บัลเล่ต์เป็นศิลปะบทกวี เขาโดดเด่นด้วยรูปแบบที่ยอดเยี่ยมกล้าหาญและโคลงสั้น ๆ ภาพโลกแห่งการเต้นรำที่น่าอัศจรรย์อย่างเหลือเชื่อสร้างความตื่นเต้นและปลุกแรงบันดาลใจอันสูงส่ง
ในการแสดงบัลเลต์ โครงเรื่องอันน่าทึ่งที่สร้างสรรค์โดยนักเขียน ดนตรีที่แต่งโดยนักแต่งเพลง การเต้นรำที่คิดค้นโดยนักออกแบบท่าเต้นและแสดงโดยศิลปิน ทิวทัศน์อันงดงามและเครื่องแต่งกายที่สร้างขึ้นตามความคิดของศิลปินที่ผสานเข้าด้วยกัน
แนวคิดของศิลปินทั้งสองได้รับการสนับสนุนจากกลุ่มอัตถิภาวนิยมของ Vladimir Sommer เธอทำงานที่โรงละครแห่งชาติในเบอร์โนและเป็นศิลปินเดี่ยวที่โรงละครแห่งชาติในปราก เขามุ่งเน้นไปที่โครงการของเขาในการร่วมมือกับศิลปินทัศนศิลป์ที่มีชื่อเสียงของเช็กและต่างประเทศ ไม่ว่าจะเป็นการแสดง ภาพยนตร์ การเคลื่อนไหว หรือความร่วมมือทางทฤษฎี ผลงานของเธอได้รับการกล่าวถึงนอกเหนือจากปรากทั่วทั้งสาธารณรัฐเช็กและในต่างประเทศ งานสื่อความหมายและการออกแบบท่าเต้นของเธอได้รับรางวัลจากการแข่งขันทั้งในประเทศและต่างประเทศ และมีการนำเสนอในเทศกาลเต้นรำร่วมสมัยและในบริบทของวงการศิลปะระดับนานาชาติ
ศิลปะที่ซับซ้อนนี้พัฒนาค่อนข้างช้า บัลเลต์มีอายุมากกว่าสี่ร้อยปีเล็กน้อย แม้ว่าศิลปะการเต้นรำจะมีมาเป็นเวลาหลายพันปีแล้ว (ดูบทความ "การเต้นรำพื้นบ้าน")
บัลเล่ต์มีต้นกำเนิดในอิตาลีในศตวรรษที่ 15 จากการเต้นรำพื้นบ้าน ชื่อ "บัลเลตติ" (ภาษาอิตาลี "บัลลาเร" - สำหรับการเต้นรำ และ "บัลเลตติ" - การเต้นรำ) ได้เปลี่ยนไปเป็นการเต้นรำที่ซับซ้อนมากขึ้นที่แสดงที่คอร์ทบอล ที่ศาลของผู้ปกครองมักจะจัดให้มีการแสดงคิวด้วยการเต้นรำการร้องเพลงและการบรรยายซึ่งข้าราชบริพารเข้าร่วมด้วย บัลเล่ต์ชุดแรกเหล่านี้ประกอบด้วย "ทางออก" ของตัวละครที่เชื่อมโยงกันอย่างหลวมๆ ซึ่งส่วนใหญ่มักนำมาจากเทพนิยายกรีก คู่หนึ่งแต่งตัวหรูหราอลังการถูกแทนที่ด้วยอีกคู่หนึ่ง หลังจาก "เอาท์พุต" ทั้งหมดแล้ว การเต้นรำทั่วไปหรือ "บัลเลต์ใหญ่" ก็เริ่มขึ้น
ปฏิสัมพันธ์ของศิลปะกับการเคลื่อนไหวหรือการเต้นรำยังได้รับการศึกษาโดยการวิจัยทางทฤษฎี วัฒนธรรม และประวัติศาสตร์ตามยุคสมัยและศตวรรษอีกด้วย มีหลายวิธีในการทำบัลเล่ต์ บางเส้นทางเป็นถนนเรียบง่ายที่นำไปสู่ความสนใจของผู้ปกครอง ความหลงใหลในครูผู้สอน "เพื่อนของเพื่อน" ที่จะเป็นผู้นำ แสดง แสดงความคิดเห็น และเหนือสิ่งอื่นใด ถูกดึงดูดเข้าสู่โลกที่ไม่ธรรมดานี้ ถนนอื่นๆ เป็นถนนที่จับต้องได้ซึ่งเต็มไปด้วยความบังเอิญและโอกาส และในโลกปัจจุบันที่วัฒนธรรมป๊อปผสมผสานเข้ากับวัฒนธรรม "ชั้นสูง" สิ่งที่มีประโยชน์ สิ่งที่พิเศษ ทุกสิ่งเป็นไปได้
การแสดงดังกล่าวจัดขึ้นในอิตาลีในงานเลี้ยงใหญ่ในเมือง Tortona (1489) เทพเจ้าและวีรบุรุษโบราณเต้นรำนำอาหารมาให้แขก เทพแห่งท้องทะเลถือจานปลา เทพีแห่งความอุดมสมบูรณ์เสิร์ฟผลไม้และขนมหวาน บัลเล่ต์การทำอาหารนี้จบลงด้วยการออกจาก Bacchus เทพเจ้าแห่งไวน์อันงดงาม ตัวแทนดังกล่าวยังปรากฏในศาลยุโรปหลายแห่ง
สิ่งที่มีค่าที่สุดที่คุณเห็นก็คือนักเต้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งคลาสนี้และประสบการณ์อย่าง Maxim สามารถพูดได้มากมาย ไม่เพียงแต่เกี่ยวกับงานและศิลปะของเธอเท่านั้น แต่ยังเกี่ยวกับโลกรอบตัวเราด้วย สิ่งที่มีค่าที่สุดคือหลังจากการประชุมหลายคนประกาศว่าพร้อมที่จะไปแสดงและเห็น Maxim บนเวทีโดยเร็วที่สุด!
