Die erste Ballettproduktion der Welt. Ballett: Entstehungsgeschichte

BALLETT(von französisch balleto und lateinisch ballo – ich tanze) hat zwei Bedeutungen: 1. Eine Art Theater- und Musikkunst, in der künstlerisches Bild erstellt mit Choreografie, Tanz und plastischer Sprache. 2. Ballettaufführung.

Die Entstehung des Balletts

Ballett, die höchste Stufe der Choreographie (aus dem Griechischen choreia – Tanzen und grapho – Schreiben), bei der die Tanzkunst bis zur Ebene musikalischer Bühnenaufführungen erhebt, entstand als höfische Adelskunst viel später als der Tanz, im 15. 16. Jahrhundert. Der Begriff „Ballett“ erschien im Italien der Renaissance Im 16. Jahrhundert und meinte keine Performance, sondern eine Tanzepisode. Ballett ist eine synthetische Kunst, bei der Ballett, das wichtigste Ausdrucksmittel des Balletts, eng mit der Musik, mit einer dramatischen Grundlage – Libretto, mit Szenografie, mit der Arbeit eines Kostümbildners, Lichtdesigners usw. – verbunden ist. Das Ballett ist vielfältig: Handlung – klassisches narratives Mehrakter-Ballett, Drama-Ballett; Handlungslos – Sinfonieballett, Stimmungsballett, Miniatur. Je nach Genre kann Ballett komisch, heroisch oder folkloristisch sein. 20. Jahrhundert brachte neue Formen ins Ballett: Jazzballett, modernes Ballett.

Ballett in Renaissance, Barock und Klassizismus.

Besonders intensiv fand der Prozess der Theatralisierung des Tanzes in Italien statt, wo bereits im 14.-15. Jahrhundert. Die ersten Tanzmeister traten auf und auf der Grundlage des Volkstanzes entstanden Gesellschafts- und Hoftänze. In Spanien wurde der Handlungstanz der Szene als Seetanz (maurischer Tanz) bezeichnet, in England als Maske . Mitte des 16. – Anfang des 17. Jahrhunderts. Es entstand ein figürlicher, bildnerischer Tanz, geordnet nach der Art der Komposition geometrische Formen(ballo-figurato). Berühmt „Türkisches Frauenballett“ aufgeführt im Jahr 1615 am Hofe der Medici-Herzöge in Florenz. Am visuellen Tanz nehmen mythologische und allegorische Figuren teil. Vom Anfang des 16. Jahrhunderts. Bekannt sind Reiterballette, bei denen Reiter zu Musik, Gesang und Rezitation auf Pferden tänzelten ( „Turnier der Winde“, 1608; „Kampf der Schönheit“, 1616 Florenz). Die Ursprünge des Pferdeballetts führen zu den Ritterturnieren des Mittelalters.

Erste Ballettaufführung , der Musik, Worte und Pantomime vereinte, « „Circe und die Nymphen“ oder „Das Comedy-Ballett der Königin“ , wurde eingelegt 1581 vor Gericht Katharina von Medici(Paris) Italienischer Choreograf Baltazarini von Belgioioso Spitzname Beauzhuayer – „fröhlicher, gutaussehender Mann“, ein ausgezeichneter Geiger und Choreograf, der mit einem Orchester italienischer Geiger am Hofe von Katharina von Medici ankam. Anlässlich der Hochzeit des Herzogs von Joyeuse mit Margarita von Lothringen beauftragten die Medici Baltazarini mit der Organisation einer großen Feier. Die Aufführung dauerte fünf Stunden, von 22 Uhr bis 3 Uhr morgens. „...Auf der Bühne eines der Säle des Bourbonenpalastes verabreichte Kirke den Gefährten des Odysseus einen Zaubertrank. Nachdem sie sie in Tiere verwandelt hat, hält die verräterische Göttin die Reisenden gewaltsam auf ihrer Insel fest. Die Götter beschließen, den Hexenzauber zu brechen. Sie erklären Circe den Krieg. Gute Siege.“ Dies ist die Handlung der ersten echten Ballettaufführung der Geschichte, die Poesie und Musik im Rahmen eines dramatisch ganzheitlichen Drehbuchs vereint.

Seitdem begann sich in Frankreich das Genre des Hofballetts (Maskeraden, Pastoralen, Tanzdivertissements und Zwischenspiele) zu entwickeln. Ballett 16. Jahrhundert war ein prächtiges Spektakel im Barockstil mit der Aufführung zeremonieller spanischer Tänze – Pavane, Sarabande. Zur Zeit Ludwigs XIV. erreichten die Hofballettaufführungen ihren höchsten Glanz und beinhalteten Bühneneffekte, die dem Spektakel den Charakter einer Extravaganz verliehen. Ludwig XIV. selbst war die Muse des Tanzes nicht fremd; im Jahr 1653 fungierte er als die Sonne „Ballett der Nacht“ fortan wurde er „Sonnenkönig“ genannt. Der Komponist J.B. tanzte im selben Ballett. Lully, der seine Karriere als Tänzer begann.

Es begann sich in ein Ballett zu verwandeln, als es nach bestimmten Regeln aufgeführt wurde. IN war der Erste, der sie formulierte Choreograf Pierre Beauchamp(1637–1705), der mit Lully zusammenarbeitete und 1661 die Französische Tanzakademie (das spätere Pariser Opernhaus) leitete. Er ist schrieb die Kanonen eines edlen Tanzstils nieder, der auf dem Prinzip der Eversion der Beine beruhte(en dehors). Diese Situation gab menschlicher Körper Möglichkeit, sich frei zu bewegen verschiedene Seiten. Er teilte alle Bewegungen des Tänzers in Gruppen ein: Kniebeugen (Plie), Sprünge (Sprünge, Entrechat, Cabriole, Jete). , Fähigkeit, beim Springen zu schweben - Elevation), Rotationen (Pirouetten, Fouettés), Körperpositionen (Haltungen, Arabesken). Die Ausführung dieser Bewegungen erfolgte auf Basis von fünf Stellungen der Beine und drei Stellungen der Arme (Port de Bras). Alle klassischen Tanzschritte leiten sich aus diesen Bein- und Armpositionen ab. Damit begann die Entstehung des Balletts, das sich im 18. Jahrhundert entwickelte. von Zwischenspielen und Divertissements zur eigenständigen Kunst.

An der Pariser Oper im 17. Jahrhundert. Es wurde ein besonderes Genre der Theater- und Musikaufführung aufgeführt - Opern und Ballette Komponisten J.B. Lully, A. Campra, J.F. Ramo. Die Balletttruppe bestand zunächst nur aus Männern. Französische Tänzer waren berühmt für ihre Anmut und Anmut (Adel) ihrer Darbietungsweise. Italienische Tänzer brachten einen neuen Tanzstil auf die Bühne der Pariser Oper – einen virtuosen Stil, einen technisch komplexen, springenden Tanzstil. Einer der Begründer des Männerbühnentanzes war Louis Dupre(1697-1774). Er war der erste, der beide Darbietungsstile im Tanz kombinierte. Die zunehmende Komplexität der Tanztechnik erforderte Änderungen an der Damentracht. Im ersten Drittel des 18. Jahrhunderts. Marie Camargo und Marie Salle waren die ersten Ballerinas, die Sprünge (Entrechat) vorführten, die zuvor nur Männern vorbehalten war, daher schafften sie schwere Reifen und Paniers ab, verkürzten dann die Röcke und wechselten zu Schuhen mit niedrigeren Absätzen.

Marie Salle

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. brillant Tänzer Gaetan Vestris (1729-1808), Pierre Gardel (1758-1840), Auguste Vestris. Leichte Kleidung im antiken Stil, die am Vorabend der Französischen Revolution in Mode kam, trug zur Entwicklung der Balletttechnik bei. Der Inhalt der Ballettnummern war jedoch lose mit der Handlung der Oper verbunden und hatte den Charakter eines Entrees, eines Einsatzes in einem Menuett, einer Gavotte und anderen Tänzen während der Opernaufführung. Das Genre der handlungsorientierten Ballettaufführung hat sich noch nicht entwickelt.

Auguste Vestris

Ballett im Zeitalter der Aufklärung.

