penting gerakan seni dari balet, tari modern dan postmodern hingga teater tari, teater fisik, pertunjukan. Artikel ini menganalisis peran gerak dalam seni gerak dan peran gerak dalam menu panggung interdisipliner modern.
Berbeda dengan sekolah balet Italia, sekolah balet Prancis terkenal dengan keanggunan, plastisitas, kelembutan garisnya, tetapi pada saat yang sama dicirikan oleh dinginnya eksekusi. Pertunjukan balet di Perancis pada abad ke-18. biasanya didasarkan pada plot kuno atau mitologis.
Para seniman teater kerajaan bahkan tidak berusaha untuk secara jujur mereproduksi ciri-ciri sejarah atau nasional, tetapi meniru tata krama dan kostum istana. Para gembala Yunani kuno muncul di panggung dengan sepatu bertumit merah, meniru model pesolek istana, dan dengan wig bubuk dengan ikal. Semua ini menimbulkan kekecewaan terhadap klasisisme di antara banyak koreografer dan seniman, mendorong mereka untuk mencari cara-cara baru yang dapat menyampaikan kebenaran kehidupan secara lebih utuh.
Tujuannya adalah untuk mengajarkan siswa mengenal bentuk-bentuk tari dan seni serta teknik gerak yang paling penting, menganalisis seni tari, menggunakan gerak dalam teater drama dan seni pertunjukan non-tradisional, mengevaluasi karya tari dan gerak, dan menyajikannya kepada khalayak. .
Abstrak tematik dalam bahasa asing
Mata kuliah ini dirancang untuk menganalisis bentuk dan teknik dasar gerak teater dan tari. Ini mengeksplorasi teater dan tari, termasuk topik-topik seperti balet klasik, tari modern dan postmodern, teater tari, gerakan dalam teater drama tradisional, teater fisik dan seni pertunjukan. Strategi pengajaran meliputi ceramah, video, dan diskusi. Setelah berhasil menyelesaikan kursus, siswa harus mampu memberikan fakta, definisi, dan karakteristik penting berbagai bentuk menari; dan menganalisis peran gerakan dalam berbagai praktik teater.
Di Rusia, seni balet profesional muncul pada abad ke-18. Meski pada awalnya guru dan sutradaranya adalah orang asing, namun para penari Rusia secara kreatif memahami dari mereka apa yang memenuhi persyaratan budaya tari Rusia, apa yang erat kaitannya dengan tarian rakyat, apa yang memperkaya dan memuliakannya. Mereka berusaha untuk menanamkan unsur-unsur pinjaman dengan semangat nasional.
Maka terbentuklah sekolah tari klasik Rusia. Tahap terpenting perkembangannya dikaitkan dengan tinggalnya koreografer Prancis Charles Didelot (1767 - 1837) di Rusia, salah satu pencipta romantisme dalam seni balet. Perasaan manusia yang hidup, keagungan puitis dari isi lukisan artistik, cara pertunjukan yang bebas dan berani - inilah yang sangat menarik dalam baletnya dan merupakan kata baru dalam seni. Dia membantu para seniman menciptakan gambar-gambar yang benar secara historis, menafsirkan kembali isi mitos-mitos lama, mementaskan balet "Acis and Galatea", "Zephyr and Flora", "Cupid and Psyche" berdasarkan mereka.
Didelot memperkenalkan “balet terbang” sebagai sarana ekspresi seni, yaitu penerbangan para pemain di atas panggung yang dilakukan dengan bantuan alat mekanis.
Saat masih di panggung Inggris, Didelot mulai mementaskan genre balet realistis. Namun kreasi Didelot yang paling menonjol adalah balet dramatis “Prisoner of the Kaukasus” (berdasarkan A.S. Pushkin), “The Hungaria Hut”, dan “Raoul de Crequy” yang dipentaskannya di Rusia. Didelot, yang oleh orang-orang sezamannya disebut sebagai "Shakespeare dan Byron dari panggung balet", dengan terampil bergantian episode lucu dan dramatis, memaksa penonton untuk mengikuti nasib para pahlawan dengan simpati yang mendalam. Benar, dalam balet Didelot masih banyak pantomim, dan tariannya bersifat tambahan, karena tokoh-tokohnya menari terutama di pesta-pesta dan segala macam perayaan.