สิ่งนี้ได้รับการยืนยันจากโครงการการศึกษามากมายที่ดำเนินการในหมู่เด็กที่อายุน้อยที่สุด สิ่งที่เรียนรู้โดยตรงจะใกล้ชิดเป็นมิตรดึงดูดความสนใจ ดังนั้นจึงควรจัดการประชุมดังกล่าวในสภาพแวดล้อมกลุ่มต่างๆ โอกาสที่แตกต่างกันและในหัวข้อต่างๆ
ในบัลเลต์ศาล วีรบุรุษในตำนานค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยหน้ากากการ์ตูนที่แสดงภาพผู้คนจากคนซักผ้า ผู้ดูแลโรงแรม ช่างทำรองเท้า ฯลฯ บทบาททั้งหมดในบัลเล่ต์แสดงโดยผู้ชายเท่านั้น
เสื้อคลุมและหน้ากากของผู้เข้าร่วมในคอร์ทบัลเลต์นั้นเทอะทะและอึดอัด ตัวอย่างเช่น ช่างทำรองเท้าต้องเต้นรำโดยสวมรองเท้าขนาดใหญ่คลุมศีรษะ และเครื่องแต่งกายของนักไวโอลินประกอบด้วยไวโอลินขนาดใหญ่ วีรบุรุษในสมัยโบราณยังแต่งกายด้วยชุดสูทหนาซึ่งชวนให้นึกถึงชุดศาล มันยากมากที่จะเต้นในชุดดังกล่าว ดังนั้นการเคลื่อนไหวของบัลเล่ต์ทั้งหมดจึงถูกจำกัดไว้เพียงการเดินที่ราบรื่น การโค้งคำนับที่สง่างาม และท่าทางที่สง่างาม นอกจากนี้หากผู้หญิงเข้าร่วมในคอร์ทบอลพร้อมกับผู้ชายก็อยู่บนเวที บทบาทหญิงแสดงโดยเด็กผู้ชายสวมหน้ากากและวิกผม
"การแสดงบัลเลต์" สำหรับประชาชนนี้เป็นหนึ่งในโฆษณาไม่กี่รายการในโลกปัจจุบันที่ "ไม่มีใครสนใจบัลเลต์" และ "ขายไม่ออก" แม็กซ์พึงระลึกไว้เสมอว่าไม่ใช่ทุกคนที่มีรูปแบบการเต้นแบบคลาสสิกและคุ้นเคยสำหรับเรา คำศัพท์เฉพาะที่ชัดเจนนั้นไม่ได้ชัดเจนและชัดเจนเท่ากันสำหรับทุกคน มีการพูดถึงการฝึกบัลเลต์และการศึกษาในโรงเรียนอาชีวศึกษามากมาย - เป็นอย่างไร, เปลี่ยนไปอย่างไรหลังจาก Maxim จบการศึกษาจากโรงเรียนในเบลารุส, อะไรคือข้อผิดพลาดและปัญหาของโรงเรียนบัลเลต์โปแลนด์
ข้าราชบริพารเต้นรำด้วยความไม่ลงรอยกันเนื่องจากยังไม่มีกฎสำหรับการแสดงท่าเต้น
ตามคำสั่งของกษัตริย์หลุยส์ที่ 14 แห่งฝรั่งเศส Royal Academy of Dance ก่อตั้งขึ้นในปี 2204 เพื่อพัฒนากฎและระบบการเต้นรำ ในจำนวนนี้มีครูสอนเต้นรำสิบสามคนที่แต่งตั้งโดยกษัตริย์ ในปี ค.ศ. 1069 มีการก่อตั้งโรงละครดนตรี (Royal Academy of Music) ซึ่งในตอนแรกมีเพียงข้าราชบริพารเท่านั้นที่เต้นรำในโอเปร่าบัลเลต์ ในขั้นต้นการแสดงบัลเล่ต์แทบไม่แตกต่างจากการแสดงในศาล ดนตรี การเต้นรำ และการร้องเพลงมีความเกี่ยวข้องกันเพียงเล็กน้อยและไม่ได้สร้างความประทับใจทางศิลปะที่สมบูรณ์ การเต้นรำเป็นแบบเดียวกับที่ศาล - minuets ช้า gavottes ห่างไกลจากแหล่งพื้นบ้าน ผู้หญิงได้รับอนุญาตให้แสดงบนเวทีในปี 1681 เท่านั้น พวกเธอต้องเต้นรำในชุดยาวและรองเท้าหนักๆ รองเท้าส้นสูง. เครื่องแต่งกายดังกล่าวทำให้นักเต้นไม่สามารถแสดงระบำอัจฉริยะที่ซับซ้อนได้ ดังนั้น ความเชี่ยวชาญในการเต้นรำของผู้ชายจึงเหนือกว่าการเต้นรำของผู้หญิงในด้านความสง่างาม ความสง่างาม ความลื่นไหล และเทคนิค
แม็กซ์มีโอกาสสังเกตผลงานของนักเรียนโรงเรียนบัลเล่ต์ในฐานะนักเรียนของ Ballet Pedagogy เขายังสอนละครที่โรงเรียนบัลเล่ต์ด้วย เขาพูดถึงบทบาทของระเบียบวินัยและความสม่ำเสมอในการสอนบัลเล่ต์ซึ่งในสภาพสมัยใหม่มักเป็นเรื่องแต่งและน่าเสียดายที่ไม่ได้ผลลัพธ์ที่คาดหวัง
ตามที่ Maxim กล่าว สิ่งที่สำคัญที่สุดคือความจริงใจของนักเรียนและวิธีที่พวกเขาถูกระดมไปทำงาน มีคำถามมากมายเกี่ยวกับคำถามที่เรียกว่า การแข่งขันและความสัมพันธ์ในคณะบัลเล่ต์ น่าเสียดายที่ศิลปะที่แท้จริงและศิลปินที่ดีที่สุดมักประสบปัญหาที่ไม่เกี่ยวข้องกับศิลปะและความเป็นมืออาชีพ โชคดีที่ยังมีเรื่องราวของการร่วมงานกับนักออกแบบท่าเต้น นักเต้น และนักเต้นฝีมือเยี่ยมที่แม็กซ์ให้ความสำคัญมากที่สุด สำหรับแฟน ๆ ของวอร์ซอบัลเลต์ เป็นเรื่องดีที่ได้ระลึกถึงศิลปินเดี่ยวและศิลปินเดี่ยวผู้ยิ่งใหญ่ที่จบอาชีพการแสดงบนเวทีไปแล้วและการแสดงที่ยอดเยี่ยมอย่าง Carmen และเพลงอย่าง On the Bridges of Time ของ Mats Eka และ Jiri Kiyan
ในอิตาลีแฟชั่นสำหรับบัลเล่ต์ในศาลผ่านไปเร็วกว่านี้มากและศิลปะการเต้นรำก็กลายเป็นมืออาชีพอย่างสมบูรณ์ นักเต้นชาวอิตาลีมีชื่อเสียงในด้านความเก่งกาจในเทคนิคการเต้น แต่ยังมีอีกหลายสิ่งหลายอย่างที่ทำให้บัลเลต์ไม่สามารถกลายเป็นศิลปะที่แท้จริงได้ เช่น ข้อความที่ประกอบการเต้นรำ เครื่องแต่งกายขนาดใหญ่ และหน้ากากที่ปกปิดใบหน้าทั้งหมดของศิลปิน
เหตุการณ์ที่ยากจะลืมเลือนของลำดับสูงสุด! ให้ความสนใจอย่างมากกับสถานการณ์ของนักเต้นในตลาดแรงงานโปแลนด์และปัญหาเกี่ยวกับการทำงานและการฝึกอบรมใหม่หลังจากสิ้นสุดอาชีพ ในสถานการณ์ที่นักเต้นต้องทำงานหนักถึง 67 คน เช่นเดียวกับคนอื่นๆ ศิลปินทุกคนควรคิดถึงเรื่องนี้ ปัญหาสำคัญกว่านั้นคือในอดีต ในสภาพแวดล้อมและสถานการณ์ที่ค่อนข้างคงที่ในบัลเล่ต์โปแลนด์ หลายคนพบว่าอาชีพของพวกเขายังคงดำเนินต่อไปตามธรรมชาติในฐานะครู นักเต้นบัลเลต์ ฯลฯ ทุกวันนี้ ในแง่หนึ่ง ข้อจำกัดคือข้อกำหนดของการศึกษาของครูและสถานการณ์ที่ไม่มั่นคงในทีม
ในปี 1773 นักเต้น Maximilian Gardel ถอดหน้ากากแบบดั้งเดิมออกเป็นครั้งแรกเท่านั้น ไม่นานนัก นักบัลเล่ต์ Marie Camargo ก็บรรลุอิสระในการเคลื่อนไหวโดยลดกระโปรงของเธอให้สั้นเหนือข้อเท้าและปฏิเสธที่จะใช้ส้นสูง และ Marne Salle ก็เริ่มเต้นรำในชุดหลวมๆ เบาบางที่ชวนให้นึกถึงเสื้อคลุมกรีก การเต้นรำค่อยๆมีความหมายมากขึ้น