Zeitalter der Erleuchtung - einer der Meilensteine ​​in der Entwicklung des Balletts. Aufklärer forderten eine Abkehr von den Konventionen des Klassizismus, eine Demokratisierung und Reform des Balletttheaters. J. Weaver (1673–1760) und D. Rich (1691–1761) in London, F. Hilferding (1710–1768) und G. Angiolini (1731–1803) in Wien versuchten es zusammen mit dem Komponisten und Opernreformer V. K. Gluck das Ballett in eine Handlungsaufführung zu verwandeln, ähnlich einer dramatischen. Diese Bewegung kam am deutlichsten in der Reform des Studenten L. Dupre zum Ausdruck Jean Georges Noverre.Er führte das Konzept des Pas d'Action (effektives Ballett) ein. Noverre verglich das Ballett mit dem klassizistischen Drama und förderte eine neue Haltung gegenüber dem Ballett als eigenständiger Aufführung. Er legte großen Wert auf die Pantomime und verarmte das Vokabular des Tanzes. Sein Verdienst war jedoch die Entwicklung von Formen des Solo- und Ensembletanzes, die Einführung der Form des Mehrakterballetts, die Trennung des Balletts von der Oper, die Differenzierung des Balletts in hohe und niedrige Genres – komisch und tragisch. Er skizzierte seine innovativen Ideen in„Briefe über Tanz und Ballett“ "(1760). Am bekanntesten sind Noverres Ballette zu mythologischen Themen:,„Admet und Alceste“,„Rinaldo und Armida“,„Psyche und Amor“„Der Tod des Herkules“ - alles zur Musik von J. J. Rodolphe;, 1780,„Medea und Jason“ 1778, „Chinesisches Ballett“„Iphigenie in Aulis“

Mit ihrer Kombination aus italienischer Melodie, germanischer Harmonie und Rhythmen und dem deklamatorischen Stil der französischen Tradition legten die Werke von Meyerbeer sowie denen von Rossini und Halévy den Grundstein für die große französische Oper. Wagner ahmte sie nach, bevor er seinen eigenen Stil entwickelte, und Verdi verpasste keine Premiere an der Pariser Oper.

Jean Georges Noverre

Ballett-Sentimentalität. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Die Ära des Sentimentalismus ist angebrochen. Im Gegensatz zu den Aufklärern mit Sentimentalisten machten den Charakter ihrer Werke zu einem gewöhnlichen Menschen und kein alter Gott oder Held. Das Balletttheater wurde zu einem öffentlichen Spektakel für die Stadtbewohner und eine neue Art der Aufführung erschien – Komödie und Melodram . Im Vordergrund stand die Pantomime, die den Tanz in den Schatten drängte, das Ballett in ein Choreodrama verwandelte und damit das Interesse an der literarischen Grundlage der Handlung steigerte.

Jean Dauberval, Schüler von Noverre, virtuoser Tänzer der Pariser Oper, der Musiktheater von Stuttgart, Bordeaux und London, brachte im berühmten Pastoralballett erstmals Vertreter des Dritten Standes auf die Ballettbühne „Vergebliche Vorsichtsmaßnahme“, 1789 (Originaltitel „ Ballett über Stroh, oder Vom Bösen zum Guten, nur ein Schritt“). In dieser Aufführung Doberval gelang es, Klassik mit Pantomime und Elementen des Volks- und Alltagstanzes zu verbinden.

Jean Dauberval

1779 Künstler Pierre Leroux.

Wenn Dauberval der Schöpfer der Ballettkomödie wurde, dann in seinem Schüler, dem Chefchoreografen der Pariser Oper, gelang das Genre des Melodrams Jean Omer(1774-1833), der inszenierte berühmtes Ballett „Manon Lescaut“(1830) zur Musik von J.F. Halévy. In den Werken der jüngeren Generation von Sentimentalisten - S Alvatore Vigano (1769-1821), Pierre Gardel (1758-1840) , Charles-Louis Didelot Erste Anzeichen der Romantik sind spürbar: Interesse an heroischen Persönlichkeiten und exotischen Themen.

Charles Louis Didelot

Er wurde Theoretiker und Lehrer der aufkommenden Romantik Carlo Blasis(1795–1878), 1837–1850 leitete er die Royal Academy of Dance an der Scala und schrieb drei Bücher über die Theorie des klassischen Tanzes, darunter ein Lehrbuch „Terpsichore-Code“ (1828), in dem er ein System des klassischen Tanzes entwickelte. Er unterteilte die Bühne in klassische (akademische) und charakteristische (alltägliche, volkstümliche) Bühnen und identifizierte darin die Arten von Solo-, Ensemble- und Massentanz. Seine Schule wurde zur führenden Schule für die Ausbildung virtuoser Tänzer; zu seinen Schülern gehörte eine Schar herausragender Ballerinas der Romantik (C. Grisi, L. Gran, F. Cerrito). In den 1860er Jahren arbeitete er in St. Petersburg und trug zur Gründung der russischen Ballettschule bei.

In den 1790er JahrenUnter dem Einfluss der Mode, inspiriert durch die Nachahmung der Antike, wurde das Damenballettkostüm leichter, ein absatzloser Schuh erschien. Mit der Entwicklung der Fingertechnologie In den gleichen Jahren wurden Spitzenschuhe erfunden(aus dem Französischen. Spitze- ein spitzer, spezieller Ballettschuh mit fester Spitze), mit dessen Hilfe er den Charakter des Fliegens erlangte. Ballerinas an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert waren in den 1820er Jahren die ersten, die Spitzenschuhe trugen. Genevieve Goslin Und Amalia Brugnoli. Der französische Tanzstil zeichnete sich durch Leichtigkeit und Leichtigkeit aus, während der italienische Stil die Tanzvirtuosität weiter entwickelte: Sprünge, Drehungen. Die Vorromantik bereitete einen qualitativen Wandel in der Ballettkunst vor, eine neue Ballettpoetik. In den frühen 1830er Jahren traten die Kontraste zwischen dem Erhabenen und dem Alltäglichen in den Vordergrund, die das Wesen der Romantik ausmachen sollten. Die weibliche übernahm die Hauptrollen.

Ballett der Romantik.

Die von den Sentimentalisten geäußerte Kritik an der neuen Lebensweise nahm bei den Romantikern die Form einer Zwietracht zwischen Traum und Realität an. zur realen Welt Sie stellten die Welt der Fantasie und der Exotik gegenüber. Große Erfolge erzielte die Ballettromantik in Frankreich, wo die Tanztechnik, insbesondere bei Frauen, hoch war. P Philippe Taglioni wurde der erste romantische Choreograf, der die Ballette inszenierte“ Sylphide"(1832) und „Jungfrau von der Donau“(1838) mit seiner Tochter Maria Taglioni in der Hauptrolle. Auch romantische Choreografen waren dabei Jean Coralli (1779-1854), Jules Perrault Und Arthur Saint-Leon.

Arthur Saint-Leon (1853)

Die Heldinnen der Ballette waren Sylphen und Waldgeister, Willis, Figuren aus der keltischen und deutschen Folklore . Das Bild einer Tänzerin in einer weißen Tunika, die ein überirdisches Wesen mit einem Kranz auf dem Kopf und Flügeln hinter dem Rücken verkörpert, wurde von den französischen Kostümdesignern I. Leconte, E. Lamy und P. Lormier erfunden. Später wurde der Begriff „weiß“. “, entstand das „weiße Tunika“-Ballett. Weiße Farbe- Die Farbe des Absoluten, „weißes Ballett“, drückte eine romantische Sehnsucht nach dem Ideal aus, die Ballerina in einer Arabeske wurde zu ihrer grafischen Formel. Die Rolle des Corps de Ballet-Tanzes nahm zu und Pantomime, Solo-, Corps de Ballet- und Ensemble-Tänze verschmolzen zu einem Ganzen. Dank der Entwicklung der Fingertechnik wurden Luftbewegungen zu einem neuen Tanzstil.

Das romantische Ballett stützte sich mehr auf literarische Quellen: „Esmeralda“ 1844, nach V. Hugo, "Korsar", 1856 von J. G. Byron, „ Katarina, Tochter eines Räubers“, Ts.Puni, 1846. Die Rolle hat zugenommen Musik, die zum Autor geworden ist Früher war Ballettmusik oft ein Kollektiv, sie diente als Hintergrund und rhythmische Begleitung des Tanzes und schuf die Stimmung der Aufführung. Die Ballettmusik der Romantik selbst erzeugte Dramatik und verlieh den Figuren fantasievolle musikalische Eigenschaften.

Der Höhepunkt des romantischen Balletts wurde „Giselle“ (1841 ), aufgeführt an der Pariser Oper J. Coralli Und J. Perrault nach dem Libretto von T. Gautier zur Musik von A. Adam. IN „Giselle“ die Einheit von Musik, Pantomime und Tanz ist gelungen. Neben der Pantomime wurde die Handlung der Aufführung durch musikalische und choreografische Leitmotive entwickelt und die intonatorische Ausdruckskraft der Melodie verlieh den Charakteren musikalische Charakteristika. Adam begann mit der Symphonisierung von Ballettmusik und bereicherte sie mit einem Arsenal an Ausdrucksmitteln, die der symphonischen Musik innewohnen.

Galina Ulanova als Giselle (1940)

M. TaglioniUnd F. Elsler- die größten Vertreter und Rivalen des romantischen Balletts. Ihre Individualität entspricht zwei Zweigen der Romantik: irrational (fantastisch) und heroisch-exotisch. Die Italienerin Maria Taglioni vertrat die erste Richtung, ihre La Sylphide wurde zum Symbol des romantischen Balletts, sie zeichnete sich durch Anmut, Flucht und Poesie aus. Die österreichische Ballerina Fanny Elsler zeichnete sich durch Temperament, Schnelligkeit und Virtuosität aus; sie vertrat die heroisch-exotische Richtung des romantischen Balletts. Als Charaktertänzerin sang sie die spanische Cachucha, die polnische Krakowiak und die italienische Tarantella. Weitere herausragende romantische Tänzer: Carlotta Grisi, Fanny Cerrito (1817-1909),Lucille Gran (1819-1907). Grisi, Erstdarstellerin der Rolle der Giselle, Berühmt wurde sie auch durch ihre Darstellung der Hauptrolle im Ballett Puni „Esmeralda“. Im Jahr 1845 komponierte Perrault das berühmte Divertissement „ Pas de Quatre"(Musik von Ts. Puni), wo Taglioni, Elsler, Grisi, Cerrito gleichzeitig auftraten.