Di Rusia, Didelot membesarkannya balerina terkenal, seperti Avdotya Istomina dan Maria Danilova. Setelah Didelot, dengan setiap generasi baru, balet Rusia menjadi lebih orisinal.
Koreografer Rusia Walberch dan Glushkovsky memperkenalkan tema nasional ke dalam balet.
Tidak ada satu pun pertunjukan balet yang dapat tercipta tanpa koreografer. Ia mengungkapkan isi musik yang ditulis oleh komposer dalam gambar tari, memikirkan komposisi dan kombinasi tarian, dan mengembangkan semua peran. Bentuk artistik gambar tari menyampaikan sesuatu yang kompleks pengalaman emosional, semangat manusia yang tertinggi. Kadang-kadang dalam tari, seorang koreografer berhasil mengungkapkan pikiran dan perasaannya seperti yang dapat dilakukan dengan kata-kata. Imajinasi kreatif Didelot memunculkan balet romantis, mengungkapkan keinginan akan keagungan, puisi mimpi dan dongeng. Pahlawan balet romantis itu sendiri adalah segala jenis makhluk fantastis - elf, sylph, hantu, dan bayangan. Ballerina Maria Taglioni dan ayahnya, koreografer Philippe Taglioni, berusia 30-an. abad XIX perwakilan paling khas dari balet baru ini.
Balet terbaik di era romantis - "Zh, n-zel" dipentaskan pada tahun 1841 di Paris. Ini menggambarkan tragedi seorang gadis petani yang murni dan percaya, sangat terkejut dengan perselingkuhan kekasihnya. Giselle meninggal karena kesedihan dan berubah menjadi peri hutan-wilisa. Balet awet muda ini berbicara dalam bahasa tarian tentang perasaan yang luar biasa dan masih termasuk dalam repertoar teater Soviet dan asing.
Ciptaan era romantisme yang tak kalah seru adalah balet “Esmeralda” yang dipentaskan oleh koreografer terkemuka Perancis J. Perrault (1810-1892) berdasarkan novel “Katedral Notre Dame” karya V. Hugo. Tidak ada satu pun makhluk fantastis di sini. Perrault berusaha untuk secara langsung mengekspresikan aksi dramatis dalam tarian. Bakat koreografer ini tidak mendapat pengakuan di tanah kelahirannya dan benar-benar berkembang di Inggris dan khususnya di Rusia.
Sejarah balet Rusia erat kaitannya dengan perkembangan musik klasik Rusia. Sebelum munculnya musik balet oleh P. I. Tchaikovsky, musik hanya berfungsi sebagai pengiring tarian: hanya diperlukan tempo, ritme, dan melodi tertentu yang mudah diingat. Musik balet simfoni Tchaikovsky, dalam, penuh warna, ekspresif, membantu penonton membayangkan apa yang tidak bisa diungkapkan dalam tarian. Dalam balet “The Nutcracker” sang komposer mengungkapkan dunia mimpi anak-anak yang cerah dan menyenangkan; dalam “Swan Lake” ia berbicara tentang cinta yang menghancurkan mantra jahat; dalam “Sleeping Beauty” ia menunjukkan kemenangan kebaikan atas kejahatan. Keindahan dan kemurnian dunia batin manusia, yang dimuliakan oleh Tchaikovsky, selamanya menjadi konten utama seni balet Rusia.
Saat mengerjakan The Sleeping Beauty, Tchaikovsky lebih dari sekali meminta nasihat kepada koreografer hebat Marpus Petipa (1822-1910). Berasal dari Perancis, ia mengabdikan hampir enam puluh tahun untuk balet Rusia. Seorang penikmat tari klasik yang hebat, Petipa sangat sukses dalam balet "The Sleeping Beauty", "Don Quixote", "La Bayadère", di mana tariannya seolah menyatu dengan musik.