ได้แต่หวังว่าการศึกษาการเต้นแบบส่วนตัวจะพัฒนาอย่างมีพลวัตมากขึ้น และเช่นเดียวกับในโลกตะวันตกที่มีสังคมบัลเลต์เพิ่มขึ้น ก็จะกลายเป็นงานอดิเรกยอดนิยมสำหรับเด็กและเยาวชนที่ไม่จำเป็นต้องเกี่ยวข้องกับชีวิตการทำงาน การประชุมในวันเสาร์เป็นเรื่องพิเศษ ไม่เพียงเพราะสถานที่เท่านั้น แต่ยังเป็นเพราะสภาพอากาศด้วย เมื่อปรากฎว่า คุณสามารถขยายช่องทางที่นักบัลเลต์วัฒนธรรมมีบทบาทในชีวิตทางวัฒนธรรมของเราและศิลปินที่มีส่วนร่วมในงานศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์นี้ได้ด้วยวิธีที่แตกต่างออกไปมาก
น่าเสียดายที่หลายคนยังไม่สังเกตว่าในฉากดนตรีและการเต้นรำของโปแลนด์เรามีดาราที่แท้จริงที่สามารถส่งเสริมบัลเล่ต์ได้อย่างกว้างขวางมากขึ้นหากมีเพียงสื่อเท่านั้นที่แสดงความรู้ ความเป็นมืออาชีพ และความเฉลียวฉลาด น่าเสียดายที่มีเพียงไม่กี่คนเช่นนักร้องชาวโปแลนด์ที่ได้รับการประชาสัมพันธ์ไปทั่วโลกเท่านั้นที่สามารถวางใจในความสนใจของสื่อมวลชนได้ Maxim Voitiul เต้นรำในสถานที่ต่างๆ ทั่วโลก ทำงานร่วมกับนักออกแบบท่าเต้นที่เก่งที่สุด สร้างงานบัลเลต์ที่สวยงามที่สุดและซับซ้อนที่สุด น้อยคนนักที่จะพูดแบบนี้ และน้อยคนนักที่อยากเจอเขา
นักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Jean-Georges Noverre (ค.ศ. 1727-1810) มีส่วนร่วมอย่างมากในการพัฒนาบัลเล่ต์ของยุโรปตะวันตก ใน "Letters on Dance" (พ.ศ. 2303) เขาเรียกร้องให้มีการสร้างสรรค์การเต้นรำที่ "มีประสิทธิภาพ" นั่นคือ การเต้นรำที่มีความหมายและแสดงออก ซึ่งความรู้สึก ความคิด และเหตุการณ์จะถูกเปิดเผยในการแสดงละครใบ้และการเต้นรำ แนวคิดขั้นสูงเหล่านี้ Noverre สามารถนำไปใช้เพียงบางส่วนในการแสดงบัลเลต์ที่จัดขึ้นที่ศาลดยุกในสตุตการ์ตและบนเวทีอื่นๆ
เขาไม่ใช่คนเดียวที่สมควรได้รับความสนใจและชื่นชมในวงกว้าง เรามีนักเต้นบัลเลต์ฝีมือเยี่ยมที่หายสาบสูญไปโดยจดจำแต่เรื่องวุ่นวายจากผู้ที่ชื่นชอบเพียงไม่กี่คนเท่านั้น! Gardzina-Kubala จบการศึกษาจากคณะภาษาศาสตร์ประยุกต์และภาษาสลาฟตะวันออกที่มหาวิทยาลัยวอร์ซอว์ และศึกษาระดับสูงกว่าปริญญาตรีที่มหาวิทยาลัยเดียวกัน รวมถึงทฤษฎีการเต้นรำที่ Academy of Music Fryderyk Chopin ในวอร์ซอว์ นักข่าวผู้คลั่งไคล้นักวิจารณ์ดนตรีและบัลเลต์ เธอได้ร่วมมือกับนิตยสารดนตรีระดับมืออาชีพของโปแลนด์ นิตยสารโรงละครโอเปร่าในวอร์ซอว์และพอซนาน
มุมมองของโนเวอร์มีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาบัลเลต์ต่อไป เครื่องแต่งกายและหน้ากากแบบดั้งเดิมถูกละทิ้ง นักเต้นบัลเลต์เริ่มเต้นในชุดหลวมๆ เบาบาง ท่าเต้นของพวกเขาเป็นธรรมชาติ แสดงออก และหลากหลายมากขึ้น นักเรียนและผู้ติดตามของ Noverre ได้สร้างการแสดงบัลเลต์ครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของการออกแบบท่าเต้น โดยผสมผสานดนตรี เครื่องแต่งกาย ทิวทัศน์ และการเต้นรำที่มีความหมายและจิตวิญญาณเข้าด้วยกัน จัดแสดงโดย Dauberval เมื่อกว่าร้อยห้าสิบปีที่แล้วบัลเล่ต์ "Vain Precaution" ยังคงมีชีวิตอยู่บนเวทีของโรงละครบัลเล่ต์จนถึงทุกวันนี้
เธอตีพิมพ์บทความและบทสัมภาษณ์ศิลปินโอเปร่าและบัลเลต์กว่า 3,000 เรื่องที่ Troubadour Club ทุกไตรมาส Slulatsky ในวอร์ซอว์เป็นครูสอนโอเปร่าและบัลเลต์ เข้าเรียนในโรงเรียนประถมและมัธยมหลายแห่งพร้อมบรรยายเกี่ยวกับศิลปะบัลเลต์ มีส่วนร่วมในการแก้ไขโปรแกรมการแสดงโอเปร่าและบัลเลต์และคอนเสิร์ต, แก้ไขโปสเตอร์และสิ่งพิมพ์ข้อมูลของโรงละคร, เขียน ข้อความต้นฉบับสำหรับการเขียนโปรแกรมและแก้ไขเว็บไซต์ของโรงละคร
เขายังเป็นผู้เขียนร่วมของหนังสือเด็กในสตูดิโอชุด Ballet Tales เธอจัดการประชุมร่วมกับศิลปินโอเปร่าและบัลเลต์ เกี่ยวกับโอเปร่าสำหรับของหวานที่สโมสร อาคารพาณิชย์ในย่านเมืองเก่าของวอร์ซอว์และอยู่ภายใต้กรอบของมูลนิธิ Terpsichora พบกับการเต้นรำและเวิร์กช็อปสำหรับเด็กในวอร์ซอว์อาร์ตฟาร์มาซีแกลเลอรี ผู้แต่งบล็อกบัลเล่ต์ "On the toes" ปัจจุบันเขากำลังมีผลงานภาพยนตร์ของชิคาเน็ก
ในช่วงหลายปีของการปฏิวัติชนชั้นนายทุนฝรั่งเศส ศิลปะบัลเลต์ได้รับการเสริมแต่งด้วยองค์ประกอบของการเต้นรำพื้นบ้าน ซึ่งก่อนหน้านี้ไม่เป็นที่ยอมรับสำหรับศิลปินในราชสำนัก ศิลปะแห่งยุคปฏิวัติหันไปหาภาพวีรบุรุษในสมัยโบราณ
หนึ่งในผลงานการออกแบบท่าเต้นที่โดดเด่นในยุคนั้น "The Offer to Freedom" สร้างสรรค์โดยนักออกแบบท่าเต้นปิแอร์ การ์เดล มีการนำการเต้นรำเข้ามาประกอบกับดนตรีของ Marseillaise
ศิลปะการเต้นบัลเลต์จะไม่รู้จักดอกไม้ดอกนี้หากปราศจากความหลงใหลในการเต้นรำของกษัตริย์ เป็นผลจากการปรับปรุงและการเปลี่ยนแปลงที่เริ่มขึ้นในฝรั่งเศสเมื่อ 350 ปีที่แล้วในราชสำนักของกษัตริย์ที่เรียกว่า Sun King เขาเห็นว่าบัลเลต์ซึ่งเป็นความหลงใหลอันยิ่งใหญ่ของเขาได้รับการยกระดับให้เป็นศิลปะของราชวงศ์โดยผ่านการจัดตั้งสถาบันด้วยการก่อตั้ง Royal Academy of Dance ในเดือนมีนาคม ซึ่งเป็นความคิดริเริ่มที่ไม่เหมือนใครในประเทศอื่น ๆ Royal Academy of Dance เป็นสถาบันแห่งที่สามที่ก่อตั้งขึ้นในฝรั่งเศส รองจาก Académie française และ Royal Academy of Painting and Sculpture และก่อนหน้า Royal Academy of Sciences และ Royal Academy of Music