„Pas de Quatre“ (1845)

Maria Taglioni

Fanny Elsler

Carlotta Grisi

Sein dänischer Zweig sticht in der Geschichte der Ballettromantik hervor, insbesondere in seinen Werken Augusta Bournonville. 1836 schuf er seine eigene Version „La Sylphides“ zur Musik von H.S. Lowenskiöld. Das dänische romantische Ballett (Biedermeier-Stil vor dem Hintergrund der Romantik) ist ein eher irdischer und kammermusikalischer Stil mit Folkloremotiven, bei dem Pantomime eine große Rolle spielt und dem Männertanz mehr Aufmerksamkeit geschenkt wird, weniger Fingertechnik eingesetzt wird und weibliche Rollen sekundär. Diese Merkmale sind auch charakteristisch für das dänische Ballett der Gegenwart. Im Jahr 1830 leitete Bournoville die Truppe des Königlichen Kopenhagener Theaters und schuf im Laufe von 50 Jahren zahlreiche Ballette. Seine männliche Tanztechnik bleibt eine der führenden in Europa.

August Bournonville

Es wird angenommen, dass die kurze Periode der Romantik die beste Periode in der gesamten Geschichte des europäischen Balletts war. Wenn Früher war das Symbol des Balletts Terpsichore, ab der Romantik wurde daraus die Sylphe, der Jeep. Die Ballettromantik existierte am längsten in Russland (Schwanenszenen in "Schwanensee" und Schneeflocken drin "Der Nussknacker" L. Ivanova, Akt der Schatten in „La Bayadère“,„Pharaos Töchter“ Und „Raymonda“ M.Petipa. An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Die Romantik erlebte eine neue Geburt in „ Chopinianer“ M. M. Fokina. Dies war die Romantik einer anderen Ära – der Ära des Impressionismus. Das Genre des romantischen Balletts setzte sich bis in die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts fort. (" Die Blätter verwelken“ E. Tudor zur Musik von A. Dvorak, „ Auf Partys tanzen“ J. Robbins zur Musik von F. Chopin).

Ballett in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts (Akademismus, Impressionismus, Moderne).

Als der Realismus auch andere Kunstformen erfasste, befand sich das europäische Ballett in einer Krise und im Niedergang. Es verlor seinen Inhalt und seine Integrität und wurde durch Extravaganza (Italien) und Music Hall (England) ersetzt. In Frankreich trat er in die Phase der Erhaltung bewährter Schemata und Techniken ein. Nur in Russland hat das Ballett den Charakter der Kreativität bewahrt, wo sich die Ästhetik des großen Balletts und des akademischen Balletts entwickelt hat – eine monumentale Aufführung mit komplexen Tanzkompositionen und virtuosen Ensemble- und Solopartien. Schöpfer der Ästhetik des akademischen Balletts - Marius Petipa, französischer Tänzer, der 1847 nach Russland kam. Von ihm in Zusammenarbeit mit L.I. Ivanov (1834-1901) und den Komponisten P.I. Glasunow geschaffene Ballette "Dornröschen"(1890), "Nussknacker" (1892), "Schwanensee" (1895), „Raymonda“ (1898), "Jahreszeiten"(1900) wurde zum Höhepunkt des klassischen symphonischen Balletts und verlagerte das Zentrum der choreografischen Kultur nach Russland.

Planen:

Einführung

• 1 Ballett in Italien
• 2 17. Jahrhundert – Frankreich und Höfentänze
• 3 18. Jahrhundert – Entwicklung als Kunstform
• 4 Vorromantische Ära
• 5 Ballett im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert
  • 5.1 Russland
  • 5.2 USA

Einführung

Ballett ist eine Form der darstellenden Kunst, die eine formalisierte Form des Tanzes beinhaltet.

1. Ballett in Italien

Am Ende des Mittelalters erwachte das Interesse am antiken Griechenland, und dieses Interesse an der klassischen Vergangenheit führte zur Renaissance. Während der Renaissance begann sich die Gesellschaft darauf zu konzentrieren, den Einzelnen statt die Gesellschaft als Ganzes zu betrachten. Infolgedessen wurden Tänzer in dieser Zeit als Tänzer angesehen perfekt Menschen.

Die bemerkenswertesten Fortschritte in der Choreographie während der Renaissance fanden in den Stadtstaaten des heutigen Italiens statt. Das Ballett entstand an den Höfen als Weiterentwicklung zeremonieller Aufführungen, die während der Feiertage für Aristokraten aufgeführt wurden. Hofmusikanten und Tänzer arbeiteten zusammen, um Unterhaltung für den Adel zu schaffen.

Das Renaissanceballett war viel ärmer als das moderne Ballett. Tutus und Spitzenschuhe wurden noch nicht verwendet. Die Choreografie wurde den Schritten höfischer Tänze nachempfunden. Die Schauspieler kleideten sich in Kostümen, die der damaligen Hofmode entsprachen. In frühen Balletten beteiligte sich das Publikum am Ende auch am Tanz.

Gravur der ersten Szene in Ballett Comique de la Reine.

Im 15. Jahrhundert gab es nur wenige Menschen, die als Choreografen gelten konnten. Jetzt wissen wir nur noch von denen, die über das Tanzen geschrieben haben; die Werke der anderen sind verloren gegangen. Domenico da Piacenza (oder Domenico da Ferrara) war einer dieser Choreografen. Zusammen mit seinen Schülern Antonio Cornazzano und Guglielmo Ebreo unterrichtete er den Adel im Tanzen. Domenico da Piacenza hat ein Werk geschrieben De arte saltandi et choreus ducendi (Über die Kunst des Tanzes und Tanzmanagement), das gemeinsam mit seinen Schülern entstanden ist. Domenico da Piacenza ist wahrscheinlich der berühmteste Choreograf seiner Zeit, da er vieles von dem, was er tat, beschrieb.

In seinem Buch verwendete Domenico das Wort Ballo statt des Wortes Tanz, obwohl sie beide meinen tanzen auf Italienisch. Daher wurden seine Tänze als bekannt Baletti oder Balli(Plural) Ballett(Einheiten). Es ist wahrscheinlich, dass Domenicos Wortwahl zur Verwendung des Wortes „Ballett“ in seiner heutigen Bedeutung führte. Im Jahr 1489 wurde in Tortone, Italien, während einer Feier von Bergonzio di Botta ein Tanz genannt Hauptgericht, begann jeden Teil des Festes. Manche sehen es als das erste Ballett.

Im 16. Jahrhundert wurden große Aufführungen genannt Spektakel, in Norditalien. Dazu gehörten nicht nur Tänze, sondern auch Pferdeshows und Schlachten. Daher stammt das Wort Schauspiel, benutzt in Französisch wenn es um Ballett geht.

Als Katharina von Medici, eine italienische Aristokratin mit Interesse an den Künsten, den französischen Thronfolger Heinrich II. heiratete, brachte sie ihr Interesse am Tanzen nach Frankreich und leistete finanzielle Unterstützung. Die von ihr organisierte Unterhaltung verfolgte höfischpolitische Ziele und drehte sich um mythologische Themen.

Katharina von Medici organisierte grandios Spektakel auf Veranstaltungen aller Art als „Königinmutter“ Frankreichs. Einer der bemerkenswertesten war Le Ballet des Polonais(Polnisches Ballett), das anlässlich des Besuchs polnischer Botschafter im Jahr 1573 aufgeführt wurde.

Vielleicht eines der ersten traditionellen Ballette Ballett Comique de la Reine(1581) inszeniert von Balthasar de Beaujoyeulx, ein Ballettdrama. Es wurde von zehntausend Zuschauern verfolgt und dauerte von 22:00 bis 15:00 Uhr. Dann beinhaltete Ballett nicht nur Tanzen. Er wurde genannt baleto-comique (komisch bedeutet „Drama“ und nicht „Komödie“), weil es Elemente der Konversation und des Dramas enthielt, was auch der Grund dafür war, dass es so lange dauerte.

Veröffentlichung im selben Jahr Il Ballarino von Fabritio Caroso, einem technischen Handbuch über Höfentänze, sowohl für Gesellschafts- als auch für Aufführungszwecke, trug dazu bei, dass Italien zu einem Zentrum der technischen Entwicklung des Balletts wurde.

Das Ballett verfeinerte sich und wurde in den nächsten 50 Jahren zunehmend tanzbasiert und weniger gesprochen. Er begann, sich gegen Bezahlung nicht nur in Höfen, sondern auch vor Zuschauern zu präsentieren.

Zu dieser Zeit spielten Adlige, darunter Ludwig der XIV., Rollen von unterschiedlicher Bedeutung im Ballett. Dies steigerte das Prestige von Hintergrundrollen und den Rollen negativer Charaktere.

Im Jahr 1584 erschien Teatro d'Olympico mit Proszenium in Verona, Italien.