Sutradara balet Tchaikovsky yang luar biasa lainnya, Lev Ivanov (1834-1901), menciptakan tarian liris angsa yang menakjubkan di Swan Lake (babak 2 dan 4 balet). Ivanov berusaha mengekspresikan dalam tarian seluruh kekayaan konten musik.
Perpaduan sempurna antara musik, tari, dan lukisan dalam pertunjukan balet dicapai pada awal abad ke-20. koreografer M. Fokin dan A. Gorsky. Mereka tidak hanya berhasil mereproduksi kehidupan di panggung balet dengan jujur, tetapi juga menemukan sarana ekspresi unik untuk setiap balet yang sesuai dengan isinya. Berkolaborasi dengan seniman terbaik, Gorsky dan Fokin mengangkat level tinggi seni desain pertunjukan.
Di Barat pada paruh kedua abad ke-19. balet mengalami kemunduran, kehilangan makna independennya dan menjadi pelengkap opera, sementara seni balet Rusia terus mengembangkan ciri-ciri terbaik balet klasik.
Balet klasik Ia dibedakan oleh pola gerakan yang ketat, kemurnian luhur, dan spiritualitas eksekusi.
Segala sarana ekspresi dalam balet klasik berfungsi untuk mengungkap isi mendalam dan pengalaman kompleks para tokohnya. Tur balet Rusia di Paris dan London (pada awal abad ke-20) memberikan kesan yang luar biasa di kalangan penonton Barat. Balerina Rusia yang luar biasa Anna Pavlova diakui sebagai salah satu penari terhebat di sekolah klasik. Dalam tarian “The Dying Swan” (musik oleh Saint-Saëns, dikoreografikan oleh M. Fokin), yang hanya berdurasi tiga menit, Pavlova mengungkapkan berbagai macam pengalaman. Keterampilan brilian koreografer dan seniman Rusia, seni Lina Pavlova yang terinspirasi memiliki pengaruh besar pada kebangkitan balet Eropa. Pavlova, dan setelah gurunya yang lain, membuka sekolah tari klasik di Inggris. Seniman berbakat yang mereka latih membentuk kelompok profesional yang masih ada sampai sekarang (Marie Rambert Ballet, Royal Ballet - mantan Sadler's Wells). Repertoar mereka tidak hanya mencakup balet oleh komposer Rusia, tetapi juga karya-karya indah Tchaikovsky.
Di usia 30-an abad XX Balet nasional dihidupkan kembali di Perancis, Italia dan negara-negara lain. Dia banyak meminjam dari sekolah tari klasik Rusia dan Soviet, yang sangat populer di Barat.
Warisan klasik terbaik sekolah Rusia dikembangkan lebih lanjut dalam balet Soviet. Miliknya dengan benar. dapat dianggap sebagai seni koreografi tingkat baru yang lebih tinggi. Tarian klasik dalam balet Soviet, sesuai dengan kebutuhan zaman kita, terus berkembang, ditingkatkan dan diperkaya, diserap Fitur terbaik seni tari negara kita.
"Swan Lake", "Sleeping Beauty", "Giselle" hidup di panggung Soviet kehidupan baru. Setelah melestarikan segala sesuatu yang berharga dari produksi masa lalu, mereka dijiwai dengan persepsi musik yang berbeda, gagasan baru tentang kebesaran dan keindahan hidup, dan dipenuhi dengan ketegangan dramatis yang khusus. Seni balet Soviet berusaha untuk mengungkapkan yang terbaik dalam diri seseorang, seluruh kekayaan dunia batinnya. Tak hanya enak dipandang mata, tapi juga membangkitkan cita-cita luhur, perasaan dan pemikiran luhur penontonnya.
Setiap seni, melalui caranya sendiri, menceritakan kepada orang-orang tentang pengalaman, pemikiran, perasaan manusia, tentang segala jenis peristiwa - nyata, masa kini, sejarah, atau fantastis. Dan setiap seni bersyarat dengan caranya sendiri. Dan mungkin teater musikal - opera dan khususnya balet - adalah yang paling konvensional. Mengapa “terutama balet”? Karena bahkan dalam opera, di mana alih-alih pidato biasa, karakternya bernyanyi, mereka menyanyikan kata-kata. Dan kata-katanya mudah dimengerti - familiar.