ในศตวรรษที่สิบแปด การออกแบบท่าเต้นนั้นอุดมไปด้วยความหมายที่แสดงออก นักเต้นบัลเลต์ที่สวมเสื้อคลุมบางเบาและรองเท้าแตะสามารถเต้นด้วยนิ้วเท้าสูงครึ่งนิ้วได้แล้ว การเคลื่อนไหวของมือเป็นอิสระและเป็นพลาสติก ในการแสดงออกทางสีหน้า การเคลื่อนไหว ท่าทาง นักแสดงพยายามที่จะถ่ายทอดความรู้สึกของตัวละครของพวกเขา
ประมาณปี ค.ศ. 1800 มีการคิดค้นชุดถักแบบรัดรูป สีเนื้อ) และการเคลื่อนไหวของนักเต้นได้รับอิสระอย่างเต็มที่ ระดับทักษะการเต้นเพิ่มขึ้นอย่างมาก อย่างไรก็ตาม การเต้นรำของผู้ชายยังคงมีพรสวรรค์มากกว่าผู้หญิง
ที่น่าสนใจคือ Royal Academy of Dance ไม่เคยรวมกับ Royal Academy of Music และต่อมาได้กลายเป็น Paris Opera นักวิชาการคนแรกรวมถึง 13 คนในเวลานั้นเป็นนักออกแบบท่าเต้นที่มีชื่อเสียงที่สุดในฝรั่งเศส ในจำนวนนี้มีอองรี พรีโวสต์ ปรมาจารย์บัลเลต์ของหลุยส์ และฟร็องซัว กาล็องด์ ดู เดสเซิร์ต ปรมาจารย์บัลเลต์ในพระราชินี
Royal Academy of Dance หยุดดำเนินการภายในหนึ่งปี การสร้างมันยังคงเป็นการกระทำทางการเมืองครั้งแรกที่สนับสนุนศิลปะการเต้นรำ น่าเสียดายที่แม้ว่าเป้าหมายของสถาบันคือการทำให้การเต้นรำเป็นทางการและเป็นปกติ แต่ก็ไม่มีเอกสารใดเป็นหลักฐานยืนยันผลงานของเขา เป็นที่ทราบกันดีว่าสมาชิกของ Academy เริ่มทยอยได้รับคัดเลือกจาก Paris Opera Ballet โดยอุทิศกิจกรรมของพวกเขาเพื่อฝึกฝนนักเต้นบัลเลต์และด้วยเหตุนี้จึงมีส่วนช่วยในการสร้างโรงเรียนบัลเล่ต์ฝรั่งเศส
จากความสำเร็จของศิลปะบัลเลต์ นักเต้นและครูชาวอิตาลี คาร์โล บลาซิส (พ.ศ. 2346-2421) ได้พัฒนาระบบการสอนเต้นโดยอิงจากตำแหน่งเริ่มต้นของขาห้าตำแหน่ง Blazis ใช้ "คลังแสง" ของการเคลื่อนไหวที่ยืมมาจากรุ่นของศิลปินและนักออกแบบท่าเต้นจากการเต้นรำพื้นบ้านและการเต้นรำในราชสำนัก จากศิลปะโบราณ ระบบนี้ถูกเรียกว่า "คลาสสิก" ในภายหลัง
ศิษยาภิบาลย้ายไปที่โรงละครแห่ง Łódź Wilki Theatre ศิลปินเดี่ยวมีบทบาทสำคัญในการแสดงบัลเลต์คลาสสิกที่ไม่ใช่คลาสสิกและการเต้นร่วมสมัย บาทหลวงกลายเป็นนักออกแบบท่าเต้นที่ได้รับการยอมรับในระดับสากล ศิษยาภิบาลร่วมกับฮันส์ ฟาน มานน์ กลายเป็นนักออกแบบท่าเต้นบัลเลต์ชาวดัตช์ เอดินเบอระ สกอตแลนด์ ร่วมกับคณะบัลเลต์ นักออกแบบท่าเต้นแสดงโรมิโอและจูเลียตในเวอร์ชันดั้งเดิมของเขาในมูฟวี่รูมและเชเฮราซาด การแสดงสองครั้งสุดท้ายในเทศกาลดัตช์ดำเนินการโดยคณะบัลเลต์แห่งชาติของประเทศนั้น
ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ XIX ในที่สุดโรงเรียนบัลเลต์คลาสสิกของอิตาลีและฝรั่งเศสก็ก่อตั้งขึ้น
โรงละครบัลเลต์อิตาลีโดดเด่นด้วยเทคนิคอัจฉริยะ การกระโดดที่ซับซ้อน การเคลื่อนไหวของมือที่แข็งและเฉียบคม บางครั้ง เพื่อความเฉลียวฉลาดภายนอกและความเก่งกาจ ผู้แสดงยอมสละความหมายและการแสดงออกของการเต้นรำ นักออกแบบท่าเต้น S. Vigano ผู้ประสบความสำเร็จในการแสดงบัลเลต์ที่จริงจังและซับซ้อนประกอบเพลงของเบโธเฟน ไปจนถึงโศกนาฏกรรมของเชกสเปียร์ ยังคงอยู่คนเดียวที่โรงละคร La Scala ในมิลาน
ผลงานชิ้นสุดท้ายของเขาในอัมสเตอร์ดัมคือการเต้นรำของดัมบาร์ตัน และนิจินสกี้เป็นนักเต้น ตัวตลก และพระเจ้า นอกจากนี้เขายังออกแบบโปรเจ็กต์ขนาดเล็กสำหรับนักบัลเลต์เดี่ยวโดยเฉพาะ Australian Ballet เต้นรำในปารีสสำหรับ Fantastic Symphony ศิษยาภิบาลจัดขึ้นที่เมืองโกรนิงเก้นในการแข่งขัน International Jury Member of the Eurovision Choreography Competition for Young Dancers in Warsaw, New York International Ballet Competition และ Jury Member of the Polish National Dance Competition ที่เมือง Gdansk บาทหลวงกลับไปที่โรงอุปรากรแห่งชาติโปแลนด์ในกรุงวอร์ซอว์
บทคัดย่อเฉพาะเรื่องในภาษาลิทัวเนีย
ที่นี่เขาสร้างภาพยนตร์ไตรภาคโดยอิงจากดนตรีของ Richard Wagner บาทหลวงได้รับรางวัลอันทรงเกียรติจาก Union of Artists of the Polish Theatre ใน Terpsichore หัวข้อนี้มีไว้สำหรับการแนะนำอย่างละเอียดเกี่ยวกับรูปแบบพื้นฐานและเทคนิคการเคลื่อนไหว พัฒนาการทางประวัติศาสตร์ของการเต้นรำ และผู้สร้างหลัก แนะนำตัวมากที่สุด แบบฟอร์มที่สำคัญการเคลื่อนไหวทางศิลปะตั้งแต่บัลเลต์ การเต้นรำสมัยใหม่และหลังสมัยใหม่ไปจนถึงโรงละครเต้นรำ โรงละครกายภาพ การแสดง บทความวิเคราะห์บทบาทของการเคลื่อนไหวในศิลปะการเคลื่อนไหวและบทบาทของการเคลื่อนไหวในเมนูเวทีสหวิทยาการสมัยใหม่
โรงเรียนบัลเล่ต์ฝรั่งเศสมีชื่อเสียงในด้านความสง่างามความเป็นพลาสติกความนุ่มนวลของเส้นซึ่งแตกต่างจากอิตาลี แต่ในขณะเดียวกันก็มีการแสดงที่เย็นชา การแสดงบัลเลต์ในฝรั่งเศสศตวรรษที่ 18 มักจะวางพล็อตโบราณหรือตำนาน
ศิลปินของโรงละครหลวงไม่ได้พยายามทำซ้ำลักษณะทางประวัติศาสตร์หรือของชาติอย่างซื่อสัตย์ แต่เลียนแบบมารยาทและเครื่องแต่งกายในราชสำนัก คนเลี้ยงแกะชาวกรีกโบราณขึ้นไปบนเวทีโดยสวมรองเท้าส้นสีแดง สวมวิกผมสีฝุ่นกับช่อดอกไม้ ทั้งหมดนี้ก่อให้เกิดความผิดหวังในความคลาสสิกของนักออกแบบท่าเต้นและศิลปินจำนวนมาก ผลักดันให้พวกเขาค้นหาวิธีการใหม่ๆ ที่สามารถถ่ายทอดความจริงของชีวิตได้อย่างเต็มที่มากขึ้น
เป้าหมายคือสอนนักเรียนให้รู้จักรูปแบบนาฏศิลป์และศิลปะที่สำคัญที่สุดและเทคนิคการเคลื่อนไหว วิเคราะห์ศิลปะการร่ายรำ ใช้การเคลื่อนไหวในโรงละครและศิลปะการแสดงที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิม ประเมินผลงานนาฏศิลป์และการเคลื่อนไหว แล้วนำเสนอต่อสภา สาธารณะ.