Das erste französische Buch über das Tanzen erschien 1588. Orchésographie von Thoinot Arbeau. Es enthielt eine Beschreibung der Wahlbeteiligung.

2. 17. Jahrhundert – Frankreich und Höfentänze

Das Ballett entwickelte sich in Frankreich während der Herrschaft Ludwigs des 14., der eine Leidenschaft für den Tanz hatte und den im 17. Jahrhundert einsetzenden Verfall der Tanzstandards stoppte, als eigenständige Kunstform mit dem Ziel, Aufführungen zu schaffen.

Als Ludwig der 14. zum König gekrönt wurde, wurde sein Interesse am Tanzen durch den in Italien geborenen Kardinal Mazarin, der Ludwig dem 14. assistierte, stark gefördert. Der junge König debütierte bereits als Junge im Ballett.

Mazarin beschleunigte den italienischen Einfluss auf französische Aufführungen. Der Choreograf, den er aus Italien mitbrachte, war der italienische Komponist Giovanni Baptista Lulli (1632-1687), der wegen seiner Arbeit in Frankreich Jean-Baptiste Lully genannt wurde. Lully wurde zu einem der Lieblingstänzer des Königs und repräsentierte den König als den besten Tänzer Frankreichs.

Von Ludwig XIV. ermutigt, bezog Lully den König oft in seine Ballette ein. Der Titel „Sonnenkönig“ von Ludwig XIV. stammt von seiner Rolle in Le Ballet de la Nuit(1653) unter der Regie von Lully.

Im Jahr 1661 gründete Ludwig der 14. in einem Raum im Louvre die Königliche Tanzakademie (Académie Royale de Danse). Es war die erste Ballettschule der Welt. Daraus entwickelte sich die Kompanie, die später als Pariser Opernballett bekannt wurde. Lully, der am französischen Hof diente, regierte die Royal Academy of Dance mit eiserner Hand. Er spielte eine wichtige Rolle bei der Festlegung der allgemeinen Richtung des Balletts für das nächste Jahrhundert.

Lullys wichtigster Beitrag zum Ballett war seine Aufmerksamkeit für die Nuancen der Kompositionen. Sein Verständnis für Bewegung und Tanz ermöglichte es ihm, Musik speziell für Ballette zu komponieren, deren musikalische Phrasen den körperlichen Bewegungen entsprechen. Er arbeitete auch mit dem französischen Dramatiker Molière zusammen. Gemeinsam übernahmen sie den italienischen Theaterstil, Commedia dell'arte(Komödie der Künste a) und adaptierten es in ihren Werken für französische Zuschauer und schufen Komödie-Baleto. Zu ihren wichtigsten Kreationen gehörte Le Bourgeois Gentilhomme(1670). Pierre Beauchamps (1636-1705), ein weiterer Hoftänzer und Choreograf, arbeitete ebenfalls mit ihnen zusammen und inszenierte Tanzinteraktionen zwischen dramatischen Bewegungen. Pierre Beauchamp war der Tanzlehrer Ludwigs des XIV.

Pierre Beauchamp begann mit der Entwicklung einer Tanzterminologie. Die frühesten Hinweise auf Fußpositionen im Ballett finden sich in seinen Werken. Beauchamp wurde möglicherweise als „Leiter des Royal Ballets“ an der Royal Academy of Dance bezeichnet. Er ist einer der berühmtesten Gründerväter des Balletts.

Die fünf Beinpositionen und die in jeder Position vorhandene Wahlbeteiligung lassen sich auch damit erklären, dass das Ballett auf der Grundlage höfischer Tänze entstanden ist. An den Höfentänzen nahmen Adlige teil, und alle Männer unter ihnen waren im Fechten ausgebildet, und bei den Tänzen kamen einige Fechttechniken zum Einsatz. Auch beim Fechten ist die Beteiligung vorhanden, und die Positionen im Ballett ähneln denen beim Fechten. Die Wahlbeteiligung bietet Ihnen die beste Möglichkeit, sich in jede Richtung zu bewegen.

Die erste Ballettschule befand sich in Frankreich. Dort wurde die Ballettterminologie gebildet. Fast jede Bewegung im Ballett wird mit einem französischen Wort oder einer französischen Phrase beschrieben. Aufgrund der gängigen Terminologie muss jeder Tänzer die französischen Namen für Schritte und Bewegungen lernen. Dies hat den Vorteil, dass der Tänzer die Unterrichtsstunde überall hin mitnehmen kann, und egal wie verwirrend die restliche Erklärung ist, die Begriffe sind auf Französisch und daher verständlich.

Im Jahr 1669 gründete Ludwig der XIV. die Königliche Musikakademie (Académie Royale de Musique) unter der Leitung von Lully. Im Jahr 1670 Körperliche Fähigkeiten Die Leistungen Ludwigs XIV. verschlechterten sich so sehr, dass er mit dem Tanzen aufhörte und andere, bessere Tänzer die Hauptrollen spielen ließ.

Später wurde Lully der erste Direktor des Theaters der Royal Academy of Music, als es sich um Tanz erweiterte. Lully kombinierte italienisches und französisches Ballett und schuf so ein Vermächtnis, das die Zukunft des Balletts bestimmen sollte.

1672 gründete Lully eine Tanzakademie an der Royal Academy of Music. Diese Tanzkompanie existiert noch heute als Pariser Opernballett. Es ist die älteste kontinuierlich tätige Ballettkompanie der Welt.

Lullys Ernsthaftigkeit beim Tanzstudium führte zur Entwicklung professioneller Tänzer, die sich von den bloßen Höflingen, die tanzen konnten, unterschieden. Darüber hinaus traten im Balletttanz zwei unterschiedliche Stile auf – majestätisch, edel, charakteristisch für das Hofballett und virtuos, bisher nur mit professionellen Schauspielern möglich.

Bis 1681 nahmen nur Männer am Ballett teil. Im Jahr 1681 inszenierte Lully Le Triomphe de l'Amour. Mademoiselle de Lafontaine (Mlle LaFontaine) (1665-1738) war eine von vier Tänzerinnen, die an der Aufführung teilnahmen. Die Namen der anderen drei sind derzeit unbekannt. Von diesem Zeitpunkt an wurde Mlle Lafontaine als „Königin des Tanzes“ bekannt. Mlle Lafontaine war die erste Frau, die eine professionelle Tänzerin war. Louis Pécourt (1655-1729) war der erste führende männliche Profitänzer.

Im Jahr 1687 erlitt Lully eine Wunde durch einen versehentlich in sein Bein gesteckten Stock, der zur Zeitmarkierung diente, und starb daran. Zu dieser Zeit wurde Ballett normalerweise als Teil derselben Theaterproduktionen wie die Oper aufgeführt, und zwar in Form einer Aufführung namens Opernballett ( Oper-Ballett). Die von Lully geleitete Musikakademie schuf den Standard des Opernballetts. Die Leute wollten genauso viel oder mehr tanzen als Musik. Komponist eines der Opernballette, L'Europe Galante(1697) schlug vor, ihn populärer zu machen, indem man die Tänze verlängerte und die Röcke der Tänzer verkürzte, was damals schon üblich war.

3. 18. Jahrhundert – Entwicklung als Kunstform

Maria Taglioni, die erste, die auf Zehenspitzen tanzte.

Die Zusammensetzung des Balletts wurde von einigen Komponisten verändert, beispielsweise von Christoph Gluck. Schließlich wurde das Ballett in drei formale Techniken unterteilt Serieux(ernst), Halbfigur(Halbzeichen) und komisch(Comic). Ballett begann in Opern als verbindende Zwischenaufführungen wahrgenommen zu werden.

Ein Buch wurde 1700 veröffentlicht Choreographie oder die Kunst, den Tanz zu beschreiben von Raoul Auger Feuillet. Wort Choreographie Der Titel des Buches stammt aus dem Griechischen Khorea(Tanz) und graphein(schreiben). Das Wort „Choreographie“ leitet sich von diesem Wort ab. In diesem Buch wurden sowohl Bühnentänze als auch Tänze für die Tanzfläche beschrieben. Es wurde versucht, eine Möglichkeit zur Aufnahme von Tänzen zu schaffen, die der Aufnahme von Musik ähnelt. Obwohl diese Aufzeichnungsmethode nie vervollständigt oder standardisiert wurde, wird dieses System auch heute noch verwendet, da kein anderes System entwickelt wurde. Um 1700 waren viele der heute gebräuchlichen Wörter zur Beschreibung von Ballettbewegungen bereits in Gebrauch, z. Cabrio, Verfolgung, entrechat(Entrechat), jeté, Pirouette(Pirouette), Sissone.

1713 gründete die Pariser Oper eine eigene Tanzschule, die Tanztechniken nach den Werken Feuillets lehrte. Im Jahr 1713 wurde die Royal Academy of Dance der Pariser Oper angegliedert.

Ein Buch wurde 1725 veröffentlicht Tanzmeister von Pierre Rameau (1674-1748), ehemaliger Tanzdirektor der Königin von Spanien. In diesem Buch gibt Rameau zum ersten Mal offiziell fünf Fußpositionen an.