Tidak demikian halnya dengan balet. Balet tidak ada kata-kata. Dasarnya adalah tari dan pantomim. Tarian ini terdiri dari gerakan-gerakan individu yang diantaranya timbullah tarian-tarian yang membentuk pertunjukan balet yang dapat menceritakan tentang berbagai peristiwa dan berbagai keadaan pikiran para tokohnya... Katakan dalam hati. Hanya dengan gerak tubuh, ekspresi wajah artis, ekspresi wajah.
Namun untuk menjadi seniman yang mampu bercakap-cakap dalam bahasa tari dan isyarat, diperlukan kemampuan alam, bakat, dan pendidikan khusus di sekolah khusus.
Mata pelajaran utama di sekolah balet adalah tari klasik. Ada banyak disiplin ilmu khusus lainnya: musik, akting, tari duet, yaitu tari bersama, sejarah dan keseharian, panggung rakyat, tari karakter, dan lain-lain. Kesemuanya itu diperlukan bagi seorang siswa sekolah untuk menjadi penari balet. Selama menempuh pendidikan, tubuh seorang seniman tari menjadi fleksibel dan ekspresif. Selain itu, semua mata pelajaran diajarkan di sini sesuai dengan kurikulum sekolah reguler.
Pertunjukan balet terdiri dari beberapa komponen: dasar sastra (libretto, naskah), musik dan koreografi, yang darinya komposer (penulis musik) dan koreografer (koreografer) yang menggubah tarian berlangsung. Semua adegan tarian harus sesuai dengan isi libretto dan mood musiknya. Libretto, musik dan koreografi membutuhkan desain yang sesuai. Artis menemukannya.
Pemandangan tidak hanya menciptakan adegan aksi tertentu, tetapi juga suasana yang membantu pemirsa memahami karakter tokoh dan ide karya. Kostum memainkan peran khusus dalam balet. Itu harus terang dan warna serta bentuknya harus sesuai dengan kepribadian masing-masing karakter. Tetapi pada saat yang sama, hanya sebuah petunjuk dan pendekatan kostum sehari-hari atau sejarah yang sangat kondisional: seorang penari balet di atas panggung harus berpakaian sedemikian rupa sehingga tidak mengganggu, tetapi membantu gerakan. Semua penulis pertunjukan - komposer, koreografer, dan seniman, mulai dari konten yang disajikan dalam bentuk sastra, seolah-olah menciptakan karya seni independen mereka - musik, tari, visual. Tapi mereka secara harmonis bergabung satu sama lain, dan kemudian, di hadapan pemain berbakat, keseluruhan muncul - balet, pertunjukan balet.
Jadi, seperti halnya dalam drama atau opera, penciptaan balet diawali dengan lakon. Namun lakon di sini istimewa: libretto (naskah) menguraikan peristiwa-peristiwa utama secara relatif singkat. Libretto paling sering didasarkan pada karya sastra hebat dan menggunakan “tonggak sejarah*” dramatis utamanya. Dan koreografer, dengan fokus pada mereka, mengarang tarian yang mengungkapkan esensi dari sebuah karya sastra.
Siapa di antara Anda yang tidak ingat dongeng masa kecil Anda - "Sleeping Beauty" karya Perrault atau "Nutcracker" karya Hoffmann? Mereka menjadi dasar balet indah untuk musik Tchaikovsky. Anda semua telah membaca atau akan segera membaca puisi Pushkin “The Fountain of Bakhchisarai” dan tragedi Shakespeare “Romeo and Juliet”. Saya ingin Anda mengetahui tentang keberadaan balet “The Bakhchisaray Fountain” (musik oleh B. Asafiev), “Romeo and Juliet” (musik oleh S. Prokofiev). Balet ini terinspirasi oleh kejeniusan penyair terhebat di dunia - William Shakespeare dari Inggris dan Alexander Pushkin dari Rusia...