บทคัดย่อเฉพาะเรื่องในภาษาต่างประเทศ
หลักสูตรนี้ออกแบบมาเพื่อวิเคราะห์รูปแบบและเทคนิคพื้นฐานของการแสดงละครและการเต้นรำ เขาสำรวจโรงละครและการเต้นรำ รวมถึงหัวข้อต่างๆ เช่น บัลเลต์คลาสสิก การเต้นรำร่วมสมัยและหลังสมัยใหม่ โรงละครเต้นรำ การเคลื่อนไหวในโรงละครแบบดั้งเดิม โรงละคร และศิลปะการแสดง กลยุทธ์การเรียนรู้ ได้แก่ การบรรยาย วิดีโอ และการอภิปราย เมื่อสำเร็จหลักสูตรแล้ว นักศึกษาควรสามารถให้ข้อเท็จจริงที่สำคัญ ความหมาย และลักษณะเฉพาะของนาฏศิลป์รูปแบบต่างๆ ได้ และวิเคราะห์บทบาทของการเคลื่อนไหวในการแสดงละครต่างๆ
ในรัสเซีย ศิลปะบัลเลต์มืออาชีพปรากฏในศตวรรษที่ 18 แม้ว่าในตอนแรกครูและผู้อำนวยการจะเป็นชาวต่างชาติ แต่นักเต้นชาวรัสเซียก็รับรู้อย่างสร้างสรรค์จากพวกเขาถึงสิ่งที่ตรงตามข้อกำหนดของวัฒนธรรมการเต้นรำของรัสเซียซึ่งเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการเต้นรำพื้นบ้าน พวกเขาพยายามเติมองค์ประกอบที่ยืมมาด้วยจิตวิญญาณของชาติ
นี่คือวิธีก่อตั้งโรงเรียนนาฏศิลป์คลาสสิกของรัสเซีย ขั้นตอนที่สำคัญที่สุดในการพัฒนานั้นเกี่ยวข้องกับการอยู่ในรัสเซียของนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Charles Didelot (พ.ศ. 2310 - 2380) ซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งแนวโรแมนติกในศิลปะบัลเล่ต์ ความรู้สึกของมนุษย์ที่มีชีวิต ความโอ่อ่าในบทกวีของเนื้อหาของภาพวาดศิลปะ การแสดงที่อิสระและกล้าหาญ นี่คือสิ่งที่ดึงดูดเขาเป็นพิเศษในการแสดงบัลเลต์ของเขา และเป็นคำใหม่ในวงการศิลปะ เขาช่วยศิลปินสร้างภาพประวัติศาสตร์ที่แท้จริง ตีความเนื้อหาของตำนานเก่าใหม่ จัดแสดงบัลเลต์ Acis และ Galatea, Zephyr และ Flora, Cupid และ Psyche บนพื้นฐานของพวกเขา
Didlo แนะนำ "บัลเล่ต์บิน" เป็นวิธีการแสดงออกทางศิลปะนั่นคือการบินของศิลปินบนเวทีโดยใช้อุปกรณ์เชิงกล
ขณะที่ยังอยู่บนเวทีอังกฤษ Didlo เริ่มแสดงบัลเลต์แนวสมจริง แต่การสร้างสรรค์ที่โดดเด่นที่สุดของ Didelot คือบัลเล่ต์ที่น่าทึ่ง The Prisoner of the Caucasus (อิงจาก A. S. Pushkin), The Hungarian Hut และ Raul de Kreki ที่เขาจัดแสดงในรัสเซีย Didlo ซึ่งคนในรุ่นราวคราวเดียวกับเขาเรียกว่า "เชกสเปียร์และไบรอนแห่งเวทีบัลเลต์" สลับระหว่างตอนที่ตลกและดราม่าอย่างชำนาญ ทำให้ผู้ชมต้องติดตามชะตากรรมของตัวละครด้วยความเห็นอกเห็นใจอย่างสุดซึ้ง จริงอยู่ในบัลเล่ต์ของ Didelot ยังมีละครใบ้จำนวนมากและการเต้นรำก็มีลักษณะเสริมเนื่องจากตัวละครส่วนใหญ่เต้นในงานเลี้ยงและงานเฉลิมฉลองทุกประเภท
ในรัสเซีย Didlo นำเสนอเรื่องดังกล่าว นักบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงเช่น Avdotya Istomina และ Maria Danilova หลังจาก Didelot กับคนรุ่นใหม่แต่ละคนบัลเล่ต์รัสเซียก็มีความโดดเด่นมากขึ้น
นักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซีย Valberkh และ Glushkovsky นำธีมประจำชาติมาใช้ในบัลเล่ต์
ไม่สามารถสร้างการแสดงบัลเลต์ได้หากไม่มีนักออกแบบท่าเต้น เขาเปิดเผยเนื้อหาของเพลงที่เขียนโดยนักแต่งเพลงในภาพการเต้นรำ คิดเกี่ยวกับองค์ประกอบและการผสมผสานของการเต้นรำ พัฒนาบทบาททั้งหมด ในรูปแบบศิลปะของภาพนาฏศิลป์ที่ซับซ้อน ประสบการณ์ทางอารมณ์จิตวิญญาณของมนุษย์พุ่งทะยานอย่างทรงพลัง บางครั้งในการเต้น นักออกแบบท่าเต้นสามารถแสดงความคิดและความรู้สึกได้ไม่น้อยไปกว่าคำพูด จินตนาการอันสร้างสรรค์ของ Didlo ก่อกำเนิดบัลเลต์สุดโรแมนติก แสดงออกถึงความปรารถนาอันสูงส่ง บทกวีแห่งความฝันและเทพนิยาย สิ่งมีชีวิตที่น่าอัศจรรย์ทุกประเภท - เอลฟ์, ซิลฟ์, ผีและเงา - กลายเป็นวีรบุรุษของบัลเล่ต์โรแมนติก นางระบำ Maria Taglioni และพ่อของเธอ Philippe Taglioni นักออกแบบท่าเต้นอายุ 30 ปี ศตวรรษที่ 19 ตัวแทนทั่วไปที่สุดของบัลเล่ต์ใหม่นี้
บัลเล่ต์ที่ดีที่สุดของยุคโรแมนติก - "F, n-zel" จัดแสดงในปี พ.ศ. 2384 ในปารีส มันแสดงให้เห็นถึงโศกนาฏกรรมของหญิงสาวชาวนาที่บริสุทธิ์และไว้ใจได้ซึ่งตกใจอย่างมากจากการนอกใจของที่รักของเธอ Giselle เสียชีวิตด้วยความเศร้าโศกและกลายเป็นเทพธิดาแห่งป่า - Wilis บัลเลต์อายุน้อยนิรันดร์นี้พูดภาษาของการเต้นรำเกี่ยวกับความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม และยังคงรวมอยู่ในละครของโซเวียตและโรงละครต่างประเทศ