Zu dieser Zeit legten französische Tänzer Wert auf Eleganz und italienische Tänzer auf Akrobatik. In Frankreich wurde die Geschichte in den Tanzpartien des Opernballetts fortgesetzt, während in Italien Tänze einfach eingefügt wurden, damit das Publikum nicht zu lange dem ununterbrochenen Gesang lauschte.

Zu den herausragenden männlichen Tänzern ihrer Zeit zählten Michel Blondy (1677–1747) und Claude Balon (1676–1739). Der Nachname des letzteren könnte den Begriff gegeben haben Ballon, beschreibt die Qualität von Sprüngen im Ballett. Frauen spielten im Ballett noch eine geringere Rolle als Männer, da sie erst später mit dem Tanzen begannen und schwere Kostüme tragen mussten. Zu den herausragenden Tänzerinnen zählten Marie-Thérèse de Subligny (1666–1735) und Françoise Prévost (1680–1741); Sie wurden als französische Tanzköniginnen bekannt, da sie ihr maximales Können erreichten und ähnlich wie Blondy und Balon tanzten.

Prévost erlangte mit der Inszenierung von Soli Berühmtheit Les charactès de la Danse Sie vertrat mehrere Liebesromane, in denen sie beide Seiten spielte. Zwei ihrer Schülerinnen, Marie Sallé (1701–1756) und Marie-Anne de Cupis de Carmargo (1710–1770), oder La Carmargo, wie sie genannt wurde, führten diese Produktion auf. Marie Carmargo debütierte 1726. Ihre Konkurrentin Marie Sallé debütierte 1727. 1733 kreierte Marie Sallé ihre eigene Pygmalion, trug nur eine Tunika.

Carmargo tanzte pur. Im Solo konzentrierte sie sich auf das Springen und die Entwicklung von Schritten mit vielen Tritten Batterie. Sallé wurde berühmt für ihre unglaubliche Fähigkeit, Charakter zu zeigen. Deshalb verwandelte sie das Solo ihres Lehrers in ein Duett, das ihr die Möglichkeit gab, mit ihrem Partner zu interagieren. Sowohl La Carmargo als auch Sallé trugen zur Verkürzung des Ballerina-Kostüms bei, da sie in kürzeren Röcken auftraten, die jedoch kaum über dem Knöchel reichten. In ihren kürzeren Röcken mussten Ballerinas tragen Vorsichtsmaßnahmen (Vorsicht bedeutet „verhindern“, „vorsorgen“), damit das Publikum nichts Unangemessenes sieht, wie man damals glaubte.

Im Jahr 1735 inszenierte Pierre Rameau ein Opernballett Les Indes Galantes, basierend auf dem Thema von vier Romanzen in verschiedenen exotischen Situationen. Darin führen die Tänzer durchaus Ballett auf, da bereits erkannt wird, dass sich die Tänze für das Ballett und die Tanzfläche voneinander unterscheiden. Eversion gilt als Ein wichtiger Teil Ballett, Ballett erforderte dann eine fast vollständige Drehung (180 Grad). Obwohl beim Tanzen auf der Tanzfläche Beteiligung erwünscht war, war sie in diesem Fall in Wirklichkeit überhaupt nicht notwendig.

Im Jahr 1738 gründete Jean-Baptiste Landé die Kaiserliche Ballettschule in St. Petersburg, Russland, die heute als Akademie des Russischen Balletts bekannt ist. A. Ya. Vaganova. Dies ist die zweitälteste Ballettakademie der Welt.

Im Jahr 1739 kam Barbara Campanini (1721-1799) aus Italien nach Paris und wurde weithin als La Barbarina bekannt. Während es La Carmargo großartig ging entrechat-quatre, einen Sprung, bei dem die Beine sich kreuzen oder zweimal aufeinander treffen, könnte La Barbarina schaffen entrechat-huit, ein Vier-Kick-Sprung.

Nach etwa 1735 begann sich in England eine viel größere Aufmerksamkeit für das Ballett zu entwickeln. Dann schuf der englische Choreograf John Weaver (1673–1760). Ballett der Aktion(Action-Ballett), also Ballett ohne Reden. Die ganze Geschichte wurde darin mit Hilfe von Tänzen und Pantomime vermittelt. Sein ehrgeizigstes Projekt war Liebe zu Mars und Venus, in dem Louis Dupré (1697-1774), John Weaver und Englands erste Ballerina, Hester Santlow (1690-1773), auftraten. Obwohl Liebe zu Mars und Venus wurde gut rezensiert, geriet in Vergessenheit und Weaver erhielt nicht die Anerkennung, die er verdiente. Actionballett würde wahrscheinlich mit Weaver sterben. Doch der Italiener Domenico Maria Gasparo Angiolili (1731-1803) und der Französisch-Schweizer Jean-Georges Noverre (1727-1810), ein Schüler von Louis Dupré, genannt „Shakespeare des Balletts“, erfassten die Idee der Aktion Ballett für sich.

1758 inszenierte Jean Georges Noverre sein erstes Ballett in Lyon und schrieb seine Theorien über den Tanz. 1760 veröffentlichte er sein Buch Briefe über den Tanz und die Ballette (Briefe über Tanz und Ballett), das sich auf die Entwicklung eines Actionballetts konzentrierte, bei dem die Bewegungen der Tänzer darauf ausgelegt waren, eine Bedeutung auszudrücken und eine Geschichte zu vermitteln. Dieses bahnbrechende Buch war wichtig für die Etablierung des 18. Jahrhunderts als einer Zeit der Verfeinerung der technischen Standards des Balletts und einer Zeit, in der das Ballett neben der Oper zu einer ernsthaften dramatischen Kunstform wurde. Um alles, was auf der Bühne passiert, so wahrheitsgetreu wie möglich darzustellen, wählte Noverre die Pantomime als seine Hauptmethode.

Mitte des 18. Jahrhunderts versuchten viele monarchistische Höfe in Europa, wie Versailles zu sein. Opernhäuser wurden eröffnet verschiedene Orte. Tänzer und Lehrer fanden leicht Arbeit.

In dieser Zeit spielten Frauen eine Nebenrolle als Tänzerinnen, da sie Krinolinen, Korsetts und Perücken trugen High Heels. In solchen Kostümen, die Ballerinas jener Zeit trugen, war es für sie schwierig zu tanzen, und da sie Ledermasken trugen, war es für sie schwierig zu schauspielern. Noverre trug dazu bei, die traditionelle Tracht der Ballerinas zu verändern und im Jahr 1763 inszenierte er Jason und Medea keine Masken. Die Gesichtsausdrücke der Tänzer waren sichtbar und die enorme Ausdruckskraft der Darbietung beeindruckte das Publikum mitunter sehr.

Im Jahr 1772 hörte Maximilien Gardel auf, seine Maske zu verwenden.

Im Jahr 1780 tritt John Durang, der erste amerikanische männliche Tänzer, in Philadelphia (Pennsylvania, USA) auf.

Im Jahr 1783 gründete Katharina II. das Kaiserliche Opern- und Balletttheater in St. Petersburg und eröffnete gleichzeitig das Gebäude des Bolschoi-Kamenny-Theaters.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts dominierten in der Pariser Oper männliche Tänzer wie der italienisch-französische Virtuose Gaëtan Vestris, ein Schüler von Louis Dupré, und sein für seine Sprünge berühmter Sohn Auguste Vestris. Aber auch Frauen verbesserten ihre Balletttechnik, zum Beispiel die in Deutschland geborene Anne Heinel, die als erste Tänzerin eine Doppelpirouette vollführte.

Im Jahr 1789 Le Ballet de la Paille wurde in Bordeaux von einer der Ballerinas der Zeit, Maria-Madeleine de Crespé (1760-1796), und ihrem Ehemann Jean Dauberval (1742-1806) aufgeführt (Choreographie). Jean Dauberval war ein Schüler von Jean Georges Noverre. Le Ballet de la Paille war eines der ersten Ballette über Menschen der Mittelschicht. Er erzählte von einer Mutter, die versuchte, eine gewinnbringende Ehe für ihre Tochter zu arrangieren. Dieses Ballett ist jetzt bekannt als La Fille Mal Gardee. Dies ist das älteste Ballett im modernen Repertoire.

Zu dieser Zeit begann die Französische Revolution, weshalb Dauberval in Bordeaux blieb. Dort unterrichtete er den in Italien geborenen und ausgebildeten Salvatore Viganò (1769-1821) und seine Frau. Abgesehen davon, dass Viganò es war Balletttänzer Er war auch ein vielbeachteter Musiker, Dichter und Schauspieler. Es wurde gesagt, dass sein Theatergenie dem Shakespeares ebenbürtig sei. Beethoven komponierte seine einzige Ballettmusik für Viganò Schöpfungen von Prometheus.

Mit der Französischen Revolution kam es zu einer Revolution im Ballettstil, wie aus den Zeichnungen von Viganò und seiner Frau hervorgeht. Viganòs Kostüme waren viel leichter als die vorherigen. Seine Frau trug leichte, fließende Kostüme mit Ausschnitten ähnlich der französischen Kaiserlinie, und beide Tänzer trugen weiche, flexible Schuhe. Die Verwendung von Schuhen mit Absätzen im Ballett wurde in den 1790er Jahren eingestellt. Bei den Männern ermöglichten enganliegende knielange Hosen und Strümpfe den Blick auf die Figur der Tänzerin. Leichtere Kleidung erleichterte das Ausführen von Pirouetten und Sprungbewegungen.