Namun ada balet yang librettonya tidak diambil dari sumber sastra, melainkan disusun secara khusus. Demikianlah, penyair Perancis abad ke-19. T. Gautier menulis libretto “Giselle” (musik oleh A. Adam), hanya sebagian terkait dengan legenda jip yang disebutkan oleh Heine.
Dan ada balet yang tidak memiliki dasar sastra sama sekali. Basis mereka hanyalah musik, isinya, pemikirannya. Koreografer berbakat Rusia Mikhail Fokin menciptakan karya tersebut, mengekspresikan pemahamannya tentang musik Chopin dalam tarian indah balet "Chopiniana".
Dan sekarang, dengan menggunakan contoh balet terpopuler yang dipentaskan hampir di semua teater di dunia, kami akan mencoba menganalisis komponen-komponen pertunjukan balet.
Anda mungkin menebak bahwa kita akan berbicara tentang Swan Lake karya Tchaikovsky. Dia menciptakan balet pertama ini pada tahun 1876 dengan libretto oleh V. Begichev dan V. Geltser.
Librettonya luar biasa: penyihir jahat berubah gadis-gadis cantik menjadi angsa. Ratu Angsa Odette menceritakan Pangeran Siegfried yang hilang tentang kesedihan teman-temannya, tentang kemalangannya sendiri. Hanya cinta sejati yang bisa menghilangkannya. Siegfried bersumpah untuk menyelamatkan Odette dan pengiringnya yang sedih. Tapi penyihir jahat muncul di pesta dansa dengan kembaran Odette, Odile. Pemuda itu berpikir bahwa inilah orang yang dia temui di danau angsa yang terpesona, dan tanpa disadarinya, dia melanggar sumpah setianya kepada Odette. Keputusasaannya tidak terbatas. Tapi Siegfried, menyadari kesalahannya, bergegas ke danau. Dalam pertempuran yang mengerikan, dia mengalahkan sang penyihir dan, setelah membebaskan angsa dari mantra jahat, menebus kesalahannya yang tidak disengaja di hadapan ratu cantik mereka.
Musiknya ternyata puitis, luhur, dan cemerlang seperti alur ceritanya. Dia membuat kagum semua orang dengan kenyataan bahwa, sambil mengungkapkan isi dongeng, dia menyampaikan perasaan manusiawi yang nyata, mulia dan kompleks. Kasih sayang, kesetiaan, kebingungan jiwa, pertobatan, keberanian, kesedihan dan kegembiraan - semuanya terungkap dalam melodi yang tidak biasa ini... Untuk pertama kalinya dalam sejarah koreografi, balet menerima musik simfoni: sedalam sebelumnya, penuh pemikiran dan beragam suasana hati - mulai dari kesedihan dan lirik yang menyakitkan di kerajaan angsa hingga kegembiraan dan kemenangan Odile yang berbahaya.
Tarian tersebut, yang digubah oleh koreografer terkemuka dari teater St. Petersburg Marius Petipa dan Lev Ivanov, yang dipentaskan pada tahun 1895, menyampaikan esensi dari peristiwa dan suasana hati. karakter, begitu sempurna diwujudkan dalam musik. Di “Swan Lake” semua jenis tarian yang diterima dalam balet klasik muncul: di sini dan klasik murni lukisan angsa, dan tarian karakter(Neapolitan, mazurka, dll.), dan fantastis(bagian badut), dan tarian sejarah dan sehari-hari(polonaise, dll). Mereka semua memiliki satu landasan yang sama: sekolah balet klasik Rusia.
Pemandangan Swan Lake, seperti produksi lama lainnya, kini terlihat sangat berbeda dibandingkan saat balet lahir. Seniman yang berbeda dari era yang berbeda selalu mencari solusi visualnya sendiri terhadap tema balet, ide musik.
Namun, tidak hanya pemandangan dan kostum yang berubah seiring berjalannya waktu. Waktu meninggalkan bekas pada keseluruhan pertunjukan.
Balet adalah seni yang hidup. Ia berkembang dan berubah seiring dengan kehidupan. Dan ini adalah salah satu fiturnya yang paling menarik.