การสร้างยุคโรแมนติกที่น่าตื่นเต้นไม่น้อยคือบัลเล่ต์ "Esmeralda" ซึ่งจัดแสดงโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศสที่โดดเด่น J. Per-ro (1810-1892) จากนวนิยายเรื่อง "Notre Dame Cathedral" โดย V. Hugo ที่นี่ไม่มีสัตว์มหัศจรรย์แม้แต่ตัวเดียว แปร์โรลต์พยายามที่จะแสดงออกโดยตรงถึงการกระทำที่น่าทึ่งในการเต้นรำ ความสามารถของนักออกแบบท่าเต้นนี้ไม่ได้รับการยอมรับจากที่บ้านและมีความเจริญรุ่งเรืองในอังกฤษและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในรัสเซีย
ประวัติของบัลเล่ต์รัสเซียนั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับพัฒนาการของดนตรีคลาสสิกของรัสเซีย ก่อนการถือกำเนิดของดนตรีบัลเลต์โดย P. I. Tchaikovsky ดนตรีทำหน้าที่เป็นดนตรีประกอบการเต้นรำเท่านั้น: จำเป็นต้องมีจังหวะจังหวะและทำนองที่จับใจเท่านั้น ดนตรีซิมโฟนิกบัลเลต์ของไชคอฟสกี ทุ้มลึก มีสีสัน สื่ออารมณ์ ช่วยให้ผู้ชมนึกถึงสิ่งที่ไม่สามารถแสดงออกมาในการเต้นได้ ในบัลเลต์ The Nutcracker นักแต่งเพลงได้เปิดเผยโลกแห่งความฝันที่สดใสและสนุกสนานของเด็กๆ ใน Swan Lake เขาพูดถึงความรักที่ทำลายคาถาชั่วร้าย ใน The Sleeping Beauty เขาแสดงให้เห็นชัยชนะของความดีเหนือความชั่ว ความงามและความบริสุทธิ์ของโลกภายในของบุคคลซึ่งร้องโดยไชคอฟสกีได้กลายเป็นเนื้อหาหลักของศิลปะบัลเล่ต์ของรัสเซียตลอดไป
ในขณะที่ทำงานใน The Sleeping Beauty ไชคอฟสกีได้หันไปขอคำแนะนำจาก Marpus Petipa (1822-1910) นักออกแบบท่าเต้นที่ยอดเยี่ยมซ้ำแล้วซ้ำอีก เป็นชาวฝรั่งเศสโดยกำเนิด เขาอุทิศเวลาเกือบหกสิบปีให้กับบัลเล่ต์รัสเซีย Petipa ผู้เชี่ยวชาญการเต้นรำคลาสสิกผู้ยิ่งใหญ่ ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในบัลเล่ต์ Sleeping Beauty, Don Quixote, La Bayadère ซึ่งการเต้นรำดูเหมือนจะผสานเข้ากับดนตรี
Lev Ivanov (1834-1901) ผู้อำนวยการบัลเลต์ที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งของ Tchaikovsky ได้สร้างระบำหงส์ที่มีโคลงสั้น ๆ ที่น่าทึ่งใน Swan Lake (องก์ที่ 2 และ 4 ของบัลเลต์) อีวานอฟพยายามที่จะแสดงออกถึงความสมบูรณ์ของเนื้อหาดนตรีในการเต้นรำ
การผสมผสานที่สมบูรณ์ของดนตรี การเต้นรำ และการวาดภาพในการแสดงบัลเลต์ประสบความสำเร็จเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 นักออกแบบท่าเต้น M. Fokin และ A. Gorsky พวกเขาประสบความสำเร็จไม่เพียงแต่ในการจำลองชีวิตบนเวทีบัลเลต์อย่างซื่อสัตย์เท่านั้น แต่ยังประสบความสำเร็จในการค้นหาวิธีการแสดงความรู้สึกที่แตกต่างกันซึ่งสอดคล้องกับเนื้อหาสำหรับบัลเลต์แต่ละเรื่องด้วย Gorsky และ Fokin ร่วมมือกับศิลปินที่ดีที่สุด ระดับสูงศิลปะการแสดงละคร
ทางตะวันตกในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่สิบเก้า บัลเลต์ทรุดโทรม สูญเสียความสำคัญโดยอิสระ และกลายเป็นส่วนต่อท้ายของโอเปร่า ในขณะที่ศิลปะบัลเลต์รัสเซียยังคงพัฒนาคุณลักษณะที่ดีที่สุดของบัลเลต์คลาสสิกต่อไป
บัลเล่ต์คลาสสิกโดดเด่นด้วยรูปแบบการเคลื่อนไหวที่เข้มงวด ความบริสุทธิ์อันสูงส่ง และจิตวิญญาณแห่งการประหารชีวิต
ทุกวิถีทางในการแสดงบัลเลต์คลาสสิกใช้เพื่อเปิดเผยเนื้อหาอันลึกซึ้ง ประสบการณ์อันซับซ้อนของตัวละคร ทัวร์บัลเล่ต์รัสเซียในปารีสและลอนดอน (ต้นศตวรรษที่ 20) สร้างความประทับใจให้กับผู้ชมชาวตะวันตก Anna Pavlova นักบัลเล่ต์ชาวรัสเซียที่โดดเด่นได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในนักเต้นที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโรงเรียนคลาสสิก ในการเต้นรำ "The Dying Swan" (ดนตรีโดย Saint-Saens จัดแสดงโดย M. Fokine) ซึ่งกินเวลาเพียงสามนาที Pavlova ได้เปิดเผยประสบการณ์ทั้งหมด ทักษะอันยอดเยี่ยมของนักออกแบบท่าเต้นและศิลปินชาวรัสเซีย ศิลปะที่ได้รับแรงบันดาลใจจาก Lina Pavlova มีผลกระทบอย่างมากต่อการฟื้นฟูบัลเลต์ยุโรป Pavlova และหลังจากครูคนอื่น ๆ ของเธอได้เปิดโรงเรียนนาฏศิลป์คลาสสิกในอังกฤษ ศิลปินที่มีพรสวรรค์ได้รับการฝึกฝนโดยพวกเขาได้จัดตั้งคณะละครมืออาชีพที่ยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน (บัลเล่ต์ Marie Rambert, Royal Ballet - เดิมคือ Sadler's Wells) ละครของพวกเขาไม่เพียง แต่รวมถึงบัลเล่ต์โดยนักแต่งเพลงชาวรัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลงานที่ยอดเยี่ยมของไชคอฟสกีด้วย