Im Jahr 1791 tritt die erste amerikanische Ballettkompanie in Charleston, South Carolina, USA, auf.

4. Vorromantische Ära

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts befand sich das Ballett in einer Übergangsphase der Entwicklung, die als vorromantisch bezeichnet wurde. In der vorromantischen Zeit erreichten männliche Tänzer ihren Höhepunkt.

Der italienische Choreograf Carlo Blasis (1797 (nach einigen Quellen 1795 oder 1803) – 1878), einer von Viganos Schülern, unterrichtete die nächste Generation von Tänzern, damit sie im Vergleich zur vorherigen Generation Fortschritte machten, und veröffentlichte seine Ergebnisse in Lehrbüchern Italien und dann in England, wo die feineren Details des Balletts beschrieben werden. Im Jahr 1820 schrieb Carlo Blasis Eine grundlegende Abhandlung über Theorie und Praxis der Tanzkunst. In ihm wurde die Tanztechnik des frühen 19. Jahrhunderts beschrieben Terpsichore-Code(1830). Er gilt als Erfinder der Pose Attitüde, basierend auf dem berühmten Werk des flämischen Bildhauers Giambologna, einer Statue des Gottes Merkur, der leicht auf den Zehen seines linken Fußes balanciert.

In der vorromantischen Ära des Balletts begannen die Tänzer zunächst, auf den Zehenspitzen zu tanzen. Die früheste Darstellung einer Frau, die auf ihren Fingern tanzt, ist das Bild von Fanny Bias auf ihren Fingern aus dem Jahr 1821, und es ist möglich, dass Geneviève Gosselin 1815 auf ihren Fingern tanzte. Die Tänzerin, die traditionell als erste Tänzerin gilt, die auf ihren Fingern tanzte, ist jedoch die Italienerin Marie Taglioni (1804-1884), die vermutlich bereits im Alter von 18 Jahren auf ihren Fingern tanzte. Vor ihr war das Stehen auf den Fingern jedoch nur ein Trick, für sie war es ein Ausdrucksmittel in der Kunst.

1828 debütierte Maria Taglioni an der Pariser Oper.

5. Ballett im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert

Das 19. Jahrhundert war eine Zeit großer gesellschaftlicher Veränderungen, die sich auch im Ballett widerspiegelte: weg von der vorherrschenden aristokratischen Wahrnehmungskraft hin zum romantischen Ballett.

Die Romantik war eine Reaktion gegen die formalen Beschränkungen und Mechanismen der Industrialisierung. Die Weisheit dieser Zeit veranlasste Choreografen, romantische Ballette zu schaffen, die leicht, luftig und frei waren, was einen Kontrast zur reduktionistischen Wissenschaft darstellen sollte, die, in Poes Worten, „die Dryaden aus dem Wald holte“. Diese scheinbar unwirklichen Ballette stellten Frauen als zarte, ätherische, luftige Geschöpfe dar, die sich problemlos hochheben ließen und fast in der Luft zu schweben scheinen. Ballerinas begannen, Kostüme in Pastellfarben zu tragen, wobei die Röcke um ihre Beine schwebten. Die Drehbücher drehten sich um schreckliche Volksgeister.

Die Ballerinas Geneviève Gosselin, Maria Taglioni und Fanny Elssler experimentierten mit neuen Techniken wie dem Fingertanz, was zu größerer Körpergröße als idealer Bühnenfigur führte. Professionelle Librettisten schrieben Geschichten für Ballette. Lehrer wie Carlo Blasis beschrieben die Balletttechnik in der heute noch verwendeten Grundform. Spitzenschuhe wurden erfunden, um das Fingertanzen zu unterstützen.

Im Jahr 1832 inszenierte Filippo Taglioni (1777-1871), Maria Taglionis Vater, das Ballett La Sylphide damit sie es erfüllt. Maria Taglioni tanzte die Rolle von Sylphide, einem übernatürlichen Wesen, das vom körperlichen Menschen geliebt wurde und von ihm versehentlich zerstört wurde. Die Choreografie nutzte Fingertanz, um die übernatürliche Helligkeit und Substanzlosigkeit hervorzuheben. La Sylphide verursachte viele Veränderungen in den Balletten dieser Zeit in Bezug auf Thema, Stil, Technik und Kostüme. IN La Sylphide Maria Taglioni trug einen glockenförmigen Anzug mit einem Oberteil aus Fischbein. Auf dieser Grundlage wurde 50 Jahre später ein romantischer Ballettrock entworfen.

„La Sylphide“ leitete die Romantik ein, es ist eines der bedeutendsten Ballette und eines der älteren Ballette, die noch heute aufgeführt werden.

Mit der Inszenierung begann mehr oder weniger die romantische Ära Giselle, oder Les Wilis(oder einfach Giselle - Giselle) an der Pariser Oper im Jahr 1841, Choreographie von Jean Coralli und Jules Perrot (1810-1892). Die Musik wurde von Adolphe Adam komponiert. Die Rolle der Giselle wurde von Carlotta Grisi (1819-1899) gespielt, einer jungen Ballerina aus Italien. IN Giselle Es gab einen Kontrast zwischen der menschlichen und der übernatürlichen Welt, und im zweiten Akt riefen die Geister Wilita, trugen weiße Röcke, die in populär wurden La Sylphide. Das romantische Ballett war jedoch nicht auf übernatürliche Wesen beschränkt.

Im Jahr 1845 inszenierte Jules Perrot im Her Highness's Theatre in London Pas de Quatre.

Als sich die relativ neue Fähigkeit des Fingertanzes verbesserte, traten in der Romantik immer mehr Tänzerinnen in den Vordergrund. Zu dieser Zeit waren nur wenige Männer im Ballett prominent. Einige von ihnen waren Jules Perrot, der Choreograf, der die Bühne inszenierte Pas de Quatre, Lucien Petipa (1815-1898), der es verstand, ein virtuoser Partner zu sein, Arthur Saint Léon (1821-1870), der nicht nur ein hervorragender Tänzer, sondern auch ein hervorragender Cellist war.

In Russland und Dänemark hingegen wurden neben Frauen auch Männer ausgebildet, während das Ballett in diesen Ländern von monarchischen Höfen gefördert wurde. Der Däne, der das Ballett am stärksten geprägt hat, war Auguste Bournonville. Nach seinem Studium in Dänemark und Paris und dem Tanzen an der Pariser Oper kehrte August Bournonville nach Dänemark zurück. Dort inszenierte er 1836 seine Version La Sylphide, mit neuer Choreographie und neuer Musik; Die 16-jährige Lucille Grahn spielte die Rolle der Sylphide.

5.1. Russland

Während Frankreich im frühen Ballett erfolgreich war, übernahmen andere Länder und Kulturen die Kunstform bald für sich, allen voran Russland. Russland hat eine anerkannte Balletttradition und das russische Ballett spielt in der Geschichte dieses Landes eine herausragende Rolle.

Nach 1850 begann das Ballett in Paris zu verschwinden. Ballett erfreute sich immer noch großer Beliebtheit, wurde aber hauptsächlich als Aufführung gesehen schöne Frauen. In London verschwand das Ballett praktisch von den Bühnen der Opernhäuser und zog auf die Bühne.

Aber dank der Meister August Bournonville, Jules Perrot, Arthur Saint-Léon, Enrico Cecchetti und Marius Petipa (1818-1910) (Bruder von Lucien Petipa) blühte das Ballett in Russland und Dänemark auf. Ende des 19. Jahrhunderts war der Orientalismus in Mode. Die Kolonialpolitik lieferte Wissen über asiatische und afrikanische Kulturen, das jedoch durch Irrtümer und Vorstellungskraft verzerrt wurde. Der Osten wurde oft als ein weit entfernter Ort betrachtet, an dem alles möglich ist, als wäre er verschwenderisch, exotisch und dekadent.

Zuvor hatte Frankreich mehrere Jahrhunderte lang viele Talente aus Italien importiert. Ebenso importierte Russland Tänzer aus Frankreich. Zuvor traten russische Tänzer vor Publikum in St. Petersburg auf. Eine der bemerkenswertesten Tänzerinnen war Maria Danilova, eine hervorragende Fingertänzerin, die als „Russische Taglioni“ in Erinnerung blieb. Sie starb 1810 im Alter von 17 Jahren.

Im Jahr 1842 begleitete Christian Johansson (1817-1903) Maria Taglioni nach Russland und blieb dort, wo er später zu einem der bedeutendsten Lehrer Russlands wurde.

Giselle wurde in Russland ein Jahr nach der Uraufführung in Paris mit Elena Andreyanova (1819-1857) in der Rolle der Giselle uraufgeführt. Sie tanzte mit Christian Johansson und Marius Petipa, zwei der bedeutendsten Figuren des russischen Balletts.