ในช่วงทศวรรษที่ 30 ศตวรรษที่ 20 บัลเลต์แห่งชาติได้รับการฟื้นฟูในฝรั่งเศส อิตาลี และประเทศอื่นๆ เขายืมมากจากโรงเรียนนาฏศิลป์คลาสสิกของรัสเซียและโซเวียตซึ่งเป็นที่นิยมอย่างมากในตะวันตก
มรดกคลาสสิกที่ดีที่สุดของโรงเรียนรัสเซียได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในบัลเล่ต์โซเวียต ของเขาโดยถูกต้อง. ถือได้ว่าเป็นศิลปะการออกแบบท่าเต้นใหม่ขั้นสูง การเต้นรำคลาสสิกในบัลเล่ต์โซเวียตตามข้อกำหนดของยุคของเรากำลังพัฒนาปรับปรุงและเพิ่มคุณค่าดูดซับอย่างต่อเนื่อง คุณสมบัติที่ดีที่สุดนาฏศิลป์ของประเทศเรา
บนเวทีโซเวียต "Swan Lake", "Sleeping Beauty", "Giselle" มีชีวิตอยู่ ชีวิตใหม่. หลังจากเก็บรักษาทุกสิ่งที่มีคุณค่าจากการแสดงในอดีต พวกเขาตื้นตันใจกับการรับรู้ดนตรีที่แตกต่าง แนวคิดใหม่เกี่ยวกับความยิ่งใหญ่และความสวยงามของชีวิต เต็มไปด้วยความตึงเครียดที่น่าทึ่งเป็นพิเศษ ศิลปะบัลเลต์ของโซเวียตพยายามที่จะเปิดเผยสิ่งที่ดีที่สุดในตัวบุคคล ความร่ำรวยทั้งหมดในโลกภายในของเขา ไม่เพียงทำให้ตาพอใจเท่านั้น แต่ยังปลุกแรงบันดาลใจอันสูงส่ง ความรู้สึกสูงส่ง และความคิดของผู้ชมอีกด้วย
ศิลปะแต่ละชิ้นบอกเล่าประสบการณ์ของมนุษย์ ความคิด ความรู้สึก เกี่ยวกับเหตุการณ์ต่างๆ ในรูปแบบต่างๆ ไม่ว่าจะเป็นเรื่องจริง ในปัจจุบัน และทางประวัติศาสตร์หรือมหัศจรรย์ และศิลปะทุกแขนงมีเงื่อนไขในแบบของมันเอง และบางทีละครเพลง - โอเปร่าและโดยเฉพาะอย่างยิ่งบัลเล่ต์ - เป็นเรื่องธรรมดาที่สุด ทำไม "โดยเฉพาะบัลเล่ต์"? เพราะแม้แต่ในโอเปร่าที่ตัวละครร้องเพลงแทนที่จะเป็นคำพูดปกติพวกเขาก็ร้องเพลง และคำที่เข้าใจง่าย - คุ้นเคย
ไม่เป็นเช่นนั้นในบัลเล่ต์ บัลเล่ต์ไร้คำพูด พื้นฐานคือการเต้นรำและโขน การเต้นรำประกอบด้วยการเคลื่อนไหวที่แยกจากกันซึ่ง มีการเต้นรำที่ประกอบกันเป็นการแสดงบัลเลต์ที่สามารถบอกเล่าเหตุการณ์ต่างๆ และสถานะต่างๆ ของจิตวิญญาณของตัวละคร...บอกอย่างเงียบๆ โดยการเคลื่อนไหวร่างกาย การแสดงออกทางสีหน้า สีหน้าของศิลปินเท่านั้น
แต่เพื่อที่จะเป็นศิลปินที่สามารถพูดภาษาการเต้นรำท่าทางได้คุณต้องมีความสามารถพิเศษพรสวรรค์และเรียนที่โรงเรียนพิเศษ
วิชาหลักในโรงเรียนบัลเล่ต์คือ การเต้นรำแบบคลาสสิกมีสาขาวิชาพิเศษอื่น ๆ อีกมากมาย: ดนตรี, ทักษะการแสดง, การเต้นรำคู่, นั่นคือ, การเต้นรำด้วยกัน, ประวัติศาสตร์และชีวิตประจำวัน, เวทีพื้นบ้าน, การเต้นรำที่มีลักษณะเฉพาะ ฯลฯ ทั้งหมดนี้จำเป็นสำหรับนักเรียนของโรงเรียนในการเป็นนักเต้นบัลเลต์ ในระหว่างการศึกษาร่างกายของศิลปินในการเต้นรำจะกลายเป็นพลาสติกและแสดงออกได้ นอกจากนี้ทุกวิชาจะจัดขึ้นที่นี่ตามหลักสูตรของโรงเรียนปกติ
การแสดงบัลเลต์ประกอบด้วยองค์ประกอบหลายอย่าง: รากฐานทางวรรณกรรม (บทประพันธ์ สคริปต์) ดนตรีและการออกแบบท่าเต้น ซึ่งนักแต่งเพลง (ผู้แต่งเพลง) และนักออกแบบท่าเต้น (นักออกแบบท่าเต้น) ซึ่งเป็นผู้ประพันธ์ท่าเต้นเป็นผู้ดำเนินการ ฉากเต้นรำทั้งหมดต้องสอดคล้องกับเนื้อหาของบทเพลง อารมณ์ของเพลง บทประพันธ์ ดนตรี และการออกแบบท่าเต้นจำเป็นต้องมีการออกแบบที่เหมาะสม ศิลปินพบเขา
ทิวทัศน์ไม่เพียงสร้างสถานที่ในการดำเนินการ แต่ยังสร้างบรรยากาศที่ช่วยให้ผู้ชมเข้าใจลักษณะของตัวละคร แนวคิดของงาน เครื่องแต่งกายมีบทบาทพิเศษในบัลเล่ต์ ควรมีความโดดเด่นด้วยความเบาและด้วยสีและรูปร่างที่สอดคล้องกับบุคลิกของตัวละครแต่ละตัว แต่ในขณะเดียวกันก็เป็นเพียงคำใบ้และเข้าใกล้ชุดประจำวันหรือชุดประวัติศาสตร์อย่างมีเงื่อนไข: นักเต้นบัลเล่ต์บนเวทีควรแต่งกายในลักษณะที่ไม่รบกวน แต่ช่วยเคลื่อนไหว ผู้ประพันธ์การแสดงทั้งหมด - นักแต่งเพลง นักออกแบบท่าเต้น และศิลปิน โดยเริ่มต้นจากเนื้อหาที่กำหนดไว้ในรูปแบบวรรณกรรม สร้างสรรค์งานศิลปะของตนเอง เช่น ดนตรี การเต้นรำ ภาพ แต่พวกเขารวมเข้าด้วยกันอย่างกลมกลืนจากนั้นต่อหน้านักแสดงที่มีความสามารถทั้งหมดก็เกิดขึ้น - บัลเล่ต์, การแสดงบัลเลต์.