1848 kamen Fanny Elssler und Jules Perrot nach Russland. Perrot blieb dort zehn Jahre lang als Direktor des Kaiserlich Russischen Balletts St. Petersburg (heute Mariinsky Ballet Company).

Im Jahr 1852 schloss Lew Iwanow (1834–1901), der erste in Russland geborene Innovator, die Kaiserliche Ballettschule (heute Waganowa-Akademie für Russisches Ballett) ab.

Im Jahr 1859 wurde Arthur Saint-Leon anstelle von Jules Perrot Direktor des Kaiserlich Russischen Balletts St. Petersburg (heute Mariinsky Ballet Company).

Marius Petipa war 1862 noch der führende Tänzer des St. Petersburger Balletts, als er sein erstes mehraktiges Ballett schuf Die Tochter des Pharaos für das Kaisertheater des Zaren. Es war eine unglaubliche Fantasie mit ägyptischen Themen, mit lebendig werdenden Mumien und giftigen Schlangen. Dieses Ballett führte zu anderen Balletten und vielleicht zu dem, was heute als klassisches Ballett gilt.

Im Jahr 1869 wurde Marius Petipa anstelle von Arthur Saint-Leon Chefdirektor des Kaiserlich Russischen Balletts St. Petersburg (heute Mariinsky Ballet Company) und war dessen Diktator für die nächsten 30 Jahre. Petipa schuf viele Ballette mit einem Akt und mehreren Akten für die Aufführung auf den kaiserlichen Bühnen Russlands. 1869 ging er nach Moskau und inszenierte dort ein Ballett Don Quijote für das Bolschoi-Theater in Moskau.

Dann kehrte Arthur Saint-Leon nach Paris zurück und inszenierte Coppelia, zuletzt großes Ballett Pariser Oper. Der Deutsch-Französische Krieg und die Belagerung von Paris führten zum Untergang des Balletts in Westeuropa.

1877 schuf Petipa das Ballett La Bayadère für das Bolschoi-Theater in St. Petersburg.

Die erste Produktion fand 1877 statt Schwanensee, ein Ballett, das so beliebt ist, dass sein Titel eine Darstellung des klassischen Balletts ist. Schwanensee Mit der ersten Musik von Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky war er der erste der großen Drei des russischen Balletts. Ursprünglich vom Österreicher Wenzel Reisinger (1827-1892) geschaffen, Schwanensee wurde von vielen überarbeitet, darunter Joseph Hansen (1842-1907) und Petipa im Jahr 1895.

In den 1880er Jahren inszenierte Petipa in Russland zwei Ballette, die in Paris großen Erfolg hatten. Der erste war Giselle, zweite - Coppélia unter der Regie von Saint-Léon (die Originalinszenierung stammt aus dem Jahr 1870).

1889 schuf Petipa das Ballett Amulett.

Im Jahr 1890 wurde Enrico Cecchetti (1850-1928) Tänzer und Direktor der Imperial Ballet School. Er wurde in Rom geboren, beide Eltern waren Tänzer und er lernte bei ihnen. Er studierte auch bei Giovanni Lepri, einem Schüler von Carlo Blasis.

Im Jahr 1890 wurde die italienische Ballerina Carlotta Brianza (1867–1930) von Petipa für die Rolle im neuen Ballett „Dornröschen“ ausgewählt. Dieses Ballett ist das zweite der großen Drei und eines der wichtigsten klassischen Ballette.

Im Jahr 1892 (obwohl das Jahr für Historiker eine offene Frage bleibt) schufen Petipa, der Designer Ivan Vsevolzhsky und der zweite Regisseur Lev Ivanov das Ballett Nussknacker. Dies ist das dritte der großen Drei. Es basiert auf einer versüßten französischen Nacherzählung der Geschichte von E. T. A. Hoffmann. Nussknacker ist in Hunderten verschiedener Versionen äußerst beliebt Weihnachtsballett. Premiere Nussknacker war am 18. Dezember (6. Dezember nach dem damals in Russland verwendeten julianischen Kalender) im Mariinsky-Theater.

Petipa ist vor allem für seine Zusammenarbeit mit Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowski bekannt. Petipa verwendete Tschaikowskys Musik für seine Tänze der Nussknacker (1892), Dornröschen(1890), in letzter Überarbeitung Schwanensee(1895, mit Lev Ivanov). Alle diese Werke basieren auf europäischer Folklore.

In den 1890er Jahren war Ballett in Westeuropa keine große Kunst mehr und existierte in Amerika nicht mehr. Drei Männer, alle aus Russland, aber nicht alle Russen, erschienen ungefähr zur gleichen Zeit auf der Bühne und weckten in ganz Europa und Amerika ein neues Interesse am Ballett: Enrico Cecchetti, Sergei Diaghilev (1872–1929) und Agrippina Vaganova (1879–1951). .

Zu dieser Zeit begann das klassische Tutu zu erscheinen. Es bestand aus einem kurzen Rock, der von Krinoline- oder Tüllschichten getragen wurde, und ermöglichte den Beinen akrobatische Bewegungen.

Im Jahr 1895 wurde Petipa neu gemacht Schwanensee mit wichtigen choreografischen Ergänzungen. Einer der Zugänge war 32 fouette wendet sich.

Im Jahr 1898 inszenierte Petipa sein letztes Ballett unter Ausnutzung aller verbliebenen Möglichkeiten. Raymonda es gab ein Ballett in drei Akten mit Musik von Alexander Glasunow. Ähnlich im Stil wie Tschaikowskys Ballette, Raymonda war sehr schwierig aufzuführen, da es eine große Vielfalt an Tänzen gab, mehr als aus der grafischen Linie der Aufführung hervorgeht.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts begannen die Menschen der Ideen und Prinzipien von Petipas Balletten überdrüssig zu werden und suchten danach frische Ideen. Russisches Ballett war bereits berühmter als die französische und viele russische Tänzer hatten internationalen Ruhm. Die wohl bemerkenswerteste Ballerina dieser Zeit war Anna Pawlowa (1881–1931), berühmt für ihre Leistungen Sterbender Schwan (1907).

Im Jahr 1907 begann Michail Fokin mit dem Versuch, die Kostümregeln im Kaiserlichen Theater zu ändern. Er spürte, dass die Aussicht Regenschirm öffnen, die Art und Weise, wie Frauen sich damals kleideten, war langweilig und nicht anständig. In meinem Ballett Griechischer Stil Eunice er ließ die Tänzer barfuß erscheinen. Damals verstieß es gegen die Regeln des Kaiserlichen Theaters, barfuß zu sein, daher wurden den Tänzern Zehen auf die Schuhe gemalt. Darüber hinaus verwendete er E-Musik anstelle von Tanzmusik.

1909 brachte Sergej Diaghilew das Ballett zurück nach Paris und gründete seine Kompanie Ballets Russes. Zu den Tänzern des Ballets Russes gehörten die besten jungen russischen Tänzer: Anna Pavlova, Tamara Krasavina, Adolf Bolm (1884-1951), Vaslav Nijinsky (1889-1950) und Vera Caralli. Das Ballet Russes wurde am 19. Mai 1909 in Paris eröffnet und war sofort ein Erfolg. Die männlichen Tänzer, darunter Vaslav Nijinsky, verdienen besondere Bewunderung, da gute männliche Togla-Tänzer in Paris praktisch verschwunden sind. Nach der Russischen Revolution 1917 bestand das Unternehmen aus Emigranten aus Russland. Die Revolution nahm Diaghilew die Möglichkeit, nach Russland zurückzukehren.

Ballets Russes traten hauptsächlich in Westeuropa auf, gelegentlich jedoch auch in Nord- und Südamerika. Sergei Diaghilev war 20 Jahre lang der Direktor aller Ballette in Westeuropa und Amerika.

Nach einer Saison bei den Ballets Russes gründete Anna Pavlova ihre eigene Kompanie mit Sitz in London und reiste ausgiebig um die Welt, wobei sie Orte besuchte, an die die Ballets Russes nicht kamen. Anna Pavlova besuchte viele Städte in den USA, auch kleine. Sie gründete in den USA keine Ballettschule oder Ballettkompanie, ermutigte aber durch ihre Auftritte viele Mädchen, mit dem Tanzen zu beginnen.

Ballets Russes begannen mit starken russischen Kultwerken. Das erste gezeigte Ballett war jedoch Le Pavillon d'Armide hatte einen starken französischen Einfluss. In der Leistung Le Pavillon d'Armide Vaslav Nijinsky, bekannt als einer der besten Springer aller Zeiten, nahm sowohl in St. Petersburg als auch in Paris teil. Ballets Russes präsentierte in Paris auch das früher als Ballett bekannt Chopiniana, da die gesamte Musik Chopin gehörte. Aber es wurde umbenannt Les Sylphides für französische Zuschauer. Er war nicht dasselbe wie La Sylphide, aber es erhielt einen ähnlichen Namen, da Pariser Zuschauer es kürzlich gesehen hatten La Sylphide.

Diaghilew und der Komponist Igor Strawinsky bündelten ihre Talente, um Ballette zu schaffen, die auf russischer Folklore basieren Feuervogel Und Petersilie. In den nächsten Jahren führten die Ballets Russes mehrere Ballette auf, die dadurch berühmt wurden, darunter auch „Ballets Russes“. Scheherazade (1910), Feuervogel (1910), Petersilie (Petroucha) (1911).