เช่นเดียวกับในละครหรือโอเปร่า การสร้างบัลเล่ต์เริ่มต้นด้วยการเล่น แต่การเล่นที่นี่มีความพิเศษ: บทละคร (สถานการณ์จำลอง) กำหนดเหตุการณ์หลักไว้ค่อนข้างสั้น บทส่วนใหญ่มักจะอิงจากงานวรรณกรรมชั้นเยี่ยม โดยใช้ “จุดสังเกต*” ที่น่าทึ่งเป็นหลัก และนักออกแบบท่าเต้นที่มุ่งเน้นไปที่พวกเขา แต่งเพลงเต้นรำที่เผยให้เห็นแก่นแท้ของงานวรรณกรรม
ใครบ้างในพวกคุณที่จำเทพนิยายในวัยเด็กเมื่อไม่นานมานี้ไม่ได้ - "Sleeping Beauty" โดย Perrault หรือ "The Nutcracker" โดย Hoffmann พวกเขาทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับบัลเล่ต์ที่สวยงามสำหรับดนตรีของไชคอฟสกี ทุกท่านได้อ่านหรือกำลังจะอ่านบทกวีของพุชกินเรื่อง The Fountain of Bakhchisarai และโศกนาฏกรรมโรมิโอกับจูเลียตของเชคสเปียร์ ฉันต้องการให้คุณรู้เกี่ยวกับการมีอยู่ของบัลเล่ต์ The Fountain of Bakhchisaray (ดนตรีโดย B. Asafiev), โรมิโอและจูเลียต (ดนตรีโดย S. Prokofiev) บัลเลต์เหล่านี้ได้รับแรงบันดาลใจจากอัจฉริยภาพของกวีผู้ยิ่งใหญ่ของโลก - วิลเลียม เชคสเปียร์ชาวอังกฤษ และอเล็กซานเดอร์ พุชกิน ชาวรัสเซีย...
แต่มีบัลเล่ต์ที่บทไม่ได้นำมาจากแหล่งวรรณกรรม แต่แต่งขึ้นโดยตั้งใจ ดังนั้นกวีชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ XIX T. Gauthier เขียนบทของ "Giselle" (ดนตรีโดย A. Adam) ซึ่งเชื่อมโยงกับตำนานของรถจี๊ปที่ Heine กล่าวถึงเพียงบางส่วนเท่านั้น
และมีบัลเล่ต์ที่ไม่มีพื้นฐานทางวรรณกรรมเลย พื้นฐานของพวกเขาคือดนตรี เนื้อหา และความคิดเท่านั้น นักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียผู้มีพรสวรรค์ Mikhail Fokin สร้างผลงานโดยแสดงความเข้าใจในดนตรีของโชแปงในการเต้นบัลเลต์ "Chopiniana" ที่ยอดเยี่ยม
และตอนนี้โดยใช้ตัวอย่างของบัลเล่ต์ยอดนิยมซึ่งจัดแสดงในโรงภาพยนตร์เกือบทุกแห่งในโลกเราจะพยายามวิเคราะห์องค์ประกอบของการแสดงบัลเล่ต์
คุณอาจเดาได้ว่าเรากำลังพูดถึง "Swan Lake" ของไชคอฟสกี เขาสร้างบัลเลต์เรื่องแรกในปี พ.ศ. 2419 โดยประพันธ์โดย V. Begichev และ V. Geltser
บทประพันธ์นั้นยอดเยี่ยม: พ่อมดชั่วร้ายหันกลับมา ผู้หญิงสวยเป็นหงส์ Odette ราชินีหงส์บอกเจ้าชายซิกฟรีดผู้สาบสูญเกี่ยวกับความเศร้าโศกของเพื่อน ๆ ของเธอเกี่ยวกับความโชคร้ายของเธอเอง รักแท้เท่านั้นที่จะช่วยเขาได้ ซิกฟรีดสาบานว่าจะช่วยชีวิตโอเด็ตต์และผู้ติดตามที่น่าเศร้าของเธอ แต่พ่อมดผู้ชั่วร้ายปรากฏตัวที่สนามบอลพร้อมกับโอไดล์ที่เป็นสองเท่าของโอเด็ตต์ ชายหนุ่มคิดว่าตรงหน้าเขาคือคนที่เขาพบในทะเลสาบหงส์อันน่าหลงใหล และตัวเขาเองก็ไม่รู้ว่าละเมิดคำสาบานว่าจะจงรักภักดีต่อโอเด็ตต์ ความสิ้นหวังของเธอนั้นไร้ขอบเขต แต่ซิกฟรีดรู้ถึงความผิดพลาดของเขารีบวิ่งไปที่ทะเลสาบ ในการต่อสู้ที่น่ากลัวเขาเอาชนะนักมายากลและปลดปล่อยหงส์จากคาถาชั่วร้ายชดใช้ความผิดโดยไม่สมัครใจต่อหน้าราชินีที่สวยงามของพวกมัน
เพลงกลายเป็นบทกวี ประเสริฐ และสดใสเป็นพล็อต เธอทำให้ทุกคนประหลาดใจด้วยการเปิดเผยเนื้อหาที่ยอดเยี่ยม เธอถ่ายทอดความรู้สึกที่แท้จริงของมนุษย์ สูงส่งและซับซ้อน ความเห็นอกเห็นใจ ความซื่อสัตย์ ความสับสนของจิตวิญญาณ การกลับใจ ความกล้าหาญ ความโศกเศร้าและความสุข - ทุกอย่างถูกเปิดเผยในท่วงทำนองที่ไม่ธรรมดาเหล่านี้ ... เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของการออกแบบท่าเต้นที่บัลเล่ต์ได้รับดนตรีไพเราะ: อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ลุ่มลึก เต็มไปด้วยความคิดและหลากหลายอารมณ์ ตั้งแต่ความเศร้าโศกและบทเพลงในอาณาจักรหงส์ ไปจนถึงความสุขและชัยชนะของ Odile ผู้ร้ายกาจ
การเต้นรำที่แต่งโดยนักบัลเลต์ฝีมือเยี่ยมของโรงละครเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Marius Petipa และ Lev Ivanov ซึ่งจัดแสดงในปี 1895 ถ่ายทอดสาระสำคัญของเหตุการณ์และอารมณ์ นักแสดงเป็นตัวเป็นตนอย่างสมบูรณ์ในดนตรี ใน Swan Lake มีการเต้นรำทุกประเภทที่นำมาใช้ในบัลเล่ต์คลาสสิก: ที่นี่และ คลาสสิกบริสุทธิ์ภาพหงส์และ การเต้นรำของตัวละคร(ชาวเนเปิล, มาซูร์กา ฯลฯ ) และ พิลึก(ส่วนตัวตลก) และ การเต้นรำทางประวัติศาสตร์และในชีวิตประจำวัน(โปโลเนส ฯลฯ ) พวกเขาทั้งหมดมีพื้นฐานร่วมกัน: โรงเรียนบัลเล่ต์คลาสสิกของรัสเซีย
ทิวทัศน์ของ Swan Lake ก็เหมือนกับการแสดงเก่าๆ อื่นๆ ตอนนี้ดูแตกต่างไปจากตอนที่บัลเลต์กำเนิดขึ้นอย่างสิ้นเชิง ศิลปินต่าง ๆ ในยุคต่าง ๆ มักจะมองหาภาพของตัวเองในธีมของบัลเลต์ ความคิดของดนตรี
อย่างไรก็ตาม ไม่เพียงแต่ทิวทัศน์และเครื่องแต่งกายเท่านั้นที่เปลี่ยนแปลงไปตามกาลเวลา เวลาทิ้งรอยไว้บนการแสดงทั้งหมด
บัลเล่ต์เป็นศิลปะที่มีชีวิต มันพัฒนาและเปลี่ยนแปลงไปตามชีวิต และนี่คือหนึ่งในคุณสมบัติที่น่าสนใจที่สุด