Mikhail Fokin begann seine Karriere in St. Petersburg, zog dann nach Paris und arbeitete mit Diaghilew an den Ballets Russes.

Enrico Cecchetti war einer der Darsteller von Petruschka und spielte Pantomime, da er ohnehin nicht in sehr guter körperlicher Verfassung war. Enrico Cecchetti wurde durch seine Rollen als feurige Fee berühmt Carbosse und Bluebird rein Dornröschen Petipas Inszenierungen von 1890. Später wurde er als Begründer von Cecchettis Art, Ballett zu unterrichten, bekannt.

1913 schuf Nijinsky ein neues Ballett Le Sacre du Printemps (Russischer Name Heiliger Frühling, obwohl die wörtliche Übersetzung aus dem Französischen „Widmung dem Frühling“ lautet). Dies war das umstrittenste Werk der Ballets Russes. Dieses Ballett wurde mit Musik aufgeführt, die auch Strawinsky genannt wurde. Moderne Ballettmusik und das Thema Menschenopfer beeindrucken das Publikum sehr. Viele in den USA assoziieren Zauber des Frühlings mit der Dinosaurier-Episode von Fantasie Walt Disney.

Die letzte wichtige Produktion der Ballets Russes in Paris fand 1921 und 1922 statt, als Diaghilew die Fassung neu inszenierte Dornröschen Petipa 1890. Die viermonatige Show brachte die finanzielle Investition nicht zurück und war tatsächlich ein Misserfolg. Jedoch, Dornröschen weckte das Interesse des Publikums am abendfüllenden Ballett.

1933, nach Diaghilews Tod, gründete René Blum zusammen mit anderen das Ballet Russe in Monte Carlo und führte die Balletttradition weiter. Blum wurde später in Auschwitz von den Nazis ermordet.

Nach der Russischen Revolution wurde das Ballett in Russland von Anatoli Lunatscharski, dem ersten Volkskommissar für Bildung, bewahrt. Nach Lunatscharski erlaubten die Kommissare Ballett, wenn es hell und erhaben war.

Das russische Ballett entwickelte sich während der Sowjetzeit weiter. Nach der Revolution blieb das Land bestehen eine kleine Menge talentierte Leute, aber das reichte aus, um eine neue Generation zu schaffen. Nach einer Stagnation in den 1920er Jahren betrat Mitte der 1930er Jahre eine neue Generation von Tänzern und Choreografen die Bühne.

In den 1930er Jahren war Agrippina Waganowa in St. Petersburg (damals Leningrad) künstlerische Leiterin des damaligen Kaiserlich Russischen Balletts und begann Spuren ihrer Tätigkeit zu hinterlassen. 1935 wurde die Ballettkompanie in Kirow-Ballett (heute Mariinski-Ballettkompanie) umbenannt. Als künstlerische Leiterin folgte Waganowa den Regierungsregeln und veränderte das Ende Schwanensee von tragisch bis erhaben.

Waganowa verlangte technische Perfektion und Präzision des Tanzes, sie war eine Schülerin von Petipa und Cecchetti und hatte zuvor die Kaiserliche Ballettschule geleitet, die in Staatliches Choreografisches Institut Leningrad umbenannt wurde und Tänzer für die Mariinsky-Ballettkompanie ausbildete. 1957, sechs Jahre nach Waganowas Tod, benannte die Regierung das Leningrader Staatliche Choreografische Institut in Akademie des Russischen Balletts um. A. Ya. Vaganova. Als die Mariinsky Ballet Company begann, nach Westeuropa zu reisen, war Waganowa bereits gestorben. Vaganovas Methode, Ballett zu unterrichten, ist aus ihrem Buch „Fundamentals of Classical Dance“ bekannt, das in verschiedene Sprachen übersetzt wurde.

Das Ballett erfreute sich beim Publikum großer Beliebtheit. Und die Moskauer Ballettkompanie Bolschoi-Theater und die St. Petersburger Ballettkompanie des Mariinski-Theaters waren aktiv. Ideologischer Druck führte zur Entstehung sozialistisch-realistischer Ballette, von denen die meisten beim Publikum keinen Eindruck machten und später aus dem Repertoire beider Kompanien ausgeschlossen wurden.

Einige Werke dieser Zeit waren jedoch bemerkenswert. Unter ihnen - Romeo und Julia Sergej Prokofjew und Leonid Lawrowsky. Ballett Flamme von Paris Obwohl es alle charakteristischen Merkmale der Kunst des sozialistischen Realismus aufweist, war es der erste, der das Corps de Ballet aktiv in der Aufführung einsetzte. Auch die Ballettversion war erfolgreich Bachtschissarai-Brunnen nach dem Gedicht von Alexander Puschkin mit Musik von Boris Asafiev und Choreografie von Rostislav Zakharov.

Berühmtes Ballett Aschenputtel mit Musik von Prokofjew ist ebenfalls ein Produkt des sowjetischen Balletts. Während der Sowjetzeit waren diese Produktionen außerhalb der Sowjetunion und später des Ostblocks weitgehend unbekannt. Nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion erlangten sie größere Bekanntheit.

5.2. USA

Nach dem Auftritt der Ballets Russes in Frankreich erlangte das Ballett vor allem in den USA größeren Einfluss.

1910 wurde die erste Ballettkompanie Amerikas, das Chicago Opera Ballet, gegründet.

Im Jahr 1929 erschien die Aleksander Dorothy Concert Group, die später zum Atlanta Civic Ballet wurde.

1933 gründete Adolph Bolm das San Francisco Ballet.

Von Paris aus zog Fokine nach Meinungsverschiedenheiten mit Diaghilew nach Schweden und dann in die USA und ließ sich schließlich in New York nieder. Er glaubte, dass traditionelles Ballett kaum mehr als eine ziemlich sportliche Darbietung sei. Für Fokin war das nicht genug. Neben technischem Können verlangte er Dramatik, Ausdruckskraft und Historizität. Seiner Meinung nach sollte der Choreograf die Epoche, in der das Ballett aufgeführt wird, und seine Kultur erforschen und das traditionelle Tutu zugunsten eines der Epoche angemessenen Kostüms aufgeben.

Fokin geliefert Scheherazade Und Kleopatra. Er hat auch neu gestaltet Petersilie Und Feuervogel. Eines seiner berühmtesten Werke war Sterbender Schwan aufgeführt von Anna Pawlowa. Zusätzlich zu ihren Talenten als Ballerina verfügte Pavlova über die theatralische Begabung, die Fokines Vision von Ballett als Drama entsprach.

Ein junger Tänzer und Choreograf der Ballets Russes war Georgiy Melitonovich Balanchivadze (1904-1983), dessen Name später ins Französische in George Balanchine geändert wurde. Er inszenierte vor allem mehrere Werke bei den Ballets Russes Apollon Musagete(später Apollon) (1928), ein klassisches Werk des Neoklassizismus. Es war ein einaktiges Ballett im griechischen Stil. Nach Diaghilews Tod verließ Balanchivadze die Ballets Russes, reiste kurze Zeit allein und wurde schließlich Leiter der Ballets 1933 Company, die jedoch bald geschlossen wurde. Lincoln Kirstein (1907-1995) lud Balanchivadze nach Amerika ein. Kirstein wusste fast nichts über Ballette und Balanchivadze wusste fast nichts über Amerika, außer dass dort Frauen auftreten, die wie Ginger Rogers aussehen. Balanchivadze beschloss, das Angebot anzunehmen und gründete in Amerika ein Ballett. Dann begann Kirstein, Ballette aufzulisten, die er gerne in Amerika sehen würde, der erste Punkt auf der Liste war Pocahontas.

1933 oder 1934 gründeten Kirstein und Balanchivadze die School of American Ballet in Hartford, Connecticut, die ihre erste Aufführung gab, eine neue Produktion mit dem Titel Serenade, das selbe Jahr. Balanchivadze entwickelte in den USA eine beispielhafte Technik und gründete eine Schule in Chicago. 1934 zog die School of American Ballet nach New York, was wichtiger war. Balanchivadze adaptierte das Ballett für neue Medien, Filme und Fernsehen. Als produktiver Arbeiter hat Balanchivadze den Klassiker neu gemacht Schwanensee Und Dornröschen und schuf auch neue Ballette. Er schuf originelle Interpretationen von Shakespeares Dramen - Romeo und Julia, Fröhlicher Witwer, Ein Traum in einer Sommernacht. Im Ballett Schmuck Balanchivadze brach mit der Tradition der Geschichte und dramatisierte das Thema anstelle einer grafischen Darstellung.

Barbara Karinska, eine Emigrantin aus Russland, war eine fähige Schneiderin und arbeitete mit Balanchivadze zusammen. Sie erhob die Rolle des Kostümdesigns von einer Nebenrolle zu einem wichtigen Teil einer Ballettaufführung. Sie führte einen Schrägsaum ein und vereinfachte den klassischen Ballettrock, um den Tänzern zusätzliche Bewegungsfreiheit zu geben. Mit viel Liebe zum Detail verzierte sie Röcke mit Perlen, Stickereien und Applikationen.